2024년 9월 메종&오브제(MAISON&OBJET) 

1994년부터 사피(SAFI)가 주관해온 메종&오브제(Maison&Objet)는 세계적인 디자인, 홈 데코 및 라이프스타일 업계 전문가들을 한데 모은다. 메종&오브제의 트레이드마크는 국제적 교류 활성화, 메종&오브제 전시회 및 디지털 플랫폼 참가 브랜드 인지도 향상, 인테리어 업계를 주도하는 트렌드 개발이다.

메종&오브제의 목표는 온라인 플랫폼과 오프라인 전시회에서 인재를 발굴하고 네트워킹을 활성화하며, 영감을 제공하여 기업의 성장을 돕는 것이다. 연간 2번의 무역 박람회 및 파리에서 디자이너와 브랜드의 창조적인 에너지를 한 데 모으는 파리 디자인 위크를 매년 9월 개최하는 메종&오브제는 모든 인테리어 디자인 업계 전문가들의 필수 플랫폼이다.

2016년에 공개된 MOM(Maison&Objet And More)은 소비자와 브랜드들이 일년 내내 소통하고 컬렉션을 출시하며 온라인으로 인맥을 형성할 수 있도록 해준다. 주간 신제품 쇼케이스는 지속적으로 업계의 비즈니스를 촉진하고 있으며, 2023년에 메종&오브제는 새로운 디지털 서비스를 도입하며 MOM은 마켓플레이스로 변화하였다. 메종&오브제는 페이스북, 인스타그램, 트위터, 링크드인, 징, 위챗, 틱톡과 같은 여러 소셜 미디어 플랫폼도 활발히 운영하고 있으며 약 200만 명의 구성원을 보유하고 있다.

9월 전시회 테마:  TERRA COSMOS

"우주의 광활함이 유한한 지구와 어우러지는 장소… 사람들의 판타지와 지구의 물질성이 출동하는 장소…

과학과 마법이 결합하는 장소… 새롭고 오래가는 픽션이 등장하고 있으며 현실 세계에 영향을 주고있다.” 라고 ‘페클러스 파리(Peclers Paris)’의 ‘브룬 카크라(Brune Ouakrat)’가 말한다.

‘TERRA COSMOS’는 경외심을 불러일으키는 경험을 통해 소비자들의 이러한 새로운 바램과 기대를 해석한다. 미래에 대한 우주적인 비전은 참신함, 창의성, 혁신에 초점을 맞춘 이번 전시회의 배경이다.

TERRA COSMOS : 매력적이고 무궁무진한 새로운 영역

"연결, 몰입, 가상성, 스마트 소재, 3D, AI... 판타지의 일부가 현실이 되고 소비자들은 몰입감 높고 감각적인 경험을 할 준비가 되어 있다. 새로운 미학이 사람들의 일상 생활에 침투하여 사람들을 매혹시킨다." 라고 ‘페클러스 파리(Peclers Paris)’의 ‘브룬 카크라(Brune Ouakrat)’가 말한다.

TERRA COSMOS는 우주의 무궁무진한 신소재를 보여주며, 다감각적인 경험을 선보이고 메타버스를 탐구한다. 

TERRA COSMOS : 전시회 테마 가이드

What's new? 공간: TERRA COSMOS 테마의 전문적인 해석

“큐레이터 ‘프랑수아 델클로(François Delclaux)’와‘ 엘리자베스 레리쉬(Elisabeth Leriche)’의 시선을 통해 방문객들에게 전시회 테마에 대한 분명하고 전문적인 통찰력을 제공할 것이다"라고 ‘멜라니 르로이(Mélanie Leroy)’가 말한다.  이 두 명의 큐레이터이터가 해석한 ‘TERRA COSMOS’ 테마는 ‘리테일(Retail)’섹션과 ‘데코(Décor)’섹션의’What’s New?’공간에서 다양한 전시업체의 제품들을 통해 경이롭고 놀랍게 연출되어 영감을 줄 예정이다.  ‘호스피탈리티(Hospitality)’섹션에 위치한 What's New? 공간은 올해의 디자이너가 연출할 예정이다.

경험, 교류, 실험

메종&오브제는 경험에서 나오는 예지력과 유용성을 결합한다. 이번 테마는 ‘호스피탈리티(Hospitality)’ 섹션의 ‘Well-Being Experience’, ‘What's New? 공간 및 ‘The Talks’ 공간의 몰입형 연출, 주요 업계의 유명한 전문가가 주도하는 마스터 클래스, 비즈니스별 맞춤 코칭 및 토론을 통해 풍부하고 구체적으로 구현될 것이다.

메종&오브제 은하계

‘TERRA COSMOS’ 테마는 ‘MOM’ 플랫폼에서 발견할 수 있는 제품에서부터 ‘Design sur Cours’와 같은 ‘Paris Design Week’행사 이벤트에 이르기까지 메종&오브제 생태계 전체를 통해 표현될 예정이다.

올해의 디자이너  ‘리오넬 자돗(Lionel Jadot)’

메종&오브제는 2024년 9월 전시회를 위해 ‘리오넬 자돗(Lionel Jadot)’을 호스피탈리티 업계의 올해의 디자이너로 선정하였다. 벨기에의 국민 디자이너, 인테리어 디자이너, 예술가인 리오넬 자돗은 빠르게 변화하는 시대의 상징이다. 그는 이미 직감적으로 미래의 트렌드를 마스터했다. 그는 9월 전시회에서 호스피탈리티 공간의 전용관을 통해 그의 인테리어 디자인 철학을 선보일 예정이다. 그동안의 전통적인 호스피탈리티 공간과는 차별화된 완전히 새로운 경험을 선사할 것이다.

과거로부터 미래를 만들기

리오넬 자돗은 브뤼셀의 유명한 지역에 있는 캐비닛 제작 작업장에서 자랐는데, 그 곳에서 그의 가족은 6대에 걸쳐날렵한 안락의자, 소파, 의자를 조각해 왔다. 어릴 적 그는 작업대에 버려지는 작은 자투리를 활용하여 무엇이든 창조해내려는 열정을 보였다. 완벽한 재활용 능력은 이 디자이너의 삶의 필수적인 부분이다. 가용성에 따라 무작위로 선정되는 소재는 그의 창조성을 10배 증가시킨다. 선택된 소재가 프로젝트의 시작을 주도하며, 그는 프로젝트에 환상적인 세계를 불어넣는다. 그는 기능성과 수집 가치가 있는 디자인의 독특한 작품을 만든다.

‘자벤템(Zaventem)’에 위치한 그의 작업장에서 그는 30여명의 디자이너 제작자들과 수평적인 위치에서 함께 일한다. 기성 질서를 뒤흔드는 뛰어난 능력으로 선정된 그들은 예술에 대한 사랑과 첨단 기술의 기술에 힘입어 함께 편안하고 매력적이며 친환경적인 디자인을 위한 길을 열고 있다. 

메종&오브제를 위한 그의 프로젝트

"호스피탈리티에 대한 나만의 철학을 보여줄 수 있는 전용관을 만들고자 한다. 그러나 내가 Mix Brussels를 위해 했던 것보다 훨씬 더 급진적이고 실험적인 방식으로 연출할 것이다. 여러 아티스트들과 함께 작업할 것이며, 각각의 아티스트는 재활용된 소재를 가공하기 위해 모두 다른 기술을 사용할 것이다. 완성된 디자인만큼이나 생산 방식도 매우 중요하다. 경험과 스토리텔링도 동일하게 중요하다. "

Rising Talents Awards: 스칸디나비아 국가

올해 메종&오브제 팀은 2024년 라이징 탤런트 어워즈의 우승자를 선정하기 위해 북극권으로 나침반을 돌렸다. 전통에 따라 우승자는 모두 35세 미만이며 스튜디오를 시작한 지 5년이 채 되지 않았다. 지리적으로는 스칸디나비아 국가들을 선정하였다. 스웨덴, 덴마크, 노르웨이, 그리고 핀란드와 아이슬란드 등이다. “북유럽 국가들은 전체적으로 매우 역동적이며 풍성한 역사, 재능, 전문성으로 유명하다. 북유럽에서는 시간,자연, 소재가 가장 날것의 상태로 존재한다. 젊은 세대는 공예 및 수집 가능한 디자인과 비슷한 새로운 표현법을 주장한다.”라고 메종&오브제의 라이징 탤런트 어워드 책임자인 데린 오 셜리번(Dereen O'Sullivan)은 말한다.

Christian + Jade 

33세의 크리스티안 해머 줄(Christian Hammer Juhl)은 덴마크인이다. 29세의 제이드 챈(Jade Chan)은 싱가포르에서 태어났다. 둘 다 네덜란드의 디자인 아카데미 아인트호벤(Design Academy Eindhoven)에서 공부했다. 그들은 덴마크 코펜하겐에서 그들의 스튜디오를 함께 설립했다.

M&O: 알루미늄, 유리, 목재... 왜 오브제는 항상 단일 소재로 만들어졌나?

Jade: 우리는 서로 다른 물질들을 결합하는 대신, 하나의 모든 측면을 탐구하는 것을 선호한다. 너무 자주, 오브제는 원래의 역사와 단절된다. 어떤 오브제를 구입했을 때 오브제는 누가 만들었고 어떻게 만들어졌는지에 대해서는 아무것도 알려주지 않는다. 우리는 무엇이 이 물체들을 그렇게 가치 있게 만드는지 다시 생각하는 데 집중한다.

M&O: 두 분의 스토리는?

Christian: 오스트리아의 ‘슐로 할레네그 성(Schloß Hollenegg Castle)’에서 거주하는 동안, 우리는 여러 개의 줄기가 달린 잔으로 물이 흐르는 유리로 된 분수를 만들었다. 이 분수는 성 아래로 흐르는 터널에서 가져온 17kg의 모래를 사용하여 만들었다. 소재가 독특한 녹색을 띄게 만들었다. 그 성은 와인을 생산하는 ‘리히텐슈타인(Lichtenstein)’ 왕가에 속한다. 이 분수는 지역의 모래로 만든 유리잔으로 같은 땅에서 나는 물을 나누기 위해 만들어졌다.

Ali Sha GalleFoss

35세의 알리 ‘샤 갈레포스(Ali Shah Gallefoss)’는 노르웨이의 ‘베르겐(Bergen)’에서 자랐다. 그는 현재 오슬로에서 살며 일하고 있다. 어린 나이에 고급 기성복 패션 바이어로 커리어를 시작한 그는 파리에서 밀라노로 출장을 가게 되었다. 그 후 ‘오슬로 국립 예술 아카데미(Oslo National Academy)’에서 석사 학위를 받기 전, ‘베르겐 예술 디자인 아카데미(Bergen Academy of Art)’에서 공부했다.

Maison&Objet: 산업 디자인보다 예술적인 표현을 추구하는 이유가 무엇인지? 

Ali: 그 당시 산업 디자인은 아무런 영감을 주지 않았다. 1960년대 황금기의 재탕처럼 느껴졌다. 스칸디나비아 디자인은 매우 잘 만들어졌고, 매우 미묘하지만 조금 지루했다. 비를 느끼고, 날씨를 보고, 산의 험난함을 경험할 수 있다면 어떨까? 그것은 모두 매우 아름답다. 그래서 나는 조금 더 예술적인 디자인을 추구하게 되었다. 나의 예술적인 연구가 미래의 기성품 생산에 쓰여지기를 바란다.

M&O: 자신만의 철학은?

Ali :특별히 나눌만한 메시지가 없다. 사람들이 보는 것은 순수한 기쁨, 직감, 수용이다. 미완성일 수도 있다는 사실에 대한 수용이다.

M&O: 소재에 대한 당신의 관점은?

Ali: 너무 많이 관여를 하면 오히려 잃게 된다. 재료들이 스스로 표현하도록 하는 것을 선호한다. 예를 들어, ‘Sandcasted Table(샌드캐스티드 테이블)’ 만들기 위해, 울퉁불퉁한 모래판 위에 녹은 알루미늄을 부었다. 알루미늄이 자유롭게 퍼져나가면서 윗 표면은 평평하고 매끄럽지만 아래는 모래의 울퉁불퉁한 질감이 살아있는 테이블이 완성되었다. 나는 행복한 우연을 좋아한다. 예상치 못한 일이 일어나 잘못되고 놀랄 때 기쁨을 느낀다.

Lab La Bla

악셀 랜드스트롬(Axel Landström)과 빅토르 이삭손 피르티(Victor Isaksson Pirtti)는 모두 31살이다. 그들은 스웨덴의 라플란드(Lapland) 해안에 있는 룰레오(Luleå)라는 작은 마을을 만나고 자랐다. 즉시 뗄 수 없는 관계가 된 둘은 플로렌스(Florence)에 ‘로렌조 데 메디치 보석 디자인 연구소(Lorenzo de' Medici Institute of Jewellery Design)’에서 공부하였고, 스웨덴에서 산업 디자인 학위를 받았다. 그들은 현재 말뫼(Malmö)에서 거주하며 일한다.

M&O: 듀오가 함께 일하는 방식?

L.L.B. : 우리는 9개월 때 만났기 때문에 지금은 직관적으로 소통한다. 스튜디오는 우리의 놀이터이고, 우리의 접근 방식은 재미와 부조리를 기반으로 한다. 우리는 모든 종류의 기술자 및 전문가들과 협력하고, 아이디어가 떠오를 때까지 그들의 과정을 해킹한다. 항상 파괴적인 일이 일어나며, 항상 새로운 지평을 열기 위해 노력한다. 

M&O: 일하는 방식이 어떻게 프로젝트에 반영되는지?

L.L.B. : 거대한 철강 대기업들은 광물 퇴적물을 찾기 위해 암석에 구멍을 뚫는다. 그들은 추가 분석을 위해 깊은 곳에서 퇴적물 코어를 추출하고 저장한다. 우리의 ‘Prospective Seats(미래의 의자)’ 프로젝트를 위해, 토양에 대한 기억을 담고 있는 샘플 원통을 의자로 만들었다.

Frederic & Gustav

프레데릭 베버(Frederik Weber)와 구스타프 뒤퐁(Gustav Dupont)은 31세다. 그들은 덴마크 왕립 미술 아카데미(Royal Danish Academy of Fine Arts for Design)에서 공부하는 동안 만났고, 그곳에서 가구 디자인과 공간 디자인을 전공했다. 그들은 현재 덴마크 코펜하겐(Copenhagen)에서 거주하며 일한다.

M&O: 듀오가 함께 일하는 방식?

Frederik Gustav: 우리는 완전히 뗄래야 뗄 수 없는 사이다. 우리의 만남은 작업장에서 잠을 자곤 했던 학교에서 시작되었다. 학생들이 소재 주문서를 쓸 수 있는 게시판이 있었다. 항상 두 개의 이름이 함께 등장했다. 프레데릭 구스타프. 사람들은 한 사람의 이름이라고 생각했고, 우리 작업실의 이름도 동일하게 지었다. 우리는 항상 끊임없이 대화한다.

M&O: 어디서 영감을 받는지?

F.G. : 우리의 출발점은, 간단히 말해서 건축이다. 우리의 ‘하이 와이어(High Wire)’ 전시회는 거리 조명에 사용되는 전기 케이블과 옥상에 있는 안테나들로부터 탄생했다. 친숙한 요소들이지만, 사람들은 이 요소들을 거의 알아채지 못한다. 반면 이러한 네트워크들은 사람들을 에너지와 정보로 연결한다.

Frama사가 제작한 의자, 벤치, 선반으로 구성된 ‘브라켓(Bracket)시리즈는 모두 모두에게 익숙한 전통적인 선반 브라켓뿐만 아니라 역사적인 건물에서 흔히 볼 수 있는 건축 요소인 고전적인 나무 브라켓에서 영감을 얻었다. 브라캣은 가구의 미적 매력을 더할 뿐만 아니라 구조를 안정화함으로써 중요한 기능을 한다.

Antrei Hartikeinen

안트레이 하티카이넨(Antrei Hartikainen)은 핀란드 동부의 아우토쿰푸(Outokumpu) 마을에서 태어났다. 고등학교에서 목공을 공부한 후 라흐티(Lahti) 마을에 ‘살파우스 대학교(Salpaus Further Education)’에서 목공 스킬을 마스터했다. 그는 32세의 나이에 이미 ‘디자인 포럼 핀란드(Design Forum Finland)’ 에서 올해의 디자이너로, ‘스칸디나비아 디자인 어워드(Scandinavian Design Awards)’에서 올해의 라이징 스타로 선정되었다.

M&O: 어디서 영감을 받는지?

A.H. : 야외의 야생에서 영감을 받는다. 핀란드에서는 계절에 따라 자연이 급격하게 변한다. 봄에 눈이 녹으면 새로운 형태가 탄생하는데, 그 순간을 소재 안에 보존하려고 노력한다. 주로 나무를 많이 사용하지만 유리, 금속, 도자기도 사용한다. ‘녹은 꽃병(Melt Vases)’은 봄날 햇빛에 의해 가열된 얼음의 표면을 묘사한다. 얼음 사이를 따라 물이 흘러내리고, 표면은 투명한 액체로 변하며, 알록달록한 컬러로 빛나는 것을 볼 수 있다. 꽃병은 조각한 나무틀을 이용해 찍어냈다.

M&O: 작업 방식?

아이디어를 구체화하고 싶을 때 이전에 했던 일들을 보고 그 일에 대한 대한 나만의 표현을 찾으려고 노력한다. 나는 소재, 조각, 모델링을 작업을 직접 하고 난 다음, 비율을 조정하기 위해 제 그림 판이나 컴퓨터로 돌아간다. 그 후 다시 이전의 작업으로 돌아간다. 그리고 나서 다시 비율 작업으로 돌아간다. 계속해서 두 작업 사이를 왔다 갔다 한다. 그 뒤에는 ‘Melt Tables’를 제작했을 때처럼, 나의 손의 움직임을 재현하기 위해 CNC 로봇 팔을 사용한다. 항상 독창적인 단 하나의 작품을 여러 개를 만드는 방법을 찾으려고 노력하고 있다. 나는 항상 손으로 작업을 완성한다.

Studio Fletta

버타 로스 프린졸프도티르(Birta Rós Brynjólfsdóttir)와 렌프나 시규로아도티르(Hrefna Sigurðardóttir) 각각 32세, 34세이며 아이슬란드 레이캬비크(Reykjavik)에서 거주하며 일한다. 둘은 같이 2018년에 스튜디오 ‘플레타(Studio Fletta)’를 설립하기 전 아이슬란드 예술 아카데미(Iceland Academy of the Arts)에서 만났으며 제품 디자인을 전공했다.

 Studio Fletta ⓒSunna Ben

M&O: 어디서 동기부여를 받는가?

S.F. : 아이슬란드는 많은 것을 수입하고, 그 다음에 재활용해야 할 것을 수출한다. 우리는 재사용되지 않는 소재를 위한 해결책을 찾기 위해 노력한다. 우리는 회사와 협력하여 그들이 오래 사용가능하고 수리해서 쓸 수 있는 제품을 생산할 수 있도록 장기적인 지속가능성을 가르친다.

아울러 폐기물을 이용해 행복을 가져다 주는 물건을 만들 수 있다는 것을 간단하고 이해하기 쉽고 경쾌하게 보여줌으로써 소비자를 교육한다. 예를 들어, 오래된 자동차 에어백을 이용해 쿠션을 만든다.

M&O: 작업 방식?

S.F. : 아이슬란드의 디자인의 역사는 매우 짧다. 우리가 따라야 할 전통은 없다. 이것은 또한 우리가 많은 자유를 가지고 있다는 것을 의미한다. 그래서, 우리는 실험을 한다. 실험은 항상 우리를 앞으로 나아가게 하는 원동력이다. 왜냐하면 우리는 이미 모양과 기능을 가지고 있는 구성 요소들로 시작하기 때문이다. 이 요소들은 우리를 다시 생각하고 궁금해하게 만든다. 조부모님 세대는 오래된 옷을 입고 오래된 것으로 새로운 것을 만드는 생활 방식에 익숙하다. 그들은 창의적이어야 했다. 우리는 같은 일을 하지만 우리 시대의 소재를 사용한다.

Craft Talent: Malin Ida Eriksson

‘말린 이다 에릭슨(Malin Ida Eriksson)’은 31세의 도예가다. 그녀의 작업실은 스웨덴 스톡홀름(Stockholm)에 위치하고 있으며, 약 100명의 예술과 들과 함께 일한다. 스웨덴 괴테보리(Göteborg) 대학과 노르웨이 베르겐(Bergen) 대학에서 미술을 공부한 후, 그녀는 스톡홀름 예술 대학(Konstfack)에서 석사 학위를 취득했다.

M&O: 자신만의 철학은?

Malin: 내 작품은 시간의 흐름에 집중한다. 처음 미술을 공부하기 시작했을 때 할머니께서 돌아가셨는데, 이 사건은 시간은 계속 흐르며 흐르는 시간을 막기 위해 우리가 할 수 있는 아무것도 일이 없다는 사실에 눈을 뜨게 했다. 점토는 이 개념을 표현하는 좋은 수단이다.  점토는 잘 늘어나고 변화하며, 점토를 굽기 전에는 물을 이용해 추가함으로써 수정 가능하다. 아울러 구운 후에는 깨지지 않는 한, 영원히 보존된다.

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