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왜 철도 회사가 뮤지엄을 짓는가 I

Mon, 27 Apr 2026 07:36:54 GMT

1910년, 오사카 외곽의 황무지를 가로지르는 전철 노선 하나가 놓였다. 당시 경영을 맡은 고바야시 이치조(小林一三)는 개통 전부터 연선 토지를 매입하고, 개통과 동시에 그 땅을 일본 최초로 ‘할부’라는 방식으로 주택지를 분양했다. 논리는 단순했다. 사람이 모여 살면 전철을 타고, 역 이용자가 늘면 역 앞에 상점이 생긴다. 상점은 다시 사람을 끌어들이고, 그 사람들은 다시 전철을 탄다. 이 순환논리는 자연발생이라기보다는 의도적으로 설계된 흐름이었다.

흔히 “승객은 전철이 창조한다[乗客は電車が創造する]”는 말로 요약되는 한큐(阪急) 창업자 고바야시 이치조의 전략은 수요에 대한 수동적 태도의 거부를 의미한다. 수요가 있는 곳에 인프라를 놓는 것이 아니라, 인프라가 먼저 놓이고 그 위에 수요가 형성된다는 논리이다. 그는 전철이 단순 이동수단이 아니라 사람의 배치와 행동을 조직하는 장치임을 백년 전부터 꿰뚫고 있었다는 것이다.

고바야시는 연선 종점에 동물원과 온천을 조성하고, 다카라즈카 가극단을 창단했다. 그 공연을 보기 위해 사람들이 전철을 타도록 하기 위해서였다. 1929년에는 오사카 우메다역에 일본 최초의 역내 백화점을 열어 이동과 소비가 동시에 발생하는 구조를 구축했다.

문화는 이 모델에서 부가 요소가 아니었다. 다카라즈카 가극단은 적자를 기록한 시기도 있었지만, 공연은 사람을 특정 시간과 장소로 집중시키고, 그 이동은 전철 이용으로 이어지며, 방문객은 주변에서 소비를 발생시킨다. 이때 중요한 것은 개별 사업의 수익성이 아니라, 전철·상업·주거를 관통하는 유동인구의 총량이다. 문화는 그 흐름을 반복적으로 생성하는 장치였고, 따라서 뮤지엄·극장·공원은 부가 사업이 아니라 승객을 만들어내는 상류 장치로 편입된다. 이 구조에서 문화는 비용이 아니라, 수요를 생산하고 순환을 유지하기 위한 투자였다.

하나의 모델이 일본 전역으로

고바야시의 방식은 빠르게 확산됐다. 고토 게이타가 이끈 도큐는 도쿄 서남부에 동일한 논리를 적용했고, 연선 토지 확보와 교육 시설 유치를 통해 ‘전원도시’라는 주거 벨트를 형성했다. 이후 세이부, 오다큐, 긴테쓰 등이 이를 따르면서, 백화점·학교·병원·극장·뮤지엄이 철도회사 계열사로 편입되는 구조가 일본 사철의 표준이 됐다.

이 모델이 성립할 수 있었던 배경에는 전후 일본의 도시 팽창이 있었다. 고도성장기 동안 대도시 주변 인구가 급격히 증가하면서 연선 주택 수요는 지속적으로 유지됐다. 즉, 인프라가 먼저 구축되면 그 위로 생활이 따라붙는 조건이 존재했다. 이 전제가 없었다면 ‘수요를 설계한다’는 논리는 작동하기 어려웠다.

1987년 일본 국유철도가 민영화되어 JR 각사로 분리되면서 이 구조는 또 한 번 전환된다. 공공 인프라 조직이 스스로 수익 구조를 설계해야 하는 상황에 놓이면서, JR 동일본은 ‘역의 재정의’라는 전략을 선택한다. 역을 단순한 승하차 지점이 아니라 체류와 소비가 발생하는 목적지로 전환하는 것, 즉 에키나카 상업 공간의 본격화가 그 출발점이었다.

이 흐름 속에서 2007년 사이타마 오미야에 개관한 철도박물관은 단순한 기념 시설이 아니라 연선에 방문 목적지를 심는 장치로 작동했다. 개관 2년 만에 300만 명을 돌파한 성과는, ‘목적지를 만들면 이동이 발생한다’는 100년 전 논리가 여전히 유효함을 보여준다. 그리고 이 모델이 현재형으로 구현된 것이 ‘MoN 타카나와’다.

개발의 앵커로서의 뮤지엄

다카나와 게이트웨이 시티는 JR 동일본이 약 13헥타르 규모의 옛 화물 야적장 부지에 조성한 복합 개발이다. 오피스·주거·상업·호텔·연구시설이 결합된 이 프로젝트에서, MoN은 문화적 앵커로 배치된다. 역 바로 옆, 도착과 동시에 시야에 들어오는 위치다.

이 배치는 과거 고바야시가 역 앞에 백화점을 세운 것과 구조적으로 동일하다. 다만 그 자리에 들어선 것이 상업시설이 아니라 뮤지엄이라는 점에서, 모델은 한 단계 더 진화한 형태를 보인다.

거버넌스 구조
운영 구조는 세 층위로 구성된다. 모기업인 JR 동일본이 기반 인프라를 제공하고, 문화혁신재단이 독립 법인으로서 운영을 담당하며, MoN은 그 산하 기관으로 존재한다.
이 중간 재단은 중요한 역할을 한다. 모기업의 단기 수익 압력이 큐레이션에 직접 개입하지 않도록 완충하는 장치다. 국제 파트너십이나 장기 프로그램이 가능해지는 것도 이 구조 덕분이다.
그러나 구조를 그대로 읽으면 또 다른 사실도 드러난다. MoN은 대규모 부동산 개발의 일부이며, 도시의 브랜드 가치와 유동인구를 형성하는 역할을 맡는다. 재단이 완충 장치로 설계되어 있다 해도, 그 배경 논리가 사라지는 것은 아니다.

이 거버넌스 구조는 뮤지엄에게는 강점이다. 독립 재단이 운영 주체라는 것은 큐레이션이 단기 수익 계산에 직접 종속되지 않는다는 뜻이다. 그러나 구조를 있는 그대로 보면 하나의 사실도 함께 보인다. MoN은 다카나와 게이트웨이 시티라는 대규모 부동산 개발의 일부다. 이 도시의 브랜드 가치를 높이고, 유동인구를 만들고, 결과적으로 JR 동일본의 자산 가치에 기여하는 것이 기관의 배경 논리에 있다. 재단이 그 압력을 차단하도록 설계되어 있다고는 해도, 그 압력 자체가 사라지는 것은 아니다.

내재된 긴장 — 그리고 역사적 맥락

문화 기관이 자본이나 권력과 무관하게 존재한 적은 역사적으로 드물다. 메디치 가문이 르네상스 예술을 후원한 것도 순수한 취향의 발현이라기보다는 도시의 권력과 질서를 조직하기 위한 전략에 가까웠고, 록펠러가 MoMA를 지원한 것 또한 단순한 기부 행위를 넘어 새로운 문화적 기준과 도시의 위상을 형성하는 투자의 형태였다. 문화 기관은 언제나 무언가와 관계를 맺으면서 존재한다.

JR 동일본의 경우, 그 관계는 부동산 개발과 연선 이용객 창출이다. 이것이 MoN의 큐레이션에 어떤 방향으로 작용할지는 지금 시점에서 판단하기 이르다. 재단 구조가 그 영향을 실질적으로 완충할 수 있는지, 아니면 구조는 독립적이어도 장기적으로 어떤 조율속에서 얼마나 실험적인 큐레이션을 할수 있는지는 조금 더 시간이 지나봐야 할 수 있을것이다. 이러한 내재된 긴장은 ‘MoN’이 풀어야 할 실질적인 과제로 남는다. 뮤지엄이 무엇을 선택하고 무엇을 거부하는지, 개발 논리로부터 얼마나 독립적으로 작동할 수 있는지.

왜 일본 철도 회사는 뮤지엄을 짓는가? 답은 분명하다. 수요를 만들어내는 논리의 진화다. 다만 중요한 것은, 그 논리가 2026년에 선택한 형태가 단순한 부속 시설이 아니라 독립 재단이 운영하는 ‘실험적 뮤지엄’이라는 점이다. 이 선택이 실제로 무엇을 의미하는지는, ‘MoN’의 건축·아이덴티티·큐레이션의 구체적 내용 속에서 시간의 축에 기대어 천천히 검증되어야 할 것이다.

다음 편

2편 — '실험적 뮤지엄'이라는 말은 얼마나 진지한가 : 건축·아이덴티티·큐레이션으로 읽는 MoN

https://kageki.hankyu.co.jp/english/about

https://www.takanawagateway-city.com

https://montakanawa.jp/

리뉴얼을 통해 경험 중심 공간으로 확장된 PSR: 40 Duke, Selfridges London

Sat, 25 Apr 2026 11:41:25 GMT

전통적인 백화점에서 퍼스널 쇼핑은 기능적인 서비스였다. 고객은 예약된 시간에 방문하고 스타일리스트의 제안을 받아 상품을 구매하는 흐름 속에 놓였다. 이 과정에서 공간은 단지 서비스를 수행하기 위한 배경에 불과했다. 그러나 Selfridges London이 선보인 40 Duke는 이 구조를 근본적으로 바꾼다. 이곳에서 퍼스널 쇼핑은 더 이상 특정한 행위가 아니라 머무르고 관계를 형성하는 하나의 환경으로 확장된다. 40 Duke는 약 25000 제곱피트 규모의 공간으로 개인 쇼핑 스위트와 라운지와 바와 프라이빗 다이닝과 테라스와 갤러리 기능을 함께 담고 있다. 이 구성은 백화점 내부에 또 다른 집을 만드는 전략으로 읽힌다. 고객은 이곳에서 구매를 목표로 이동하기보다 시간을 보내고 경험을 쌓으며 자연스럽게 소비에 이르게 된다. 즉 소비는 출발점이 아니라 결과가 된다고 했다.

@Lucia Bell-Epstein @Selfridges

이 프로젝트의 디자인은 여러 협업을 통해 만들어졌다 전한다. 건축은 Alex Cochrane Architects가 맡았고 인테리어는 Studio Ashby가 주도했다. 또한 The Future Perfect가 참여해 컬렉터블 디자인 오브제를 큐레이션했다. 이러한 구조는 공간을 단일한 스타일로 규정하기보다 다양한 취향이 공존하는 주거적 풍경으로 만든다. 1970년대 감성의 가구와 현대 디자인 오브제가 함께 배치되며 상업 공간과 갤러리의 경계는 흐려진다. 마블과 코르크와 스테인리스 스틸의 조합은 따뜻함과 산업적 질감을 동시에 드러내며 공간에 깊이를 더한다.

40 Duke에서 중요한 요소는 디자인에만 머물지 않는다. 음식과 다이닝 경험은 이 공간의 핵심 구조를 이루는 또 하나의 축이다. 프라이빗 다이닝 룸과 바와 시즌 기반 메뉴는 고객이 단순히 쇼핑을 하는 것이 아니라 머무르고 교류하도록 유도한다. 식사는 쇼핑 사이의 휴식이 아니라 체류 시간을 확장시키는 장치로 작동한다. 고객은 스타일리스트와 대화를 나누며 식사를 하고 동반인과 함께 시간을 보내며 공간을 경험한다. 이 과정에서 리테일은 점점 호스피탈리티의 성격을 띠게 된다.

이러한 경험은 치밀하게 설계된 서비스 저니를 통해 완성된다. 고객은 사전 예약을 통해 도착하고 컨시어지의 응대를 받으며 일반 방문객이 아닌 클럽의 구성원으로 전환된다. 라운지에서의 웰컴 드링크와 자연스러운 대화는 긴장을 해소하고 공간에 적응하도록 만든다. 이후 개인 쇼핑 스위트에서 이루어지는 경험은 판매 중심이 아니라 큐레이션 중심으로 진행된다. 스타일리스트는 상품을 제시하기보다 고객의 취향을 해석하고 제안한다. 그 다음 단계에서 고객은 다이닝과 사교 활동을 통해 경험을 확장한다. 방문 이후에도 관계는 유지되며 이벤트와 프리뷰와 개인화된 제안을 통해 지속된다. 이 전체 흐름은 구매를 중심으로 하지 않고 관계를 중심으로 설계되어 있다.

@Lucia Bell-Epstein @Selfridges

결국 40 Duke는 퍼스널 쇼핑을 서비스가 아닌 환경으로 재정의한다. 디자인은 머무르고 싶은 이유를 만들고 음식은 시간을 확장시키며 서비스는 관계를 지속시킨다고 전한다. 이 세 가지 요소는 분리되지 않고 하나의 경험으로 작동한다. 그 결과 리테일은 더 이상 상품을 판매하는 장소가 아니라 사람들이 시간을 보내고 관계를 형성하는 플랫폼으로 변화한다.

이 프로젝트는 백화점의 미래에 대한 명확한 방향을 제시한다. 오프라인 공간은 온라인이 대체할 수 없는 경험을 제공해야 하며 그 핵심은 감정과 관계에 있다고 덧붙였다. 40 Duke의 퍼스널 쇼핑은 더 이상 구매를 돕는 기능이 아니라 사람과 브랜드를 연결하는 공간적 장치가 된다는 점에서 또하나의 시사점을 남긴다.

https://www.wallpaper.com/travel/shops/40-duke-selfridges

https://www.selfridges.com/GB/en/stores/40-duke/

태국의 대표 친환경 플랫폼 ‘에코토피아(ECOTOPIA)’가 넥스토피아(NEXTOPIA)로 이전되어

Thu, 23 Apr 2026 03:43:38 GMT

씨암 파라곤(Siam Paragon)은 개관 20주년을 맞아 "NEXTOPIA: Prototype for the World of Tomorrow" 를 런칭했다. 단순한 쇼핑몰 확장이 아니라 씨암 파라곤이 "내일의 세계를 위한 프로토타입"으로 설계한 세계 최초의 공동 창조(co-creation) 목적지로 우리가 살고, 쇼핑하고, 지속 가능성과 관계 맺는 방식 자체를 재편하겠다는 목표로 만들어졌다. 씨암 파라곤이 50개 이상의 혁신 파트너, 30개 이상의 지속 가능성 커뮤니티 그리고 UN, UNDP BIOFIN, UNICEF, WWF, 세계식량계획(WFP) 등 주요 국제기구들과 협력해 만든 공간이다. 씨암 파라곤의 총 투자 규모는 8억 5천만 태국 밧(약 2,640만 달러)에 달한다.

핵심 철학은 "Co-creating Communities for a Better World" 로 소비 공간을 세상을 바꾸는 메커니즘으로 전환하겠다는 것이다. 방문객이 단순히 구경하는 것이 아니라 더 나은 세계를 함께 만드는 데 직접 참여하도록 초대받는 열린 플랫폼으로 설계되었다. 공간 자체도 지속 가능성의 증거다. 태양광 루프탑 시스템, 복사 냉각 바닥(Radiant Cooling Floor), 발걸음을 전기로 변환하는 키네틱 플로어(Kinetic Floor), 16미터 높이의 실내 폭포가 설치되어 있으며 건축 자재 하나하나까지 무독성 특수 페인트, 재활용 가능한 목재, 플라스틱, 금속으로 구성되어 있다. 더불어 2025년 태국 최초의 Fitwel 2-Star 인증을 받은 복합 상업시설이기도 하다.

씨암 파라곤 내 넥스토피아와 에코토피아 전경 - 출처 : 본인 직접 현장 촬영

씨암 파라곤 내 에코토피아 플랫폼 상품 전경 - 출처 : 본인 직접 현장 촬영

에코토피아(ECOTOPIA)의 역사와 정체성

에코토피아는 씨암 피왓(Siam Piwat)이 2017년 씨암 디스커버리(Siam Discovery)에 처음 오픈한 태국 최초이자 최대의 에코 라이프스타일 멀티브랜드 스토어이다. 에코토피아는 일상 속에서 환경 의식을 키우고 환경 회복을 장려하기 위해 개발된 브랜드이며 씨암 피왓의 'Siam Piwat 360° Waste Journey to Zero Waste' 프로그램 안에서 재활용 수거 센터(RCC)를 운영하고 있다. 여기서 업사이클된 제품 일부가 에코토피아에서 판매되기도 한다.

넥스토피아로 이전되기 이전에 씨암 디스커버리의 에코토피아가 처음 대규모 확장되었을 때 12명의 에코 공동 창작자들이 이 공간을 함께 만들었다. 현재 넥스토피아 내 에코토피아는 Upcycled, Zero-Waste, Hygienic, Beautiful, Stylish, Kids, Green, Wellness의 8개 카테고리로 구성된 지속 가능 제품 큐레이션 공간으로, 로컬 중소기업(SME)부터 글로벌 브랜드까지 환경 의식 있는 기업가들의 제품을 모아 선보이고 있다. 이곳은 아시아 리테일 전문 매체 Inside Retail이 선정한 '아시아 20대 쿨레스트 리테일러(Asia's 20 Coolest Retailers)' 에 이름을 올리기도 했다.

특히 공간 디자인 자체도 재활용의 산물이라고 할 수 있다. 리테일 제품뿐 아니라 넥스토피아 공간의 건축과 설치 디자인 자체가 재활용 철학을 담고 있다. 씨암 파라곤의 4층, 5층, 5A층을 잇는 조각적 계단은 자연에서 영감을 받은 디자인에 업사이클 소재로 만든 예술 작품이 결합되어 있다. The Forest Canopy와 The Ocean Canopy는 재활용 소재와 해양 폐기물로 제작된 전위적인 실내 설치물로 지속 가능성을 시각 예술로 전환한 사례이다. 특히 해양 폐기물로 만든 대형 아트 설치물은 지역 장인들이 제작에 참여했으며 태국 해안 공동체를 지원하는 의미도 함께 담겨 있는 부분에 주목할 수 있다.

씨암 파라곤 내 에코토피아 플랫폼 상품 전경 - 출처 : 본인 직접 현장 촬영

주요 디자인 브랜드 및 디자이너

- 도이퉁(Doi Tung) : 매 파 루앙 재단 태국 왕실 재단이 운영하는 브랜드로 북부 산악 지역 소수민족 공동체의 전통 공예와 지속 가능 농업을 기반으로 한 라이프스타일 제품을 생산한다. 커피, 마카다미아, 수공예 직물 등이 대표 품목이다.

- 쌕아이템 업사이클링 백(Sackitem Upcycle Bag) : 타나락 와랄리따논이 설립한 태국 최초의 업사이클 브랜드. 시멘트 포대, 얼음 포대, 쌀 포대 등 건설 현장에서 버려지는 포대를 세척·가공해 백팩과 가방을 만든다. 연간 4~5톤의 쓰레기를 줄이는 효과를 낳고 있으며 씨암 디스커버리 에코토피아의 베스트셀러 제품으로 자리 잡아 해외에서도 인지도를 얻었다.

- 쑷타나(Sudtana) : 2019년 설립한 태국 천연 뷰티 브랜드로 태국 전역의 소규모 농장과 직접 협력해 유기농, 친환경 방식으로 재배된 원료를 사용한다. 조부로부터 전해 받은 전통 허브 처방을 현대 과학으로 재해석한 스킨케어, 헤어케어 제품을 선보이고 있다.

- 프리시어스 플라스틱 방콕(Precious Plastic Bangkok) : 전 세계적인 오픈 소스 재활용 플라스틱 운동의 방콕 지부로 수거된 플라스틱을 녹여 새로운 제품과 가구를 만드는 업사이클 디자인 작업을 한다.

그 외 MIIR, Sedar.W, Shima Par, Somuti 등의 브랜드가 에코토피아의 큐레이션 라인업에 포함되어 있다.

씨암 파라곤 내 에코토피아 플랫폼 상품 전경 - 출처 : 본인 직접 현장 촬영

넥스토피아는 쇼핑몰을 단순 소비 공간이 아닌 지속 가능성을 체험하고 배우는 플랫폼으로 재정의했다. 디자인이 단순히 제품 차원을 넘어 공간·건축·인프라 전체에 구현되어 있다는 점이 특징적이다. 특히 로컬 SME와 글로벌 기관의 협업 모델로 디자인 교육 없이 시작한 개인 크리에이터가 에코토피아 플랫폼을 통해 태국을 대표하는 업사이클 브랜드로 성장할 수 있게 한다. 이는 큐레이션 리테일이 어떻게 디자인 생태계를 키울 수 있는지를 보여준다. 더불어 KMITL 대학교의 씽 인트라추토(Singh Intrachooto) 박사가 넥스토피아의 수석 지속 가능성 자문으로 참여하고 있어 학계, 산업, 리테일의 연결 고리 역할을 하고 있다는 점도 주목할 점이다.

내용 참고 및 자료 출처

https://www.siamdiscovery.co.th/ecotopia/

https://www.facebook.com/NEXTOPIAWorld/

https://www.facebook.com/EcotopiaTH/

https://www.facebook.com/Sackitem/

글로벌 스트리트 브랜드 ‘휴먼 메이드(HUMAN MADE)’의 태국 현지화 전략

Tue, 21 Apr 2026 08:56:40 GMT

최근 방콕은 동남아시아 패션과 디자인의 중심지로 급부상하고 있습니다. 특히 2026년 3월 28일, 쎈트럴 엠버시(Central Embassy)에 오픈한 ‘휴먼 메이드 방콕(HUMAN MADE BANGKOK)’은 일본의 천재 디자이너 니고(NIGO)의 철학이 태국이라는 로컬 맥락과 어떻게 결합될 수 있는지를 보여주는 정점이라고 할 수 있습니다. 이번 리포트에서는 휴먼 메이드가 단순한 매장 오픈을 넘어 디자인적 요소를 통해 어떻게 현지 고객과 정서적 유대감을 형성했는지 분석하고자 합니다.

휴먼 메이드 방콕 브랜드 로고 - 이미지 출처 : https://humanmade.co.jp/en/news/260323/

1. 공간 디자인: ‘HUMAN MADE LAND’의 몰입형 경험

휴먼 메이드 방콕은 단순한 리테일 샵을 넘어 테마파크의 개념을 디자인에 도입했습니다. 키네틱 아트와 역동성 측면에서 바라보았을 때 매장 천장에는 회전하는 코끼리 조형물이 설치되어 있습니다. 그리고 시시각각 변하는 ‘트리 비전(Tri-vision)’ 사이니지가 배치되어 있는데, 이는 정적인 매장 구조에서 탈피하여 방문객에게 끊임없이 움직이는 시각적 유희를 제공합니다. 브랜드의 슬로건인 "The Future is in the Past"를 역동적으로 체감하게 하는 부분이라고 할 수 있습니다. 그리고 복합 문화 공간의 결합이라는 관점에서 바라보았을 때 패션 매장 바로 옆에 니고의 커리 브랜드인 ‘커리 업(CURRY UP)’을 나란히 오픈한 점을 주목해봐야 합니다. 이 공간은 패션과 식문화를 결합하여 브랜드의 세계관을 입체적으로 확장한다고 할 수 있습니다.

휴먼 메이드 방콕 매장 내부 이미지 - 본인 현장 직접 촬영

2. 그래픽 및 제품 디자인: 로컬 상징의 재해석

가장 돋보이는 디자인적 현지화 전략은 태국의 국가적 상징인 ‘코끼리’를 브랜드의 시각 언어로 치환한 점입니다. 이는 방콕 익스클루시브 그래픽으로 휴먼 메이드의 아이코닉한 ‘하트 로고’와 ‘동물 그래픽’이 태국을 상징하는 핑크색 코끼리와 결합되었습니다. 이는 태국인들에게 친숙한 상징물을 브랜드 특유의 위트 있는 디자인으로 재해석함으로써 거부감을 줄이고 소장 가치를 극대화했습니다. 그리고 로컬 아이템의 현대화로 태국의 전통 스포츠인 무에타이(Muay Thai)의 쇼츠에 휴먼 메이드의 폰트와 컬러웨이를 입혀 스트리트 웨어로 탈바꿈시켰습니다. 이는 로컬의 기능적 의복을 글로벌 디자인 트렌드와 결합한 '모던 헤리티지'의 좋은 사례로 볼 수 있습니다. 특히 컬러 전략으로 태국의 자연과 사원에서 영감을 받은 듯한 에메랄드 그린(Emerald Green)을 메인 컬러 중 하나로 활용하여 기존의 일본식 미니멀리즘에 동남아시아의 채도를 더한 점이 인상적입니다.

휴먼 메이드 방콕 매장 내부 이미지 - 본인 현장 직접 촬영

3. 브랜딩 전략: 파트너십을 통한 디자인 신뢰도 확보

휴먼 메이드는 태국의 대표적인 리테일 그룹인 '쎈트럴 그룹(Central Group)'의 후계자가 운영하는 '씨왈라이(Siwilai)'와 전략적 파트너십을 맺었습니다. 매장이 위치한 쎈트럴 엠버시는 과거 영국 대사관 부지로 역사적 맥락과 현대적 럭셔리가 공존하는 중요한 곳입니다. 브랜드의 철학인 '과거와 미래의 연결'이 장소의 물리적 배경과도 일치하도록 설계되었다고 할 수 있습니다.

그리고 브랜드 런칭 당일 2,000명이 넘는 인파가 몰린 것은 단순히 제품의 인기를 넘어 현지 유명 아티스트와의 디자인 협업 및 커뮤니티 이벤트를 통해 브랜드가 태국의 써브 컬쳐 문화에 깊숙이 침투했음을 시사하고 있습니다. 이와 같이 휴먼 메이드 방콕은 일본의 정교한 브랜딩과 태국의 역동적인 로컬 에너지가 만나 탄생한 성공적인 디자인 현지화 모델이라 평가할 수 있으며 앞으로의 행보가 기대가 됩니다.

내용 참고 및 자료 출처

HUAN MADE JAPAN https://humanmade.co.jp/en/news/260323/

YAMADART - 전통 료칸의 미학을 갤러리로

Mon, 20 Apr 2026 06:24:55 GMT

images ⓒ YAMADART

이시카와현 가나자와에 새로운 현대미술 갤러리가 문을 열었다.
이번 프로젝트는 야마나카 온천의 노포 료칸 '하나무라사키 (山中温泉花紫)'와의 협업으로 기획 됐으며, 단순한 전시 공간을 넘어 지역 문화와 예술을 연결하는 플랫폼으로 구상됐다. 개관전으로는 뉴욕을 기반으로 활동하는 작가 사라타니 겐(更谷源)의 개인전 「TAMA」가 오픈하여 4월 19일까지 이어졌다. 일본 료칸이 지녀온 환대의 미감과 태도를 도시 속 갤러리라는 형식으로 옮긴 프로젝트다.

이러한 흐름의 출발점에는 하나무라사키가 오랜 시간 축적해온 운영 철학이 자리한다. 120년 이상의 역사를 지닌 이 료칸은 현재 6대 당주 야마다 코헤이(山田耕平)가 이끌고 있으며, 그는 젊은 시절부터 스트리트 아트에 관심을 가져온 인물이다. 샌프란시스코 아카데미 오브 아트 대학에서 사진을 공부한 이후 귀국해, 2022년부터 료칸 전반에 걸친 리뉴얼을 단계적으로 추진해왔다. 해당 프로젝트는 디자인 스튜디오 ‘SIMPLICITY’와의 협업 아래 진행 됐으며, 로비와 스위트룸을 중심으로 공간 재구성이 이루어졌다.

images ⓒ YAMADART

images ⓒ Nik van der Giesen

이러한 배경 위에서 YAMADART는 ‘문화 살롱’으로서의 기능을 지향한다. 입구를 지나면 차를 마실 수 있는 공간과 함께 라이브러리가 이어지며, 이곳에는 이시카와 지역의 역사와 공예는 물론 스트리트 아트까지 폭넓은 스펙트럼의 서적이 배치됐다. 이는 하나무라사키가 오랫동안 축적해온 미의식과 YAMADART가 지향하는 현재의 감각을 연결하는 장치로 작동하며, 공간 경험 자체를 하나의 문화적 접점으로 확장한다.

개관전 「TAMA」는 이러한 맥락 위에서 전통 소재와 현대미술의 접점을 탐구하는 작업으로 구성됐다. 사라야 겐은 단순한 ‘구(球)’라는 형태에 집중하며, 직관적으로 인지 가능한 조형을 고도의 기술로 구현한다. 작품은 불상 제작에도 사용되어 온 ‘건칠(乾漆)’ 기법을 기반으로 제작되며, 내부 구조 위에 삼베를 입히고 옻과 토분을 여러 차례 쌓아 올린 뒤 반복적인 연마 과정을 거쳐 완성된다. 모든 공정이 수작업으로 이루어지기 때문에 한 점의 제작에는 수개월이 소요된다.

images ⓒ YAMADART

전시는 형태와 스케일의 대비를 통해 관람의 흐름을 구성한다. 1층에는 직경 약 2m에 이르는 대형 옻칠 구형 작품이 중심을 이루고, 3층에서는 직경 7cm에서 72cm에 이르는 다양한 크기의 구형들이 설치 형태로 펼쳐진다. 검정과 붉은색 옻이 교차하는 배열은 단순한 반복을 넘어 물질과 빛의 관계를 드러내며, 투명한 층을 쌓아 형성된 표면은 빛의 각도에 따라 내부 질감을 미묘하게 드러낸다. 또한 시간의 흐름에 따라 색이 변화하는 특성은 작품이 완성 이후에도 지속적으로 표정을 바꾸도록 만든다.

이러한 작업의 배경에는 옻이라는 소재가 놓인 산업적 현실에 대한 문제의식이 자리한다. 일상에서 칠기의 사용이 줄어들며 전통 공예만으로는 지속 가능성을 확보하기 어려운 상황에서, 작가는 현대미술이라는 맥락을 통해 소재의 가능성을 탐구하고자 했다.

images ⓒ Nik van der Giesen

이와 같은 흐름은 전시 공간에만 머물지 않는다. 하나무라사키가 2024년 10월 선보인 ‘아트 스위트’ 객실 역시 동일한 맥락 위에 놓인다. 지역 작가들과의 협업으로 구성된 이 공간은 유리와 옻칠 등 공예 작업을 생활 환경 속에 자연스럽게 배치하며, 감상과 사용의 경계를 완만하게 흐린다. 숙박 경험은 더 이상 기능적 체류에 머무르지 않고, 예술과 일상이 맞닿는 환경으로 이어진다.

결국 YAMADART는 하나의 독립된 갤러리라기보다, 하나무라사키에서 축적된 경험을 도시로 확장한 결과물에 가깝다. 전통적인 환대의 공간에서 출발한 감각은 전시와 숙박, 그리고 도시 공간으로 이어지며 하나의 흐름을 형성하고, 개관전「TAMA」와 ‘아트 스위트’를 통해 그 구조가 구체화된다. 이는 전통과 현대, 공예와 미술, 체류와 감상이 분리되지 않는 방식으로 재구성되는 하나의 모델로, 지역 문화가 오늘날의 맥락 속에서 작동하는 가능성을 보여준다.

관련 사이트
https://yamadart.com/

https://bijutsutecho.com/magazine/news/report/32240

스웨덴 법률 AI 스타트업 Legora가 주드 로와 함께한 색다른 마케팅

Sun, 19 Apr 2026 15:47:09 GMT

스톡홀름에 기반을 둔 법률 AI 스타트업 Legora가 글로벌 브랜드 캠페인의 얼굴로 배우 주드 로(Jude Law) 를 선정하며, 색다른 브랜딩을 시도하고 있다. Legora는 AI를 활용해 법률 문서 작성, 리서치, 협업 과정을 효율화하는 플랫폼으로, 현재 법률 산업에서 빠르게 성장하고 있다.

주드 로와 함께한 Legora의 캠페인 (출처: Legora)

이번 캠페인의 핵심 메시지는 “Law just got more attractive” 다. 이는 법률이라는 전통적이고 딱딱한 영역을 감각적이고 매력적인 이미지로 재구성하려는 시도에 가깝다. 약 2분 분량의 영상은 SNL 출신 감독 리스 토마스가 연출하고, 아카데미 수상 촬영감독 호이테 반 호이테마가 참여하며 마치 하나의 영화와 같은 완성도를 갖췄다는 점이 기존 B2B 테크 광고와 다른 점이다.

주드 로와 함께한 Legora의 캠페인 (출처: Legora)

특히 주목할 부분은 스타트업이 할리우드 배우를 전면에 내세운 점이다. 일반적으로 법률 기업은 기능 중심의 메시지나 전문성을 강조하는 커뮤니케이션에 머물기 쉽다. 그러나 Legora는 오히려 그 반대로, 대중문화적 코드와 할리우드 스타의 파워를 활용해 색다른 브랜딩을 시도한다. 이는 기술을 기술 자체로 설명하는 대신, 이미지와 감각으로 설득하는 디자인적 접근이다.

주드 로와 함께한 Legora의 캠페인 (출처: Legora)

Legora의 CEO 맥스 유네스트란드는 “AI는 법률 업무를 더 협업적이고 연결된 방식으로 바꾸고 있다”고 말한다. 하지만 이번 캠페인이 흥미로운 이유는, 그 메시지를 기능 설명이 아닌 연출, 캐스팅, 톤 앤 매너로 전달한다는 점이다. 법률이라는 영역이 더 이상 텍스트와 논리만으로 구성되지 않고, 시각적 경험과 감각적 서사로 확장되고 있다는 신호다.

Legora의 경쟁사 Harvey의 광고 (출처: Harvey)

이러한 흐름은 Legora의 경쟁사인 다른 법률 AI 스타트업 Harvey에서도 나타난다. Harvey 역시 드라마 Suits의 배우 가브리엘 막트를 브랜드 앰배서더로 기용하고, 스포츠 구단과 협업하는 등, 법률 AI 시장은 점점 더 B2B에서 B2C적 브랜딩 전략으로 이동하고 있다. 이는 결국 ‘어떤 기술이 더 좋은가’가 아니라, ‘어떤 브랜드가 더 먼저 떠오르는가’의 경쟁으로 전환되고 있음을 의미한다. 이러한 현상은 단순히 유명 배우를 활용한 마케팅을 넘어서서 법률이라는 가장 보수적인 영역조차 이제는 디자인과 연출, 그리고 색다른 마케팅이 중요하다는 점을 보여준다.

참고링크:

https://www.harvey.ai/blog/gabriel-macht-partners-with-harvey

https://legora.com/newsroom/legora-hires-jude-law-as-global-expansion-accelerates

https://www.globallegalpost.com/news/hollywood-star-jude-law-hired-by-legora-to-front-its-new-global-brand-campaign-1313429133

https://lbbonline.com/news/legora-jude-law-ai-law-just-got-more-attractive

nendo가 재구성한 Peach의 브랜드 전략

Thu, 16 Apr 2026 15:57:03 GMT

일본의 저비용항공사 Peach Aviation이 창립 15주년을 맞아 브랜드 리뉴얼을 단행했다. 이번 프로젝트는 디자인 오피스 nendo(대표 사토 오오키)가 맡았으며, 2026년 4월 1일부터 순차적으로 적용되고 있다. ‘합리적인 여행’이라는 기존의 가치를 유지하면서도, 서비스 전반의 완성도를 끌어올리기 위한 전략적 전환으로 기획된 이번 리뉴얼은 단순한 시각 변경을 넘어 브랜드가 전달하는 경험의 구조를 다시 설계하는 데 초점을 두었다.

Peach는 2011년 일본 최초의 LCC로 출범하며 항공 이동의 진입 장벽을 낮춰왔다. 그러나 경쟁사의 증가와 여행을 둘러싼 라이프스타일 변화 속에서, 가격만으로 선택을 이끌어내는 방식에는 한계가 드러나기 시작했다. 이에 따라 브랜드가 제공해야 할 가치는 자연스럽게 확장될 필요가 있었고, 이번 프로젝트는 그 질문에 대한 응답으로 읽힌다. nendo는 안전성과 정시성 같은 기본 품질을 전제로 하면서도, 브랜드 전반에 은은한 즐거움과 친근함을 더하는 방향을 제시했다. 기능적 신뢰와 감성적 경험을 동시에 다루며, ‘잘 갖춰져 있지만 부담스럽지 않은 상태’를 구현하는 데 초점을 맞췄다.

이러한 방향성은 로고 디자인에서부터 구체화된다. 기존의 구조를 유지하되 디테일을 조정하는 방식으로 인상을 정리했고, 글자 간 간격을 넓혀 안정감을 확보하는 한편 각진 부분에는 곡선을 더해 보다 부드러운 이미지를 형성했다. 여기에 ‘p’ 상단에 잎사귀 형태의 아이콘을 추가해 브랜드의 상징성과 가벼운 유희성을 동시에 담아냈다. 이 둥근 조형 언어는 디지털 인터페이스와 공항 사인, 각종 아이콘으로 확장되며 일관된 시각 체계를 만든다. 색채 또한 기존의 강한 퍼플 중심에서 벗어나 복숭아를 연상시키는 부드러운 핑크를 기반으로 재구성됐으며, 상황에 따라 다른 톤을 적용할 수 있도록 다층적인 컬러 시스템을 도입했다. 공항에서는 높은 가시성을 확보하고, 기내에서는 차분한 분위기를 유지하는 방식이다.

비주얼 시스템에서는 다양한 크기의 원을 조합한 그래픽 모티프가 핵심 요소로 작동한다. 불규칙하게 배치된 원들은 여행이 주는 기대감과 리듬을 시각화하는 동시에, 이용자를 감싸는 듯한 부드러운 인상을 만든다. 이러한 요소는 항공기 외관을 비롯해 예약 사이트, 모바일 앱, 체크인 단말기, 굿즈에 이르기까지 폭넓게 적용되며 브랜드 경험을 하나의 연속된 흐름으로 통합한다. 특히 항공기 디자인에서는 서로 다른 크기와 색의 원이 겹쳐지는 패턴을 활용해 이동 자체의 설렘을 표현했고, 기존의 상징 색이었던 선명한 핑크는 기체 일부에 유지해 연속성을 확보하면서 전체적인 인상은 한층 차분하게 조정했다. 새로운 항공기 디자인은 2027년 봄부터 순차적으로 도입될 예정이다.

이번 리뉴얼은 저비용항공사라는 범주 안에서 쉽게 균질화되는 브랜드를 어떻게 재정의할 수 있는지를 보여준다. 가격 경쟁력에 머무르지 않고, 기능과 감성을 동시에 설계 대상으로 삼는 접근을 통해 Peach는 보다 확장된 단계로 이동하고 있다.

만우절 장난으로 시작해서 제품 출시로, 이케아와 츄파춥스가 만든 미트볼 롤리팝

Wed, 15 Apr 2026 21:55:45 GMT

스웨덴에서 시작해서 이제는 글로벌 라이프스타일 브랜드가 된 이케아(IKEA)가 또 한 번 일상의 경험을 재해석하는 실험을 선보였다. 세계 최대 이케아 리테일 운영사인 잉카 그룹(Ingka Group)이 글로벌 롤리팝 브랜드 츄파춥스(Chupa Chups)와 협업해 스웨덴의 전통 음식 중 하나인 미트볼에서 영감을 받은 한정판 막대 사탕을 출시한다. 흥미롭게도 이 프로젝트는 4월 1일 만우절에 공개된 농담에서 시작됐다.

이케아가 공개한 미트볼 롤리팝 (출처: IKEA)

만우절에 “아무도 원하지 않았지만 모두가 궁금해할 조합”이라는 메시지로 공개된 미트볼 롤리팝은 예상외의 긍정적인 반응을 얻었고, 결국 실제 제품 출시로 이어졌다. 이케아는 이를 단순한 이벤트가 아닌, 브랜드가 음식과 경험을 다루는 방식에 대한 실험으로 확장한 것이다. 이번 롤리팝은 이케아를 상징하는 스웨덴식 미트볼과 미트볼과 함께 먹는 링곤베리 소스의 맛을 기반으로 츄파춥스 특유의 방식으로 재해석된 제품이다. 총 100만 개가 생산되어 전 세계 이케아 매장에서 제공될 예정이지만, 판매는 하지 않는다. 대신 6월 한 달 동안 매장을 방문한 고객들이 무료로 체험할 수 있는 형태로 운영된다.

IKEA Cooking & Eating Report (출처: IKEA)

이 프로젝트는 이케아가 지속적으로 강조해온 ‘Cooking & Eating’ 전략과도 맞닿아 있다. 이케아는 음식이 단순한 소비를 넘어, 사람들 사이의 작은 즐거움과 연결을 만들어낸다고 본다. 실제로 이케아의 조사에 따르면 46%의 사람들이 단맛을 즐기며, 29%는 새로운 음식 경험을 탐색하는 데 흥미를 느끼고, 40%는 어린 시절의 기억과 연결된 음식에 끌린다고 답했고, 미트볼 롤리팝은 이러한 감정을 정확히 겨냥한 것이다. 익숙한 맛을 낯선 형태로 바꾸며 호기심을 자극하는 동시에 막대 사탕이 자체가 지닌 향수를 동시에 건드린다. 즉, 새로움과 익숙함 사이의 긴장을 통해 경험을 디자인한 사례다.

이케아가 공개한 미트볼 롤리팝 (출처: IKEA)

츄파춥스의 글로벌 마케팅 매니저 마틴 호플링은 “전 세계 사람들이 이케아와 연결 지어 생각하는 맛을 새로운 형태로 재해석하는 점에서 흥미를 느꼈다”며, “이 제품은 츄파춥스만의 방식으로 풀어낸 유쾌한 새로운 경험”이라고 설명했다. 이번 협업은 단순히 인터넷에서 바이럴 된 제품을 만드는 데 그치지 않는다. 오히려 브랜드가 어떻게 유머와 실험을 통해 소비자와 색다른 관계를 맺는지를 보여준다. 농담에서 시작된 아이디어가 실제 경험으로 이어지고, 그것이 다시 사람들의 기억에 남는 순간을 만드는 과정 자체가 이케아만의 디자인 전략이다.

참고링크

https://www.ikea.com/gb/en/campaigns/the-meatball-lollipop-only-at-ikea-this-summer-pub4bcc3610/

https://dailyhive.com/vancouver/meatball-lollipop-ikea

https://www.famouscampaigns.com/2026/04/ikea-turns-its-april-fools-gag-into-a-real-meatball-lollipop/

https://youtube.com/shorts/8rdrfRO97rk?si=to5kTVM6e8U0vktS

서울에서 펼쳐진 COS 2026 SS 쇼: 90년대 미니멀리즘의 귀환

Fri, 03 Apr 2026 13:02:46 GMT

패션쇼에 참석한 김소현, 미야오 엘라, 박규영 (출처: COS)

최근 몇 년 사이 K-뷰티, K-팝, 영화까지 이어지는 한국 문화는 빠른 속도로 전 세계로 확장되고 있다. 이러한 흐름 속에서 스웨덴 패션 브랜드 COS가 2026 봄·여름 컬렉션의 런웨이를 서울에서 개최한 것은 자연스러운 선택에 가깝다. COS의 디자인 디렉터 카린 구스타프손은 서울을 “패션, 예술, 현대 문화가 교차하는 역동적인 도시”라고 설명하며, 컬렉션을 구현하기에 가장 적합한 배경이었다고 밝혔다. COS는 H&M 그룹이 전개하는 컨템포러리 패션 브랜드로, 건축적 실루엣과 절제된 디자인, 고급스러운 소재를 바탕으로 한 현대적 미니멀리즘을 핵심 정체성으로 삼고 있다. 트렌드를 빠르게 소비하기보다는, 오래 지속되는 형태와 구조에 집중하고 있다.

쇼가 진행된 수영장 (출처: COS)

쇼는 도시 외곽의 브루탈리즘 건축에서 영감을 받은 공간에서 진행됐다. 사용되지 않던 수영장을 재해석한 무대는 단순한 구조와 기하학적 요소로 구성되어, 컬렉션의 미니멀한 특성을 더욱 강조했다. 서울 지하철의 소리를 기반으로 한 사운드트랙이 흐르는 가운데, 모델들은 기둥 사이를 따라 형성된 플랫폼 위를 걸으며 안개처럼 퍼지는 공간 속에서 등장했다. 패션과 건축, 그리고 도시의 감각이 하나의 경험으로 연결된 연출이었다. 총 40개의 룩으로 구성된 이번 컬렉션은 슬레이트 그레이, 브라운, 크림, 화이트를 중심으로 한 톤온톤 팔레트를 기반으로 한다. 컬러를 레이어링하는 방식은 2026 시즌의 주요 흐름을 예고하듯, 강한 대비보다는 부드러운 조화에 집중한다.

출처: COS

여성복에서는 1990년대 미니멀리즘을 기반으로 한 간결한 실루엣이 중심을 이뤘고, 남성복은 일상적인 옷차림을 재구성하는 데 집중했다. 1980년대 스타일에서 영감을 받은 톤온톤 스타일링이 특징이며, 웨이드 소재는 여름 시즌에도 부담스럽지 않은 방식으로 사용됐다. 이번 컬렉션은 1980년 영화 아메리칸 지골로와 1990년대 미니멀리즘의 영향을 동시에 반영한다. 카린 구스타프손은 “클래식을 기반으로 하되, 자연스럽고 여유 있는 볼륨을 통해 새로운 느낌을 만들고자 했다”고 설명한다. 결과적으로 COS의 2026 봄·여름 컬렉션은 과거의 레퍼런스를 바탕으로 하면서도, 현재의 감각으로 정제된 ‘현대적 미니멀리즘’을 제안하는 것이다.

서울이라는 도시를 배경으로 펼쳐진 이번 쇼는 단순한 컬렉션 발표를 넘어, 패션이 공간과 문화, 그리고 도시의 맥락과 어떻게 연결될 수 있는지를 보여준다. COS는 익숙한 미니멀리즘을 유지하면서도, 그 안에 새로운 층위를 더하며 다음 시즌의 방향성을 조용하지만 분명하게 제시했다.

참고링크

https://www.vogue.co.uk/article/cos-summer-2026-runway-show

https://hmgroup.com/news/a-cinematic-return-to-the-runway-cos-unveils-its-spring-summer-2026-collection-during-first-show-in-korea/

https://www.whowhatwear.com/fashion/runway/cos-spring-2026-runway-show-seoul

AI 보청기? 소음 속 실시간 음성 분리, 적응형 인공지능 포낙 인피니오 울트라 스피어

Thu, 02 Apr 2026 16:25:17 GMT

청각 전문 기업 포낙(Phonak)이 음성 이해력, 사운드 품질, 그리고 성능의 한계를 넘어선 새로운 혁신 보청기를 선보였다. 새롭게 출시된 '인피니오 울트라 스피어(Infinio Ultra Sphere)'는 사용자가 실제 일상생활에서 더 명확하게 들을 수 있도록 설계된 적응형(Adaptive) AI 기반의 블루투스 보청기다. 기존 보청기와 달리 해당 제품은 포낙이 자체 개발한 딥 소닉(DEEPSONIC) AI 칩 기술이 적용되어,단순히 소리를 증폭시키는 것을 넘어, 배경 소음과 사람의 음성을 실시간(in real time)으로 분리해 내는 강력한 기능을 보여준다. 딥 소닉 칩은 소음 속에서 사람의 목소리를 분리해 내는 작업 하나만을 위해 탄생한 전용 신경망(DNN) 칩이다. 2,200만 개 이상의 실제 사운드 샘플로 훈련되었으며, 기존 모델 대비 무려 53배 향상된 데이터 처리 기능성을 자랑한다.

©Phonak

최근들어 스마트폰, 전자 기기 등에서 소음 분리 기능과 소리 분석력이 날이 갈수록 고급스러워지고 정교해지고 있다. 또한 개개인들의 목소리를 녹음해서 인공 지능 영상을 만들 수 있을 뿐 아니라, 시끄러운 공간에서 소음을 차단할 수 있는 노이즈 캔슬링 기능 들도 날이 갈수록 발전하고 있다. 이러한 기술력의 발전 속에서 포낙은 소음이 많은 공간에서도 소리가 들려오는 방향에 구애받지 않고, 사용자가 대화하고자 하는 특정 화자의 목소리에만 집중(Focus)할 수 있도록 인공 지능 기술이 도움을 준다. 청각 장애인들은 겉으로 보기에 장애가 드러나지 않고, 보청기 역시 최근들어 귀 안쪽에 숨어있는 작은 제품들이 많아 주변 사람들이 알아차리기 힘들때가 많다.

©Phonak

나아가 사회 생활을 하면서 대화에 집중을 하지 못하거나, 같은 말을 여러번 묻는 행동 등 보청기 사용자들이 그때그때 대화를 제대로 인지 하지 못해 일어나는 일상적인 불편함과 스트레스는 상상 이상이다. 이러한 불편함을 해결할 수 있도록 포낙의 인공지능 기술은 회사, 파티, 시끄러운 레스토랑에서 대화 등을 가능케 해주는 보청기이다. 또한 블루투스(Bluetooth) 기술이 통합되어 사용자 편의성을 높였다. 특별한 선이나 설치 없이 사용할 수 있는 장점이 있고, 가볍고 인체 공학적 디자인으로 장시간 착용해도 불편함이 없도록 제작되었다. AI 기능성이 결합된 신제품은 식당이나 군중 속과 같은 복잡한 환경에서 신호 대 잡음비(SNR)를 최대 10.2dB까지 개선하여, 사용자의 청취 피로도를 최대 34~45%까지 획기적으로 낮춰준다.

©Phonak

나아가 IP68 등급의 완벽한 방수·방진 설계를 갖춰 땀이나 비, 먼지 등 거친 일상 환경에서도 고가의 내부 칩셋을 안전하게 보호한다. AI 칩의 막대한 전력 소모량을 감당하기 위해 일회용 배터리(312형 등) 모델은 출시되지 않으며, 오직 충전식(Rechargeable) 모델로만 제공되어 비싼 보청기의 영구적인 사용이 가능하도록 했다. 사용법 역시 간단하다. 기기에 작은 버튼을 여러 개 배치하는 대신, 기기 겉면을 가볍게 두 번 두드리는(Double-tap) 동작만으로 전화를 받거나 스마트폰의 음성 비서(Siri, Alexa)를 호출할 수 있는 직관적인 UX를 제공한다.

©Phonak

블루투스 5.3을 지원하여 기존 대비 기기 전송 거리가 2배 늘어났으며, 최대 8대의 기기와 페어링을 기억하고 2대와 동시 연결(Multipoint)이 가능하다. 기존 보청기들이 크기가 가장 작고 눈에 띄지 않는 것을 최우선에 두던 기준과 달리, 기존 보청기 디자인의 불문율을 깨고, 기기가 사이즈를 조금 늘리더라도 사용자의 실제 삶의 질, 소음 속 대화 능력을 최대로 높이며 실질적 성능 중심의 포용적 디자인을 보여주는 헬스 테크 제품으로서 호평받았다.

©Phonak

포낙의 '인피니오 울트라 스피어'는 청각 보조 기기가 고도화된 AI 칩셋과 결합하여 어떻게 진화하고 있는지를 보여주는 중요한 사례다. 실시간으로 소음을 걸러내고 원하는 음성만 타겟팅하는 기술은 청력에 불편함을 겪는 사용자들이 복잡한 환경에서도 원활하게 소통할 수 있도록 지원하는 훌륭한 헬스테크 디자인으로, 인공지능 기술력이 단순히 생활을 편하게 만들어주는 것을 넘어 몸이 불편하고 생활이 어려운 장애를 돕는데 일등공신이 되고 있다.