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생산자를 알 수 있는 플라스틱이 있다면 어떨까? ‘Nikome Material’

Tue, 09 Jun 2026 05:22:18 GMT

All Images ⓒ Nimousak

최근 소재 산업에서는 친환경을 키워드로 한 다양한 시도가 이어지고 있다. 바이오 플라스틱과 재활용 소재 개발이 활발해지면서 건축과 제품 디자인 분야에서도 지속가능성은 더 이상 선택이 아닌 필수적인 과제가 됐다. 기업들은 석유 기반 플라스틱 사용량을 줄이기 위한 대체 소재를 개발하고 있으며, 디자이너들 역시 제품과 공간을 설계하는 과정에서 소재의 환경적 영향을 중요하게 고려하기 시작했다.

이러한 흐름 속에서 친환경 소재 시장은 빠르게 성장하고 있지만, 대부분의 논의는 탄소 저감 효과나 재활용률, 바이오매스 함유율과 같은 성능 지표를 중심으로 이뤄지고 있다. 소재가 얼마나 친환경적인지를 수치로 설명하는 데 집중하다 보니, 정작 그 소재가 어디에서 왔고 누구에 의해 생산되었는지에 대한 이야기는 상대적으로 주목받지 못했다. 우리가 식재료를 고를 때 생산지와 생산자의 정보를 확인하듯, 소재 역시 원료의 출처와 생산 과정을 알 수 있다면 어떨까. 일본 니가타에서 발표된 바이오매스 소재 브랜드 ‘Nikome Material’은 이러한 질문에서 출발했다. 단순히 플라스틱을 대체하는 친환경 소재를 만드는 것이 아니라, 생산자의 얼굴이 보이고 지역의 이야기를 담을 수 있는 소재를 만들고자 한 것이다. 비식용 쌀인 ‘자원미(資源米)’와 벼농사의 부산물인 왕겨를 활용해 개발된 Nikome Material은 소재의 환경 성능뿐 아니라 생산 배경과 지역성을 함께 전달하는 것을 목표로 한다. 식재료처럼 출처를 알 수 있는 소재를 통해 사람과 재료의 관계를 다시 생각해보려는 시도다.

브랜드명인 Nikome에는 ‘두 번째 쌀’이라는 의미가 담겨 있다. 식재료로 소비되는 것이 쌀의 첫 번째 역할이라면, 소재로 활용되는 것은 또 다른 가능성이라는 생각에서 붙여진 이름이다. 먹는 쌀에만 머물지 않고, 지역의 농업 자원을 새로운 방식으로 활용할 수 있는 선택지를 만들고자 한 것이다. 이 프로젝트의 또 다른 특징은 원료의 출처가 명확하다는 점이다. Nikome Material에 사용되는 자원미와 왕겨는 모두 니가타시에서 생산되며, 어떤 농가에서 재배되었는지까지 확인할 수 있다. 일반적인 플라스틱이 생산 과정을 알기 어려운 익명의 산업 소재라면, Nikome Material은 식재료처럼 생산자와 생산 지역을 인식할 수 있는 소재를 지향한다.

이는 일본의 식품 산업에서 중요하게 여겨지는 생산 이력 관리 개념을 소재 영역으로 확장한 사례로 볼 수 있다. 개발팀은 소재 역시 출처와 생산 과정을 알 수 있어야 하며, 이러한 이야기가 사용자와 소재 사이의 거리를 좁히고 물건에 대한 애착을 만드는 출발점이 될 수 있다고 설명했다.

‘도정’ 개념을 소재 디자인으로 번역하다

Nikome Material이 흥미로운 이유는 소재를 구분하는 방식에 있다. 일반적인 바이오 플라스틱이 바이오매스 함유율이나 물성 차이를 중심으로 설명되는 것과 달리, Nikome Material은 쌀 문화에서 익숙한 백미·오분도미·현미의 개념을 소재 디자인에 적용했다. 쌀을 도정하는 정도에 따라 색과 질감이 달라지는 것처럼, 소재 역시 쌀과 왕겨의 배합 비율에 따라 서로 다른 표정을 갖도록 설계한 것이다.

소재는 크게 세 가지 타입으로 구성된다.

> HAKU는 백미를 중심으로 구성된 타입이다. 백미가 소재화되는 과정에서 자연스럽게 형성된 따뜻한 색감을 지니며, 세 가지 라인업 가운데 가장 밝고 부드러운 인상을 준다.

> 5-BU는 쌀과 왕겨를 균형 있게 배합했다. 과도하게 밝거나 어둡지 않은 중성적인 표정이 특징으로, 소재 본연의 자연스러운 질감과 활용성을 동시에 갖춘 타입이다.

> GEN은 왕겨 비율을 높인 타입으로, 섬유질과 입자감이 더욱 뚜렷하게 드러난다. 세 가지 가운데 가장 유기적이고 거친 질감을 보여주며, 자연 소재에 가까운 질감을 느낄 수 있다.

흥미로운 점은 이러한 차이가 단순한 색상 변화에 그치지 않는다는 것이다. 쌀과 왕겨 입자가 표면에 그대로 드러나며, 소재마다 조금씩 다른 질감과 표정을 만들어낸다. 균일함을 추구하는 일반 플라스틱과 달리, 자연물이 가진 미세한 흔들림과 불규칙성이 오히려 소재의 매력으로 작용한다. 단순히 친환경 원료를 사용한 바이오 플라스틱이 아니라, 원료의 특성과 지역성을 시각적으로 드러내는 소재로 기능한다. 쌀이라는 익숙한 문화적 요소를 소재 디자인 언어로 풀어냈다는 점 또한 재미있는 요소이다.

Nikome Material은 단순히 시각적인 표현에 머무르지 않는다. 소재에 얼굴을 가까이 대면 은은한 쌀 향을 느낄 수 있으며, 표면에서는 쌀과 왕겨에서 비롯된 자연스러운 입자감이 손끝으로 전달된다. 플라스틱이라는 단어가 주는 차갑고 인공적인 이미지와 달리, 사용자는 시각과 촉각, 후각을 통해 원료가 가진 자연의 흔적을 경험하게 된다. 최근 소재 디자인 분야에서는 물성 자체를 하나의 경험으로 바라보는 움직임이 늘어나고 있다. 단순히 기능을 수행하는 재료가 아니라, 만지고 보고 사용하는 과정에서 어떤 감각을 전달하는지가 중요해지고 있는 것이다. Nikome Material 역시 이러한 흐름 속에서 소재를 하나의 감각적 매개체로 해석하고 있다.

이 프로젝트가 더욱 흥미로운 이유는 소재 개발을 환경 문제에만 한정하지 않는다는 점이다. 원료로 사용되는 ‘자원미(資源米)’는 식용이 아닌 산업용 품종으로, 상대적으로 적은 노동력으로 재배할 수 있어 고령 농가나 생산성이 낮은 농지에서도 지속적으로 경작을 이어갈 수 있다는 장점이 있다. 현재 일본 농촌에서는 고령화와 후계자 부족으로 인해 휴경지와 경작 포기지가 증가하는 것이 중요한 사회 문제로 떠오르고 있는데, Nikome Material은 이러한 상황에서 비식용 쌀에 새로운 역할을 부여한다. 식재료로 소비되지 않는 쌀을 산업 자원으로 활용함으로써 농지에 새로운 경제적 가치를 만들고, 농업과 제조업을 연결하는 구조를 구축하려는 것이다. 결국 이 프로젝트는 친환경 플라스틱을 개발하는 데서 그치지 않고, 소재 생산 과정을 지역 농업과 연결해 농지를 유지하는 하나의 방법으로 활용하고 있다. 환경 문제와 농업 문제, 지역 경제를 각각 별개의 이슈로 바라보는 것이 아니라 하나의 순환 구조 안에서 연결하고 있다는 점이 Nikome Material의 가장 큰 특징이다.

인테리어 마감재용 타일

소재의 역할은 어디까지 확장될 수 있을까

현재 Nikome Material은 건축과 인테리어 분야를 중심으로 활용 가능성을 넓혀가고 있다. 벽면 마감용 타일과 가구 표면재, 전시 집기 등 다양한 공간 소재로 사용할 수 있으며, 사출성형을 통한 제품 개발도 가능하다. 또한 니가타시에 문을 연 ‘Nikome Material Lab.’에서는 실제 소재 샘플과 프로토타입을 체험할 수 있으며, 건축가와 디자이너, 기업이 함께 참여하는 공동 개발도 추진하고 있다. Nikome Material은 친환경 소재 개발 사례인 동시에, 소재가 지역과 산업, 그리고 사람을 연결하는 매개체가 될 수 있는지를 보여주는 프로젝트다.

특히 생산자의 얼굴이 보이는 식재료 개념을 소재 디자인으로 확장했다는 점은 흥미롭다. 앞으로의 소재 디자인은 성능과 환경성뿐 아니라, 어떤 지역에서 어떤 과정을 거쳐 만들어졌는지까지 함께 전달하는 방향으로 발전할 가능성을 보여주고 있다.

RV계의 아이폰? 세련된 전동 캠핑 트레일러 '페블 플로우’

Sat, 06 Jun 2026 01:17:34 GMT

캠핑 트레일러를 한 번이라도 사용해 본 사람이라면 안다. 좁은 캠프장 진입로에서 대형 트레일러를 후진하는 공포감, 히치볼에 커플러를 정확히 맞추는 데 걸리는 30분, 레벨러를 조정하고 전기와 수도를 연결하는 복잡한 세팅. 수십 년간 RV 산업은 이 불편함을 당연한 것으로 받아들여 왔다. 이러한 불편함으로 인해 많은 사람들은 캠핑 자체를 포기하는 경우가 대부분이었다.

©Pebble

캘리포니아 기반 스타트업 페블(Pebble)은 이 문제를 정면으로 돌파했다. 2026년 iF 디자인 어워드를 수상한 페블 플로우는 단순한 전동 캠핑카가 아니다. 애플, 테슬라, Zoox, BMW, 볼보 출신 엔지니어와 디자이너들이 만든 이 트레일러는 RV 경험 전반을 재설계 하겠다는 목표를 가지고 제작되었다. 페블의 창업자이자 CEO인 빙루이 양(Bingrui Yang)은 코로나19 팬데믹 초기, 가족과 함께 처음으로 RV 여행을 떠났다.

©Pebble

경험은 기대와 달랐다. 구식 설계, 복잡한 조작, 끊임없는 유지보수와 같은 불편함이 힘들게 다가왔다. 이 경험에 대해 빙루이 양은 "현재의 RV 설계는 구식이고 비효율적입니다. 견인과 히칭에 대한 전문 지식을 요구하고, 수십 년간 개선되지 않은 불편함을 사용자에게 강요하고 있습니다."라고 밝히며, 페블 플로우를 개발하게된 배경을 밝혔다. 어렵고 스트레스받는 경험을 자동화하고, 나머지 시간을 온전히 캠핑에 사용할 수 있도록 제작된 페블 플로우는 시각적으로나 기능적으로나 간단하고 아름답다.

©Pebble

페블 플로우의 외형은 기존 RV 트레일러의 디자인을 전면 부정한다. 각진 직육면체 대신, 곡선형 전면부와 매끄러운 금속·유리 외장이 결합된 유선형 실루엣이다. 이것은 미학적 선택이기 이전에 기능적 결정이다. 페블은 고급 전산유체역학(CFD) 시뮬레이션을 수백 시간 돌려 이 형태를 도출했다. 결과는 일반 트레일러 대비 공기 저항 300% 개선했으며, 트레일러의 무게는 약 2,800kg으로 동급 프리미엄 트레일러보다 가볍게 유지했다.

©Pebble

달리면서 끄는 짐이 아니라, 함께 달리는 구조물처럼 설계된 것이다. 외장 컬러는 자연과 경쟁하지 않고 어우러지도록 자연에서 영감을 받은 색조로만 구성되었다. 내구성 높은 자동차 등급 도장을 적용해 야외 환경에서의 장기 사용을 고려했다. 25피트(약 7.6m)의 차체 안에 페블이 구현한 공간은 캠핑카보다 도시형 아파트에 가깝다. 270도 파노라믹 창문과 투명 루프 패널은 주변 자연 환경을 자연스럽게 실내에서 느낄수있게 한다.

©Pebble

미니멀 인테리어와 전환 가능한 가구 시스템은 침실, 식사 공간, 모바일 오피스로 기능을 바꿀 수 있다. 퀸 사이즈와 풀 사이즈 침대가 있으며, 4인 까지 수용할 수 있다. 머피 베드 구조로 낮 동안 넓은 업무 공간으로 전환된다. 주방에는 실내외 모두 사용 가능한 이동식 인덕션 레인지, 4-in-1 컨벡션 전자레인지 오븐, 풀 사이즈 냉장고가 있다. 욕실은 투명도 조절이 가능한 스마트 글라스 샤워 부스와 LED 조명이 들어가 좁은 공간을 개방감 있게 구성했다.

©Pebble

페블 플로우는 트레일러와 견인 차량을 연결하는 과정을 자동화함으로써, 초보자에게 가장 큰 진입 장벽을 없앴다. 페블 플로우의 매직 히치는 트레일러가 스스로 위치를 파악하고, 견인 차량에 자동으로 연결된다. 한 번의 버튼 조작으로 수십 분의 스트레스가 사라진다. 나아가, 히치를 분리한 후, 앱을 통해 원격으로 조종 가능하다. 양쪽 바퀴에 장착된 독립 전동 모터가 정밀한 방향 전환을 가능하게 해, 좁은 캠프장에서도 후진 없이 원하는 위치에 정확하게 주차할 수 있다.

©Pebble

스트레스 받으면서 긴장감에 후진을 할 필요가 없어진다. 마지막으로 도착 후 버튼 하나를 누르면 레벨러, 안정화 장치, 계단이 자동으로 전개되고 차양이 펼쳐진다. 출발 시에는 반대 순서로 자동 정리된다. 캠핑카 세팅의 '30분 노동'이 단 1분으로 줄어든다. 페블 플로우는 45kWh 리튬인산철(LFP) 배터리와 1kW 통합 태양광 패널을 탑재해 발전기나 가스통 없이 최대 7일간 완전 오프그리드 캠핑이 가능하다. 냉난방(히트펌프), 조리, 냉장, 온수까지 모든 것이 전기로 작동한다.

©Pebble

듀얼 모터 견인 보조 시스템은 주행 중 견인 차량의 배터리 소모를 줄이거나 역으로 에너지를 회수할 수 있어, EV로 트레일러를 옮길때 배터리 방전 불안을 없앴다. 배터리는 DC 급속충전으로 0%에서 80%까지 약 1시간 만에 충전된다. 페블 플로우는 RV 산업이라는 수십 년간 혁신이 드물었던 공간에, 실리콘밸리의 사용자 경험 철학이 충돌했을 때 무엇이 만들어지는지 여실히 보여준다.

반려견의 말 없는 신호를 읽다, 'Pync 스마트 목줄'

Sun, 31 May 2026 22:43:21 GMT

반려동물을 키우는 사람이라면 누구나 한 번쯤 이런 불안을 느낀다. "우리 강아지, 오늘 왜 이렇게 조용하지?" 혹은 "평소보다 덜 먹는 것 같은데… 괜찮은 걸까?” 같은 생각을 한다. 동물은 말로 아픔을 전달하지 못하기 때문에, 보호자는 눈에 보이는 증상이 나타나야 비로소 무언가 잘못됐음을 깨닫는다. 그리고 그때는 이미 늦은 경우가 많다. 미국의 스타트업 핀크(Pync)는 바로 이 질문에서 출발했다.

©Pync

"왜 우리는 반려동물이 겪는 아픔을 제때 알기 어려운가?"라는 질문이 핀크 스마트 목줄을 만들었다. 2026년 iF 디자인 어워드 수상작으로 선정된 이 제품은 단순한 GPS 추적 장치가 아니다. 반려견의 행동 패턴을 지속적으로 학습하고, 일상의 미세한 변화를 건강 이상의 초기 신호로 해석하는 예방 지능 스마트 디바이스이다. 핀크의 CEO 클레어(Claire)는 2024년 뉴욕 유학 중 고양이 '첼시'가 고향에서 심장 질환을 앓고 있다는 소식을 들었다.

©Pync

수천 킬로미터 떨어진 곳에서, 그녀가 할 수 있는 것은 아무것도 없었고, 반려동물의 상태를 실시간으로 파악할 수 있는 기술이 없었고, 발을 동동 구르기만 했다. 이러한 경험을 바탕으로 핀크를 창업했다. 핀크는 움직임의 감소, 수면 패턴의 변화, 활동량의 저하 등 다양한 일상의 신호들을 예민하게 감지하여, 반려동물의 건강 악화 증상이 외부로 드러나기 훨씬 전부터 알아차린다. 핀크는 이 신호들을 데이터로 만들어 보호자에게 전달하는 것을 목표로 삼았다.

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핀크 스마트 목줄의 외형은 의도적으로 단순하다. '클라우드 화이트'와 '테라코타' 두 가지 색상, 0.75인치 너비의 실리콘과 면 코어 소재 밴드. 반려견의 목에 걸렸을 때 어색함이 없도록 설계된 이 목줄은 언뜻 봐서는 스마트 기기처럼 보이지 않는다. 핀크는 이질감이 드는 스마트 기기보단, 평소 사용하던 목줄 처럼 보이고 무게, 착용감도 비슷한 디자인을 통해 부담 없이 사용할 수 있는 반려동물 스마트 기기를 만들어냈다. 목줄 안에 내장된 트래커는 가로 8.1cm, 세로 2.7cm, 무게 39g으로 기존 GPS 목줄 대비 부담을 최소화했으며, 야간 LED 라이트와 IP67 방수 등급으로 생활 밀착형 내구성을 갖췄다.

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기술적으로 가장 주목할 만한 것은 탈착식 배터리로, 충전 중에도 반려견이 칼라를 벗을 필요 없이, 배터리 팩만 교체하면 된다. 핀크 허브를 통한 자동 충전 방식을 채택해 일상의 흐름을 최대한 방해하지 않도록 설계해 지속적인 건강 데이터를 수집한다. 핀크의 차별점은 수집된 데이터를 그대로 보여주는 것이 아니라, 각 반려견의 '개인화된 기준선(Behavioral Baseline)'을 학습해 의미 있는 변화를 해석한다는 데 있다. 예를 들어, 어떤 개는 원래 활동량이 많고 어떤 개는 조용한 편이다.

©Pync

단순히 오늘 많이 걸었다 혹은 안 걸었다를 넘어, 이 개에게 있어 오늘 활동량은 평소 대비 얼마나 달라졌는가를 분석한다. AI는 움직임, 수면 패턴, 일상 루틴의 변화를 지속적으로 모니터링하고, 이상 징후가 감지될 때 보호자 앱에 알림을 보낸다. 핀크가 주목받는 이유는 제품 자체의 완성도만이 아니다. 이 목줄은 반려동물 케어의 방식이 변화하고 있다는 흐름의 상징이기도 하다. 미국 반려동물 테크 시장은 2026년 들어 급속도로 진화하고 있다.

©Pync

단순한 GPS 추적을 넘어 바이오센서, AI 분석, 행동 예측 알고리즘이 결합된 웨어러블 기기들이 등장하면서, 수의학계도 이를 보조 진단 도구로 활용하기 시작했다. 전문가들은 반려동물의 수면 리듬, 이동 패턴, 심박수 변화에서 골관절염이나 심장 질환의 초기 징후를 읽을 수 있다고 한다. 핀크는 이 흐름 속에서 '모니터링'보다 '이해'에 방점을 찍는다. 반려동물이 보호자에게 전달하지 못하는 신호를 기술이 대신 번역해 주는 것, 그것이 이 제품이 iF 디자인 어워드 심사위원단의 눈길을 끈 이유일 것이다.

도심 속 웰니스 생태계, Six Senses London

Sat, 30 May 2026 14:43:08 GMT

한때 웰니스는 휴식의 다른 이름이었다. 바쁜 일상에서 벗어나 몸과 마음을 쉬게 하는 것, 스파에서 시간을 보내거나 자연 속에서 며칠을 머무는 것이 웰니스 경험의 핵심이었다. 그러나 오늘날 웰니스는 조금 다른 방향으로 진화하고 있다. 사람들은 단순히 쉬고 싶어 하는 것이 아니라 자신을 이해하고 싶어 한다. 왜 피곤한지, 왜 집중력이 떨어지는지, 왜 불안한지 알고 싶어 한다. 최근 한국에서 주목받는 콘텐츠인 The Decode가 인기를 얻는 이유 역시 여기에 있다. 현대인은 삶을 소비하는 데서 나아가 자신의 몸과 감정, 생활 방식을 분석하고 해석하려 한다. 이러한 시대적 변화 속에서 Six Senses London은 단순한 럭셔리 호텔 이상의 의미를 가진다. 이곳은 호텔의 부대시설이라기보다 도시 한가운데 자리한 웰니스 플랫폼에 가깝다. 특히 브랜드 최초의 프라이빗 멤버십 클럽인 Six Senses Place를 중심으로 호텔, 스파, 커뮤니티, 웰니스 프로그램이 유기적으로 연결된다. 이는 웰니스가 더 이상 휴양지에서만 경험하는 특별한 이벤트가 아니라 일상 속에서 지속적으로 실천하는 라이프스타일이 되고 있음을 보여준다.

@Six Senses London

디자인적으로도 Six Senses London은 흥미로운 접근을 보여준다. 가장 상징적인 공간인 스파는 런던 지하철의 역사와 구조에서 영감을 받았다. 일반적으로 지하 공간은 폐쇄적이고 답답한 이미지로 인식되지만 이곳은 오히려 도시의 지층 아래 숨겨진 웰니스 세계를 구현한다. 런던이라는 도시의 기억을 현대적으로 재해석하면서도 외부 세계와 단절된 몰입감을 만들어내는 것이다. 이는 단순한 테마 디자인이 아니라 분주한 도시 생활에서 벗어나 자신에게 집중하는 심리적 전환 장치로 기능한다.

공간 전체에서 느껴지는 분위기 역시 과도한 자극보다는 안정감에 가깝다. 절제된 색채, 자연 소재의 질감, 부드럽게 조절되는 조명은 사용자의 감각을 진정시키는 방향으로 설계되어 있다. 최근 웰니스 디자인에서 중요하게 다뤄지는 Sensory Minimalism의 대표적인 사례라고 할 수 있다. 화려한 장식으로 시선을 사로잡기보다 불필요한 자극을 줄이고 감각을 정돈하는 데 집중한다. 이곳에서 럭셔리는 더 많은 것을 보여주는 것이 아니라 덜어내는 방식으로 표현된다. 흥미로운 점은 Six Senses London이 단순히 편안함만을 제공하지 않는다는 것이다. 오히려 이 공간은 사용자가 자신의 몸과 마음의 상태를 이해하도록 돕는다. 수영장과 사운드 테라피, 다양한 리커버리 시설은 단순한 휴식 공간이 아니라 신체와 신경계의 균형을 회복하기 위한 환경으로 설계되었다. 과거의 스파가 기분 좋은 경험을 제공했다면, 오늘날의 웰니스 공간은 상태의 변화를 목표로 한다. 사용자는 서비스를 소비하는 것이 아니라 자신의 몸이 어떻게 반응하는지를 관찰하게 된다. 이러한 특징은 최근 웰니스 산업의 핵심 키워드인 Decode Wellness와도 맞닿아 있다. 사람들은 이제 막연히 건강해지고 싶어 하지 않는다. 자신의 수면 패턴과 스트레스 수준, 에너지 상태를 이해하고 싶어 한다고 한다. Six Senses London이 제공하는 개인 맞춤형 진단 프로그램과 장수중심의 웰니스 서비스는 이러한 욕구를 반영한다. 중요한 것은 몸을 쉬게 하는 것이 아니라 몸을 읽어내는 것이다.

@Six Senses London

또 하나 주목할 만한 점은 이 공간이 웰니스를 개인의 경험으로만 다루지 않는다는 사실이다. Six Senses Place는 운동과 회복, 식음, 문화 프로그램이 결합된 새로운 형태의 웰니스 커뮤니티를 제안한다. 최근 웰니스 업계에서 Social Wellness가 중요한 화두로 떠오르는 이유도 여기에 있다. 건강은 더 이상 개인의 루틴만으로 완성되지 않는다. 좋은 관계와 대화, 소속감 역시 중요한 웰니스 자산으로 인식된다. Six Senses London은 호텔과 클럽, 스파와 커뮤니티 공간의 경계를 허물며 웰니스를 사회적 경험으로 확장한다.

무엇보다 이곳이 흥미로운 이유는 최첨단 웰니스 기술과 가장 원초적인 감각 경험을 동시에 다루고 있다는 점이다. 생체 데이터 분석과 맞춤형 건강 프로그램을 통해 자신의 몸 상태를 객관적으로 이해하는 한편, Alchemy Bar에서는 허브를 만지고 향을 조합하며 직접 리추얼을 만드는 경험을 제공한다. 하나는 몸을 데이터로 읽어내는 과정이고, 다른 하나는 감각을 통해 몸과 다시 연결되는 과정이다. 결국 Six Senses London이 제안하는 웰니스는 사용자가 자신의 상태를 인식하고 이해하도록 돕는 공간을 제공하는 것이다. 피로를 없애는 것보다 왜 피로한지를 아는 것, 스트레스를 해소하는 것보다 무엇이 스트레스를 만드는지를 이해하는 것이 중요해진 시대. Six Senses London은 웰니스의 미래가 잘 쉬는 법이 아니라 자신을 읽는 법에 있다는 사실을 공간을 통해 보여주고 있다고 전했다.

https://www.sixsenses.com/en/hotels-resorts/europe/united-kingdom/london/

비틀거리는 것들의 쓸모

Fri, 29 May 2026 21:36:10 GMT

@萬田康文

도구는 사용할수록 그것을 쥔 손의 윤곽을 닮아간다. 오랫동안 쓴 칼자루에는 손금의 흔적이 새겨지고, 익숙한 연필은 쥐는 각도에 따라 닳아간다. 도구와 사람 사이에는 서로를 조금씩 바꾸는 시간이 있다.

오늘날의 기술적 객체들—스마트폰, 알고리즘 서비스, 자동화 시스템—은 그 관계를 어떻게 다루고 있을까.

이 질문이 단순히 기술 윤리의 영역에 머물지 않고 디자인의 문제로 이어지는 까닭은, 관계의 형태를 실제로 결정짓는 것이 결국 물리적 형태와 인터랙션의 구조이기 때문이다.

완결된 시스템의 역설

현재 서비스 로봇의 주된 설계 방향은 자기완결성이다. 스스로 경로를 파악하고, 장애물을 피하며, 할당된 작업을 인간의 개입 없이 처리한다. 이는 효율성의 관점에서 논리적인 귀결이지만, 도요하시 기술과학대학의 오카다 미치오 교수는 이 방향이 예기치 않은 부작용을 낳는다고 지적한다. 로봇이 더 많은 것을 스스로 해결할수록, 주변 사람들이 개입할 여지는 줄어든다. 로봇을 위해 무언가를 해줄 기회, 그 과정에서 얻는 작은 주체성의 감각 또한 사라진다.

자동운전 시스템이 고도화될수록 탑승자는 화물에 가까워진다는 비유는 과장이 아니다. 차 안에 앉아 있지만 이동에 관여하지 않는, 혹은 그 과정에 관여할 수 없는 그 상태는, 스스로 움직이고 있다는 감각과는 거리가 멀다. 기술이 인간을 위해 작동한다고 하지만, 그 작동이 완벽할수록 인간은 점점 더 수동적인 위치로 밀려난다. 이것이 오스트리아 철학자 이반 일리치가 말한 '두 번째 분수령'의 현상이다. 기술의 발전이 어느 수준까지는 삶을 풍요롭게 하지만, 그 선을 넘으면 오히려 인간의 자유를 제한하기 시작한다는 것이다.

일본 총무성이 2024년 정보통신백서에서 이 개념을 AI와 로봇의 설계 문제로 직접 참조한 것은 흥미롭다. 정책 문서가 철학적 개념에 기대야 할 만큼, 이 문제가 기술적 최적화의 층위를 벗어나 있다는 뜻이기도 하다.

약함이 만드는 공간

오카다 교수가 연구해온 '약한 로봇'은 이 문제를 다른 각도에서 접근한다. 대표적인 사례인 쓰레기통 로봇은 스스로 쓰레기를 집을 수 없다. 비틀거리며 움직이는 모습이 주변 아이들의 시선을 끌고, 아이들은 자연스럽게 쓰레기를 집어 로봇의 몸통에 넣어준다. 로봇이 할 수 없는 일을 드러내는 것이 아이들을 능동적으로 만든다.

여기서 설계의 핵심은 '불완전함의 노출 방식'이다. 로봇이 자신의 한계를 너무 명시적으로 드러내면 인위적인 장치처럼 보여 참여가 사라진다. 반대로 아무것도 요청하지 않으면 관계가 형성되지 않는다. 오카다 교수가 '중동태'라는 언어학 개념을 빌려 표현한 것처럼, 능동도 수동도 아닌 '자연스럽게 손이 가는' 상태를 만드는 것이 목표다. 그 여백이 사람을 끌어들이는 힘을 갖는다.

이것을 설계의 언어로 옮긴다면 기능을 얼마나 숨길 것인가의 문제가 된다. 모든 가능성을 최전면에 노출하는 설계와, 여백을 남겨두는 설계는 사용자와 맺는 관계의 구조가 다른 모습으로 나타난다. 전자는 시스템과 인간 사이에 명확한 위계를 만들고, 후자는 그 위계속에서 인간은 참여자가 될 여지가 생긴다.

코-비비얼리티, 혹은 함께 살아있음

오카다 교수가 최근 주목하는 개념은 '코-비비얼리티(Convivial Robotics)'다. 일리치의 '자립 공생(Conviviality)' 개념을 로봇 설계에 적용한 것으로, 서로의 주체성과 창조성을 빼앗지 않는 수준에서 느슨하게 의존하는 관계를 추구한다.

고양이 얼굴을 한 배식 로봇의 사례가 구체적이다. 음식을 운반하는 것은 로봇이 하지만, 테이블에 정확하게 내려놓는 것은 손님이 돕는다. 누가 시킨 것이 아니라 상황이 그렇게 흘러간다. 도움을 건넨 손님도 딱히 수고로웠다는 느낌은 없다. 오카다 교수의 표현을 빌리면, 주고받는 관계가 저절로 생겨나는 것이다.

이 설계 접근이 흥미로운 것은 서비스 품질의 완전한 최적화를 의도적으로 낮춘다는 점이다. 로봇이 끝까지 혼자 처리할 수 있다면 손님이 끼어들 틈은 없다. 약간의 불완전함을 남겨두는 것이 그 틈을 만들고, 기계와 인간이 자연스럽게 역할을 나눈다.

개체 능력주의의 그늘

이 논의는 결국 우리가 '좋은 기술'을 어떻게 정의해왔는가의 문제로 돌아온다. 오카다 교수는 현대의 제품 설계가 교육의 평가 체계와 같은 논리 위에 서 있다고 지적한다. 혼자서 모든 것을 해결하는 능력을 이상으로 삼는 시각—그가 '개체 능력주의'라 부르는 것—이 기술 개발의 방향성을 규정해왔다는 것이다.

자기완결형 시스템을 우수하다고 보는 기준은 그 시스템이 사용자와 어떤 관계를 맺는지를 묻지 않는다. 기능은 더 많고, 더 적은 인간의 개입을 필요로 할수록 높은 점수를 받는다. 그러나 이 기준에서 빠져 있는 것은 사용자가 그 기술과의 관계에서 느끼는 주체성의 감각, 기여의 경험, 그리고 관계 그 자체다.

현재의 기술 개발 평가 체계는 산출물(output)에만 익숙하고 ‘관계(relation)’는 잘 보지 못한다. 쓰레기통 로봇의 쓰레기 수거 효율은 자기완결형 로봇보다 낮다. 그러나 그 과정에서 아이들이 경험하는 것—몸을 움직이고, 기여하고, 그 결과를 확인하는—은 어떤 수치로도 담기지 않는다.

여백을 설계한다는 것

결국 이것은 여백을 어떻게 다룰 것인가의 문제로 모인다.

여백은 미완성이 아니다. 오히려 그것은 관계가 생겨날 수 있는 구조적 조건으로 해석할 수 있다. 누군가가 개입할 자리를 남겨두는 것, 시스템이 혼자서 모든 것을 처리하지 않도록 의도적으로 경계를 설정하는 것—이것은 기능 설계의 근간으로 옮겨놓아야 한다.

이러한 접근은 기술과 인간의 관계를 '사용'이라는 단방향 모델에서 벗어나 '공동 행위자'의 관계로 다시 설정한다. 사람이 기술을 사용하는 것이 아니라, 기술과 사람이 함께 어떤 상황과 행위를 만들어내는 것이다. 그 장면에서 기술은 배경으로 완전히 사라지지도, 그렇다고 전면을 점유하지도 않는다. 일정한 존재감을 유지하면서 사람 곁에 머물수 있다.

오카다 교수가 지적하듯, 이러한 방식이 모든 기술에 적용될 수 있는 것은 아니다. 강도와 정확성, 신뢰성이 우선되어야 하는 영역에서 불완전함의 노출은 또 다른 문제를 야기할 수 있다. 그러나 인간의 일상 가까이에 오래 머무는 기술—가정용 기기, 교육 도구, 공공 서비스 인터페이스 같은 영역—에서는 이 질문이 여전히 유효하다.

기술이 풍요를 가져다준다는 믿음은 지금도 유효하다. 다만 이제는 그 ‘풍요’가 무엇인지 조금 더 세밀하게 들여다볼 필요가 있다. 그것이 단순히 편의성과 효율의 총량을 의미하는지, 아니면 기술과 함께하는 일상 속에서 인간이 스스로 살아 있음을 감각하게 만드는 경험까지 포함하는지에 대해서다. 이 둘은 언제나 같은 방향을 가리키지 않기 때문이다.

그래서 약한 로봇이 던지는 질문은 단지 기술에 대한 것이 아니다. 그것은 더 큰 차원의 설계에 관한 질문이다. 무엇을 완성하고, 무엇을 일부러 남겨둘 것인가. 무엇을 자동화하고, 무엇을 인간 사이에 남겨둘 것인가. 결국 그 판단이 기술과 인간 사이의 관계를 결정한다.

@萬田康文

iBones _ 로봇의 손 아래에 손바닥을 내밀면 알코올 소독을 해준다. 끝나면 꾸벅 인사를 하고, 다시 다른 사람을 찾아 떠난다. 손을 내미는 타이밍이 맞지 않으면 실패하기도 하는데, 그것이 오히려 마음을 느슨하게 만든다.

Sociable trash box

"모코"라고 중얼거리며 비틀비틀 사람에게 다가와 몸을 앞으로 살짝 기울인다. 불완전한 말과 움직임이 사람의 자유로운 해석을 이끌어내고, 쓰레기를 줍는 행위를 완성시켜버린다. 안에 쓰레기를 넣어주면 "못코몬"이라고 답해준다.

https://www.soumu.go.jp/johotsusintokei/whitepaper/ja/r06/html/nd161c00.html

https://www.soumu.go.jp/johotsusintokei/whitepaper/ja/r06/pdf/n161000c.pdf

https://www.diversity-in-the-arts.jp/stories/38392

건재의 이력을 기록하는 플랫폼 — matinno가 만드는 도시의 자원 지도

Thu, 28 May 2026 05:09:58 GMT

@matinno

건물을 짓는다는 것은 곧 자원을 소비하는 행위다. 철근, 콘크리트, 유리, 목재 — 이 재료들은 어딘가에서 채굴되고 가공되어 현장에 도착한다. 그리고 수십 년 후 건물이 해체될 때, 상당수는 다시 쓰이지 못한 채 폐기물이 된다. 건설·건축업이 전 세계 CO2 배출량의 약 37%, 자원 채굴의 약 50%를 차지한다는 수치는 이 구조의 규모를 보여준다.

문제는 재료 자체보다 정보에 있다. 어떤 건재가 어디에, 얼마나, 어떤 상태로 쓰였는지 — 이 기록이 없다면, 해체 후 재사용 가능한 자재를 선별하는 일은 처음부터 다시 시작해야 한다. 결국 비용과 시간이 수지가 맞지 않아 폐기로 이어지는 경우가 많다.

도쿄 기반의 스타트업 NewNormDesign이 개발한 플랫폼 matinno는 이 지점에 주목한다. 건재의 환경 평가, 검색, 매칭, 재유통까지를 하나의 플랫폼에서 다루는 구조로, 건재의 이력을 디지털로 축적하는 것이 핵심이다. 건물 단위의 '빌딩 패스포트'를 만들어두면, 훗날 해체할 때 어느 자재를 재사용할 수 있고 어느 부분을 처분해야 하는지 빠르게 파악할 수 있다.

서큘러 건축이라는 개념은 이미 유럽을 중심으로 수년간 논의되어 왔다. '소재 은행으로서의 건물(Building as Material Bank)'이나 ‘머테리얼 패스포트(Material Passport)’ 같은 개념도 그 흐름 안에 있다. 다만 이런 논의가 실제 건설 현장과 이어지려면, 개별 건물 수준의 실천을 넘어 지역 전체의 자원 수급을 조율하는 정보 인프라가 필요하다. 어느 지역에서 어떤 건재가 언제 해체되고, 어디에서 어떤 자재가 필요한지를 연결해주는 시스템 없이는, 순환은 단편적인 사례에 머물기 쉽다.

matinno가 플랫폼을 지향하는 이유가 여기에 있다. 개별 프로젝트의 서큘러 디자인을 수행하는 것 외에, 그 데이터가 쌓여 지역 단위의 자원 흐름으로 이어질 수 있도록 구조를 설계한다. 2026년 1월 트라이얼 런칭 이후 약 5톤의 매칭이 이루어졌다는 수치는 아직 초기 단계지만, 방향을 보여준다. 만박에서 쓰인 벤치가 다른 용도로 사용되고, 군마의 장인이 만든 타일이 오사카의 오피스 바닥재에 쓰이는 식의 연결이다.

@matinno

이 플랫폼의 설계의 몇 가지 주목할 부분을 나열해 보자면,

첫째, 환경 평가 지표를 직접 갖추고 있다는 점이다. 건재명을 입력하면 환경 임팩트 스코어를 확인할 수 있는 구조는, 디자이너가 설계 단계에서 건재를 선택할 때 환경 정보를 함께 검토할 수 있도록 돕는다. 선택의 기준을 바꾸는 데 있어 정보의 접근성은 작지 않은 요소다.

둘째, 마켓플레이스 기능이 재유통을 실제 거래로 연결한다. 잉여 자재를 출품하고 조달할 수 있는 구조는, 순환의 논리를 경제적 거래의 언어로 옮겨놓는다. 이상적인 순환보다 현실적인 인센티브가 작동할 수 있는 틀이다.

셋째, 건재 정보 등록 작업에 장애를 가진 사람들의 협력을 구하고 공정한 대가를 지불한다는 운영 방식이다. 플랫폼의 데이터베이스를 유지하는 일이 동시에 고용을 만드는 구조로 이어진다.

창업자 파라 타라이에 씨는 회사명 'NewNormDesign'에 대해, 서큘러 디자인을 특별한 장르로 분리하는 게 아니라 설계의 기본 전제로 만들고 싶었다고 말한다. '서스테이너블'이라는 수식어가 필요 없어지는 상태를 지향한다는 이야기다.

이 관점은 matinno의 목표 설정에도 반영된다. 타라이에 씨는 5년 후 사용자가 충분히 늘면 플랫폼을 무료로 개방하고 싶다고 한다. 설계 사무소, 디자이너, 기업이 공동 소유하는 공공 인프라에 가깝게 만들겠다는 것이다. 상업적 서비스이면서 동시에 공공재로서의 역할을 지향하는 이 구상은, 실현 가능성의 측면에서 아직 많은 조건이 필요하지만, 플랫폼의 성격을 규정하는 방향으로서는 분명해 보인다.

일본이라는 맥락도 흥미롭다. 타라이에 씨는 도시 마이닝(Urban Mining)이 가장 잘 실현될 수 있는 곳 중 하나로 일본을 꼽는다. 도시가 압축적으로 조성되어 있고, 건물의 밀도가 높으며, 자재와 시공의 품질 수준도 상대적으로 안정적이다. 게다가 일본은 자국 내 원자재가 부족해 대부분을 수입에 의존한다. 이미 쓰인 자재를 다시 활용하는 것이 비용과 자원 양면에서 의미를 가질 수 있는 조건이 갖춰져 있는 셈이다.

월 5,000엔부터 시작하는 이용료에 대해 타라이에 씨는 이렇게 설명한다. 설계 단계에서 건재 데이터를 한 번 등록해두면, 수십 년 후 해체 시점에 드는 조사·견적 비용을 크게 줄일 수 있다. 데이터베이스 구축의 초기 수고가 나중의 비용으로 돌아오는 구조다.

물론 현실적인 과제도 적지 않다. 타라이에 씨 본인도 "과제는 전부"라고 표현했다. 마인드셋의 문제, 비용 부담의 문제, 건재 등록이라는 번거로운 첫 단계를 넘어서는 문제. 데이터가 축적될수록 가치가 커지는 플랫폼의 특성상, 초기 임계점을 넘기까지가 가장 어렵다.

그러나 이 프로젝트가 제기하는 질문 자체는 간단하다. 건재에 이력을 붙이는 일, 그리고 그 이력이 다음 사용자에게 전달되는 일 — 이것이 설계의 당연한 과정이 될 수 있을까. matinno는 그 가능성을 조금씩 시험하고 있는 중이다.

참고자료

https://matinno.co/

https://www.newnormdesign.com/ja

자전거 도시를 위한 커피 시스템, 스웨덴 귀리 우유 브랜드 오틀리의 새로운 실험

Tue, 26 May 2026 22:35:26 GMT

암스테르담에는 자전거를 타며 커피를 들고 가는 사람이 너무 자연스럽다. 한 손에는 커피, 앞바구니에는 튤립이나 작은 강아지를 태운 채 도심을 가로지르는 풍경은 이 도시의 일상에 가깝다. 그래서인지 스웨덴에서 시작한 귀리 우유 브랜드 오틀리(Oatly)가 세계 최초의 ‘Bike Thru’ 를 암스테르담에 공개했을 때, 사람들의 첫 반응은 “왜 이제야 나왔지?”에 가까웠다. 오틀리는 기존의 드라이브 스루 개념에서 자동차만 제거했다. 엔진과 배기가스 대신 자전거와 귀리 우유 음료를 넣은 것이다. 고객은 자전거 전용 레인을 따라 이동하며 음료를 주문하고, 자전거에서 내리지 않은 채 커피를 받아 다시 도시로 나아간다. 말 그대로 ‘사이클링 중심’으로 다시 설계된 커피 경험이다. 이번 팝업은 암스테르담 Papaverhoek 24에서 6월 초까지 운영되며, 단순한 브랜드 이벤트를 넘어 도시 문화 자체를 반영하는 프로젝트로 기획됐다. 사람들의 행동을 바꾸려 한 것이 아니라, 이미 존재하는 도시의 리듬에 자연스럽게 들어간 것이다. 암스테르담은 이미 오래전부터 자동차보다 자전거를 중심으로 움직이는 도시였고, 오틀리는 그 생활 방식을 관찰한 뒤 여기에 맞는 서비스를 만든 셈이다.

출처: 오틀리

디자인적으로도 흥미로운 지점은 많다. 기존 드라이브 스루가 자동차 중심의 인프라를 전제로 했다면, Bike Thru는 도시 안에서 누가 사용자인지를 다시 정의한다. 자동차가 아닌 자전거 이용자를 중심에 두는 순간, 동선과 속도, 사용자 경험까지 모두 달라진다. 즉 이 프로젝트는 단순한 팝업 카페가 아니라, 도시 이동 방식에 맞춰 서비스 경험 자체를 재디자인한 사례에 가깝다.

출처: 오틀리

메뉴 역시 일반적인 커피 체인과는 결이 다르다. 미소 카라멜 티라미수 라떼, 호지차 아이스크림 등 실험적인 음료가 주 단위로 바뀌며 제공된다. 바르셀로나의 Nomad, 코펜하겐의 April, 브뤼셀의 Wide Awake 같은 유럽 스페셜티 로스터들이 순차적으로 참여해, 팝업 자체를 하나의 큐레이션 경험처럼 구성했다. 일부 메뉴는 의도적으로 ‘Mystery Drink’라는 이름 아래 공개되지 않는다.

출처: 오틀리

이번 프로젝트는 지속가능성을 지나치게 무겁게 설명하지 않는다는 점에서도 오틀리답다. 오틀리는 오래전부터 환경 메시지를 유머와 그래픽, 위트 있는 카피를 통해 전달해왔는데, 이번 Bike Thru 역시 설명 대신 경험을 선택했다. 자동차를 비판하기보다, 자전거 중심의 도시에서는 이런 방식이 더 자연스럽고 즐겁다는 점을 보여주는 식이다. 유럽의 여러 도시들이 자전거 인프라와 보행 친화적 구조를 강화하는 가운데, 브랜드들 역시 고객이 “어떻게 이동하는가”를 다시 고민하기 시작했고, 오틀리는 그 답을 찾은 것이다.

출처:

https://www.instagram.com/p/DYe50BWk6Om/

https://momentummag.com/oatly-opens-the-worlds-first-bike-thru-coffee-experience-in-amsterdam/

https://www.oatly.com/

https://www.highsnobiety.com/p/oatly-drive-thru/

DESIGN PERSPECTIVES X GOLDEN PIN SALON BANGKOK 2026

Mon, 25 May 2026 10:55:46 GMT

1. 골든 핀 디자인 어워드란?

골든 핀 디자인 어워드(Golden Pin Design Award)는 대만 디자인연구원(Taiwan Design Research Institute, TDRI)이 주관하는 어워드로 1981년 창설된 이래 2014년 글로벌 출품을 허용하면서 아시아를 대표하는 국제 디자인 어워드로 성장했다. 제품 디자인, 커뮤니케이션 디자인, 공간 디자인, 통합 디자인 등 4개 부문에서 수상작을 선정하며 수상의 권위와 함께 수상자들 간의 네트워킹과 비즈니스 매칭까지 지원하는 복합 플랫폼으로 진화하고 있다. 이 어워드의 연간 순회 토크 프로그램인 'Design Perspectives × Golden Pin Salon'은 2015년 처음 시작된 이후 아시아 21개 도시를 순회하며 수상자 및 주요 디자이너들을 초청해 디자인 지식과 경험을 공유하는 장으로 자리 잡았다.

사진 출처 : https://www.goldenpin.org.tw/goldenpin/en

2. 대만과 태국의 디자인 교류는 어떻게 시작되었을까?

대만과 태국의 디자인 교류는 골든 핀 디자인 어워드를 중심으로 점차 심화되어 왔다. 태국의 대표적인 디자인·건축 전문 매체인 art4d가 핵심 파트너 역할을 하고 있는데 1995년 창간된 art4d는 격월 발행 건축·디자인·아트 전문지로 태국어와 영어를 병행 출판하며 태국 디자인 커뮤니티를 국제 무대와 연결하는 역할을 해왔다. 2024년 방콕 살롱 행사에서 골든 핀 디자인 어워드는 처음으로 태국 미디어 파트너인 art4d와 공동으로 살롱을 진행하기 시작했으며 이를 계기로 협력 관계가 더욱 공식화되었다. 2025년부터는 태국 창의경제청(CEA) 산하 미디어 플랫폼인 Creative Thailand와도 파트너십을 맺었고, 방콕 디자인 위크(BKKDW)와도 협력 범위를 확장했다. 2026년 방콕 살롱은 방콕에서의 네 번째 행사로, 태국 디자인 커뮤니티와의 깊은 유대 관계를 이어가며 대만-태국 간 크로스컬처 대화를 확장하는 자리가 되었다. 이번 행사는 2026년 5월 6일 태국 방콕의 The Standard, Bangkok Mahanakhon에서 진행이 되었다.

3. 2026 방콕 살롱의 행사 개요와 주제는 무엇이었나?

이번 2026 방콕 살롱의 주제는 "Designing for Recognition: Whose Standards Matter?(인정받기 위한 디자인: 누구의 기준이 중요한가?)" 로 디자인 어워드의 역할을 단순한 인정의 메커니즘을 넘어 담론을 형성하고 가치 기준을 세우며 현대 디자인의 방향에 영향을 미치는 플랫폼으로서 재고하는 시간이었다. 행사는 대만과 태국의 디자이너 7인이 패널로 참여한 발표 세션과, 이후 'Talks on Tap' 포맷의 자유로운 네트워킹 토크로 구성되었다.

사진 출처 : https://www.goldenpin.org.tw/goldenpin/en

4. 참여 태국 디자이너 및 주요 프로젝트는 무엇이었나?

이번 행사에서 특히 주목할 점은 태국 디자인계의 현 주소를 보여주는 다양한 분야의 디자이너들이 연사로 참여했다는 것이다.
- 건축·공간 디자인 분야에서는 IDIN Architects의 창립자 지라벳 홍사쿤(Jiravej Hongsakul)이 참여했다. 그는 사회적·기능적·인간 중심적 맥락 등 다양한 질문에 건축으로 직접적이고 솔직하게 응답하는 방식으로 알려져 있으며 2022년 골든 핀 어워드를 수상한 게스트하우스 PA PRANK를 비롯해 2023년과 2024년 연속 'Best of Golden Pin Design Award'를 수상한 NANA Coffee Roasters 시리즈로 국제적 명성을 얻었다. 2025년에는 태국의 현대예술 부문 권위 있는 상인 실파톤상(Silpathorn Award) 건축 부문을 수상했다.

- 푸드 앤 비버리지 공간 디자인 전문 스튜디오 Taste Space의 키티타넷 카존라따나뎃(Kittithanet Khajornrattanadech)은 2023년 골든 핀 어워드를 수상한 PAGA Microroastery를 포함해 태국 현대 카페 문화의 아이콘으로 불리는 작품들을 선보인 디자이너다. DEmark 어워드와 프리 베르사유(Prix Versailles)에서도 수상한 바 있다.

- thingsmatter의 공동 창립자 사비니 부라나실핀(Savinee Buranasilpin)은 건축과 설치예술의 융합을 통해 사람, 장소, 자연의 섬세한 관계를 탐구하는 작가다. 태국 남부 소금밭의 본질을 담아낸 프로젝트 'Field Work'로 2023년 골든 핀 어워드를 수상했다.

- 제품·그래픽 디자인 분야에서는 Qualy의 오너 디자이너 티라차이 수파메티쿨왓(Theerachai Suppameteekulwat)이 참여했다. 플라스틱에 대한 부정적 인식을 바꾸기 위해 재활용 플라스틱으로 만든 가구 시리즈 RE-UP Collection으로 2024년 골든 핀 어워드를 수상했으며, 가족의 플라스틱 제조 사업을 국제적으로 인정받는 순환 디자인 브랜드로 전환시킨 사례로 주목받고 있다.

- 마지막으로 Pink Blue Black & Orange의 디자인 디렉터 씨암 앗따리야(Siam Attariya)는 태국인 최초로 국제 그래픽 디자인 협회(AGI)에 입회한 그래픽 디자이너로, 25년 이상의 경력을 가지고 있다. 그래픽·전시·디지털 디자인에 걸쳐 깊은 전문성을 보유하며 태국의 전문 박람회 Specialized Expo 2028 유치 로고 디자인을 맡아 태국의 미래 비전을 시각적으로 표현했다.

사진 출처 : https://www.goldenpin.org.tw/goldenpin/en

5. 태국 디자인의 국제적 위상과 골든 핀에서의 성과는 어떠했을까?

2024년 골든 핀 디자인 어워드에서 태국은 두드러진 성과를 거뒀다. 공간 디자인 부문에서 1922 Architects, Hanabitate Architects, IDIN Architects 등 3개 태국 건축사무소가 수상하였으며, 커뮤니케이션 디자인 부문에서는 그래픽 디자이너 마니타 송썸(Manita Songserm)이 전시 Crossover II의 포스터 작업으로 'Best of Golden Pin Design Award'를 수상했다. 제품 디자인 부문에서도 mflex factory가 통기 블록 제품으로 수상하는 등 다방면에서 성과를 냈다. 이처럼 태국 디자이너들의 수상이 잇따르면서 골든 핀 어워드 내에서 태국 디자인의 존재감이 해마다 커지고 있다.

기사 참고 및 자료 출처

https://www.goldenpin.org.tw/goldenpin/en

디스코볼이 된 스포티파이: 디자인 실험인가, 실패한 브랜딩인가

Wed, 20 May 2026 21:55:49 GMT

스웨덴에서 시작된 음악 스트리밍 플랫폼 스포티파이(Spotify)가 창립 20주년을 맞아 앱 아이콘을 디스코볼 형태로 바꾸자, 예상보다 훨씬 큰 반발이 이어졌다. 단순한 기념성 업데이트였지만, 사용자들의 반응은 의외로 격렬했다. “이 로고를 만든 사람은 해고돼야 한다”, “이 못생긴 앱은 뭐냐” 같은 반응이 소셜미디어를 빠르게 채웠고, 결국 스포티파이는 다음 주 원래 아이콘으로 돌아간다고 공식적으로 발표했다.

출처: 스포티파이

이번 변경은 ‘Spotify 20: Your Party of the Year(s)’라는 20주년 캠페인의 일부였다. 사용자의 오래된 플레이리스트와 음악 취향을 다시 돌아보게 만드는, 일종의 향수 기반 프로젝트다. 기존의 평면적인 초록색 아이콘 대신, 반짝이는 디스코볼 질감이 더해진 포토리얼한 아이콘이 iOS에 적용됐다. 스포티파이는 이를 축하 분위기를 담은 유쾌한 시도로 봤지만, 사용자들은 전혀 다르게 받아들였다. 흥미로운 점은, 스포티파이가 앱 기능이나 인터페이스를 바꾼 것이 아니라는 점이다. 단지 홈 화면의 작은 아이콘 하나를 수정했을 뿐이다. 그런데도 반응은 대규모 업데이트 이상의 논쟁으로 번졌다. 다양한 이유가 있지만, 이는 앱 아이콘이 단순한 그래픽이 아니라는 점을 보여준다. 사용자들은 매일 무의식적으로 같은 위치의 같은 형태를 인식하며 앱을 사용하는데, 스포티파이처럼 미니멀한 초록색 원형 아이콘은 이미 너무 익숙한 시각 언어가 되었기 때문에 그 단순함이 깨지는 순간 사용자들은 바로 이질감을 느끼게 되는 것이다.

디자인 업계에서도 의견은 갈렸다. 일부는 이번 리디자인이 모바일 환경에서 확장성과 가독성을 충분히 고려하지 않았다고 지적했다. 디스코볼의 반짝이는 텍스처가 작은 화면 안에서는 뭉개져 보였고, 아이폰 사용자들 사이에서는 “업데이트가 덜 된 앱처럼 보인다”는 반응도 나왔다. 특히 최근 10년간 테크 기업들이 평면적이고 단순한 미니멀 디자인을 중심으로 브랜딩을 구축해왔다는 점에서, 이번 변화는 익숙한 흐름을 정면으로 거스르는 시도였다.

출처: @RaceJohnson X 계정

반면 일부 디자이너와 마케터들은 오히려 이 점을 긍정적으로 평가했다. 지나치게 정제되고 알고리즘적으로 최적화된 현재의 테크 브랜딩 속에서 스포티파이의 아이콘은 오히려 낯설고 인간적인 감각을 드러냈다는 것이다. 디자인 전문 매체들은 이를 ‘디스코모피즘(discomorphism)’이라고 부르며, 2000년대 초반의 스큐어모피즘(skeuomorphism)과 디스코 미학이 결합된 실험으로 해석하기도 했다.

결과적으로 이번 논란은 단순한 디자인 실패라기보다, 오늘날 디지털 브랜딩이 얼마나 감정적인 영역이 되었는지를 보여준다. 그렇지만 무엇보다 단 몇 일 동안의 아이콘 변경만으로 수많은 기사와 토론, 소셜미디어 반응을 만들어냈다는 점은 오히려 스포티파이에게 호재일 수 있다.

참고링크:

https://www.businessinsider.com/spotify-disco-ball-icon-logo-app-ugly-2026-5

https://9to5mac.com/2026/05/17/spotify-confirms-disco-ball-app-icon-is-temporary-and-regular-logo-will-return/

https://www.ibtimes.co.uk/spotify-disco-ball-icon-backlash-1797924

[로컬 디자인] 정류장, 이동의 공간에서 머무는 공간으로

Wed, 20 May 2026 03:15:35 GMT

한국의 지방 도시들은 지금 인구 감소와 이동 인프라 축소라는 이중의 문제를 겪고 있다. 특히 버스 이용객 감소에 따른 노선 축소와 배차 간격 문제는 지역 생활 환경 자체를 바꾸고 있다. 이동 수단이 줄어드는 것은 단순한 교통의 문제가 아니라, 지역 안에서 사람을 만나고 소비하고 머무르는 경험 자체가 사라진다는 의미이기도 하다. 이러한 흐름 속에서 최근 일본의 로컬 디자인 프로젝트들은 ‘이동’을 단순한 교통 기능이 아니라, 지역 커뮤니티를 연결하는 공간 경험으로 다시 해석하기 시작했다. 그 사례 중 하나가 일본 가와사키시에 위치한 프로젝트 ‘街の停留所(거리의 정류장)’이다.

가와사키를 기반으로 활동하는 PEAK STUDIO가 설계한 이 프로젝트는, 버스 정류장 앞 작은 꽃집에서 시작됐다. 지역의 화훼 농가가 운영하던 ‘꽃의 정류장(花の停留所)’이라는 이벤트는 집과 정원을 지역 주민에게 개방하고, 주변 상점과 친구들이 함께 모이는 임시 커뮤니티 프로그램이었다. 행사를 거듭할수록 지역 안에서 자연스럽게 사람을 연결하는 힘이 커졌고, 이를 일회성 이벤트가 아닌 지속 가능한 공간으로 확장한 결과물이 바로 ‘거리의 정류장’이다.

프로젝트는 주거지역 내 건축 규제로 인해 큰 규모의 복합시설을 만들 수 없는 조건에서 출발했다. 대신 설계팀은 기능을 하나의 건물에 집중시키기보다, 두 개의 작은 동과 그 사이의 ‘광장’을 중심으로 공간을 구성했다. 도로와 맞닿은 첫 번째 동에는 베이커리, 구운과자 가게, 커피 스탠드를 배치해 지나가는 사람들이 자연스럽게 접근할 수 있도록 했다. 안쪽의 두 번째 동에는 꽃집을 중심으로 공유 키친과 잡화점을 구성했다. 각각의 작은 상점들이 유기적으로 연결되며 다양한 방문 목적을 만들어내고, 결과적으로 지역 안에서 사람들의 체류 시간을 늘리는 구조다.

특히 인상적인 부분은 건축적 개방감이다. 두 개의 건물은 서로 짝을 이루는 형태로 설계됐으며, 코너 기둥을 제거하고 전면 개폐형 창호를 적용해 실내와 외부 광장이 자연스럽게 이어지도록 만들었다. 문을 모두 열면 건축과 거리의 경계가 흐려지며, 버스 정류장 주변이 단순한 이동 공간이 아니라 사람들이 머물고 교류하는 작은 광장처럼 작동한다.

이 프로젝트가 흥미로운 이유는 ‘정류장’을 다시 정의했다는 점이다. 일반적으로 정류장은 목적지로 이동하기 위해 잠시 머무는 기능적 공간에 가깝다. 그러나 ‘거리의 정류장’은 그 짧은 대기 시간을 지역 커뮤니티 경험으로 전환했다. 이동을 위한 인프라에 소비, 커뮤니티, 로컬 콘텐츠를 결합함으로써 지역의 새로운 생활 거점을 만든 것이다.

한국 지방 도시에도 시사하는 바가 크다. 현재 한국의 많은 지역에서는 인구 감소와 고령화로 인해 버스 노선 축소와 생활 인프라 감소가 동시에 진행되고 있다. 이동 자체가 불편해지면서 자연스럽게 거리에서 머무르고 사람을 만나는 경험 또한 줄어드는 상황이다. 일본의 ‘거리의 정류장’ 프로젝트는 단순히 하나의 로컬 공간 사례를 넘어, 축소되는 지역 인프라를 어떻게 다시 생활의 거점으로 전환할 수 있는지 보여주는 실험으로 읽힌다. 특히 특히 대규모 개발이나 새로운 랜드마크 조성 대신, 기존의 버스 정류장과 생활 동선을 기반으로 작은 상점과 광장을 연결했다는 점이 인상적이다. 이동 인구가 줄어드는 시대에 지역 디자인이 단순한 시설 조성에 머무르지 않고, 사람들의 체류와 관계 형성을 어떻게 유도할 수 있을지 고민했다는 점에서도 참고할 만한 사례다.

앞으로의 로컬 디자인은 새로운 건물을 만드는 것 이상으로, 사라져가는 일상의 동선 위에 어떤 경험과 연결을 다시 만들어낼 수 있는지가 중요한 과제가 될 가능성이 크다.

관련 사이트
https://teiryujo.jp/
https://peak-studio.net/works/2427