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오염된 뉴욕의 강, 철저한 컴퓨터 계산된 운하 구조물로 생태계+환경 '1석2조'

Tue, 01 Sep 2026 02:01:27 GMT

뉴욕 브루클린 고와누스 캐널(Gowanus Canal)은 미국에서 가장 오염된 수로 중 하나다. 1860년대 산업화 시대에 건설된 이 1.8마일 길이의 운하는 한때 뉴욕항과 브루클린을 잇는 핵심 물류 통로였다. 시멘트 공장, 화학약품 제조 공장, 페인트·잉크 공장, 가스 공장 등 운하 양쪽을 따라 즐비하게 들어서 있는 지역이었다. 폐수를 강에 직접 방류해 엄청난 오염을 일으켰다. 이와 같은 오염 속엔 석탄 타르, PCB, 납, 비소, 중금속, 생활 하수가 150년 넘게 쌓인 이곳의 수면 아래에는 지역 주민들이 ‘검은 마요네즈’라고 부르는 두꺼운 오염 침전층이 깔려있다. 2010년 미국 환경보호청(EPA)이 슈퍼펀드 사이트로 지정하면서 약 20억 달러 규모의 준설 및 오염 차단 공사가 시작될 정도로 뉴욕 주민이라면 다들 아는 오염물이 많은 곳이다.

©CSLab

그러나 여기서 새로운 문제가 드러났는데, 미국 환경청의 정화 계획은 운하 양쪽의 낡은 석재, 목재 옹벽을 매끈한 강철 벌크헤드로 교체하는 계획이 오히려 더 큰 환경 오염을 만들어낼 수 있다는 점이 드러났다. 아이러니하게도, 깨끗한 강철 표면에는 아무것도 달라붙을 수 없다. 조류도, 홍합도, 굴도, 수중 식물도 자생이 불가능하다. 고와누스 카날 보존 단체(Gowanus Canal Conservancy)의 경관 디렉터 다이애나 그루버그(Diana Gruberg)는 이 상황을 멸균 박스라고 불렀으며, 생태 다양성 조사에서 운하 내외부에서 확인된 1,140종의 생물, 대서양 홍합, 파란 게, 동부 굴, 줄무늬 농어, 미국 뱀장어를 포함한 그 모든 생물이 정화 이후 서식지를 잃을 수 있다고 했다. 즉, 오염된 물 속에서도 자생하며 조금씩 환경을 되돌릴 수 있도록 살던 생물들이 살 곳을 잃으며 오히려 심각한 상황을 초래할 수도 있는 것이다.

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립랩 잼(Riprap Jam)은 이 딜레마를 정면 돌파하는 프로젝트다. 뉴저지의 저지시티에 기반한 디자인 연구 스튜디오 CSLab의 센 쉔(Cen Shen)과 이찬성(Changsong Li)이 설계한 립랩 잼 바이오 제조 지구 복합재(Bio-fabricated Earthen Composite)는 2026 iF 디자인 어워드를 수상했다. 해안 인프라를 재생적 생태 엔진으로 전환하는 것을 목표로 한다.

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기존 립랩(Riprap)의 역할은 파랑 에너지를 분산시키고 제방 침식을 막는 것이다. 립랩(Riprap)은 강가나 해안가에서 파도와 물살로 인한 침식을 막기 위해 쌓아둔 거친 돌무더기 장벽을 말한다. 버텨야 하고, 유지돼야 하며, 변하지 않아야 한다. 립랩 잼 시스템의 핵심은 계획된 침식(Programmed Erosion)이다. 구조물이 시간이 지남에 따라 특정 방식으로 용해되도록 기하학적 형태와 소재를 설계해, 그 분해 과정 자체가 영양분을 수계로 방출하고 수생 생물을 먹이로 삼도록 한다. 립랩 잼 소재는 주변 환경에서 직접 조달된다. 현지 토양, 해조류, 굴껍데기가 주원료다. 고와누스 운하 인근에서 수백 년 전까지 번성했던 굴 서식지의 기억을 소재에 물질적으로 담은 것이기도 하다. 이 소재들은 소성(燒成), 즉 가마 굽기를 거치지 않는다. 구워지지 않은 채로 제작된다. 소성을 하지 않음으로써 소재가 수분과 접촉했을 때 서서히 용해되는 특성을 보존하고, 동시에 탄소 집약적인 고온 소성 공정을 생략해 제조 단계의 환경 부담을 낮춘다.

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CSLab은 계산적 설계(computational design) 방법론을 통해 각 블록의 기하학적 구조를 결정한다. 어느 부위가 먼저 용해될지, 어느 부위가 구조적 지지를 유지할지, 어느 방향으로 영양분이 방출될지가 모두 형태 안에 프로그래밍된다. 자연스럽게 유기적인 형태가, 철저히 컴퓨터로 계산된 디자인인 것이다.

얕은 깊이로 설계된 오목 구조는 빠르게 용해되어 수생 생물이 서식할 수 있는 미세 기공과 틈새를 만든다. 두꺼운 벽면 구조는 천천히 분해되며 구조적 안정성을 유지한다. 해조류 성분은 분해 과정에서 용해되며 알긴산과 미네랄을 방출해 조류와 플랑크톤의 성장을 촉진한다. 굴껍데기 성분은 탄산칼슘을 제공해 수계 pH를 안정시키고 굴 유생의 부착을 유도한다.

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립랩 잼의 시간 지평은 5년이다. 설치 초기에는 파랑 에너지를 분산하고 제방을 보호하는 기존 호안석의 역할을 수행한다. 동시에 소재의 미세 기공 구조가 홍합, 굴, 갯지렁이 같은 저서생물의 초기 정착지가 된다. 1~2년 차에는 외층 기하학 구조가 계획된 속도로 용해되기 시작하며 영양분을 방출하고 더 큰 생물들의 서식 공간이 형성된다. 3~5년이 지나면 구조적 기능을 하던 블록이 생물학적 기반으로 완전히 전환된다. 인공 호안 구조물이 살아 있는 생물 암초(biological reef)로 진화한다. 각 립랩 잼 블록의 분해 속도는 수온, 조류 속도, 생물 부착 상태에 따라 달라지며, 전체 시스템은 환경 조건에 반응하며 스스로를 조율한다. 컴퓨터로 철저히 계산한, 하이테크 제조가 자연을 능동적으로 치유할 수 있다는 것을 증명하는 실천적 방법이다.

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고와누스 운하의 미국 환경보호청 슈퍼펀드 정화 작업은 오염을 제거하는 동시에 수십 년간 그 오염 속에서 형성된 생태적 다양성을 파괴하는 역설을 안고 있다. 립랩 잼은 오염을 차단하는 구조물이 동시에 생태계를 재건하는 기반이 될 수 있고, 계산된 디자인으로 썩으며 사라지는 과정에서 오히려 강 속 생태계를 살리는 힘이 되도록 했다. 호안석이 녹아 없어지며 암초가 되고, 인프라가 분해되며 생태계가 되는 이 역설 속에서, 립랩 잼은 "썩음을 설계한다"는 가장 급진적인 형태의 지속 가능성을 실천한다.

'쉼'을 입다 — 일본 리커버리 웨어와 수면 경제의 디자인

Mon, 31 Aug 2026 13:44:41 GMT

경제협력개발기구(OECD) 조사에서 일본은 가맹국 중 수면 시간이 가장 짧은 나라다. 2021년 기준 하루 평균 7시간 22분으로 세계 평균을 1시간 이상 밑돌고, 수면 부족에 따른 경제 손실은 약 1,380억 달러, GDP 대비 비율로는 조사국 중 최하위로 추산된다. 후생노동성이 2023년 '건강 만들기를 위한 수면 가이드'를 내놓으며 국가 차원의 대응에 나선 것도 이런 배경에서다.

역설적이게도, 이 ‘수면이 부족한 나라'는 지금 세계에서 가장 앞서 '쉼을 파는 나라'가 되어가고 있다. 잠과 피로 회복이라는, 눈에 보이지 않고 손에 잡히지 않던 경험이 입는 옷, 덮는 이불, 신발 속 깔창으로 제품화되고 있다. 목욕이나 온천처럼 '장소'에 머물러야 얻던 회복을, 이제는 일상 속에서 몸에 걸치는 것만으로 취할 수 있는 제품으로 옮겨온 것이다. 흥미로운 것은 이 시장의 승부처가 단순한 기능이 아니라 '신뢰를 어떻게 설계하는가', 그리고 '쉼을 어떤 감각으로 브랜딩하는가'라는 디자인의 영역에 있다는 점이다.

보이지 않는 것을 사는 시장 — 수면 경제의 부상

먼저 시장의 크기를 보자. 일본리커버리협회는 휴양·항피로를 아우르는 '리커버리 시장'의 규모를 2025년 약 7.6조 엔, 2030년 약 14.3조 엔으로 내다본다. 그 하위 카테고리인 리커버리 웨어만 떼어 봐도, 일본능률협회종합연구소는 2024년 189억 엔이던 시장이 2030년 약 1,700억 엔, 즉 9배로 커질 것으로 전망한다.

여기에 센서·앱 같은 디지털 기술로 수면을 측정·분석해 개선하는 '슬리프테크(Sleep Tech)' 시장이 겹친다. 야노경제연구소에 따르면 일본 슬리프테크 시장은 2022년 약 60억 엔에서 2026년 약 175억 엔으로, 4년 만에 약 3배로 커질 전망이다. 수면이 하나의 산업으로 빠르게 자리 잡고 있는 셈이다.

이 시장이 뜨거운 이유는 명확하다. 만성적 수면 부족이 사회문제가 되고, 코로나를 거치며 '회복'과 '컨디셔닝'에 대한 지출 의향이 구조적으로 커졌기 때문이다. 소비의 무게중심이 '무엇을 성취하기 위해 몸을 쓰는가'에서 '어떻게 몸을 회복시키는가'로 옮겨가면서, 휴식은 미룰 수 있는 여백이 아니라 적극적으로 관리하고 투자하는 대상이 됐다.

제도가 곧 브랜딩이 되다 — 리커버리 웨어와 '일반의료기기'

리커버리 웨어의 원리는 이렇다. 특수 광석(세라믹 등)을 섬유에 짜 넣어, 피부에서 나오는 열을 흡수했다가 원적외선으로 되돌려 방사한다. 이를 통해 혈행이 촉진되고 어깨 결림·요통·근육 뭉침이 완화되며 이완 상태가 유도된다는 것이 각 회사의 설명이다.

국가에서 2022년 '가정용 원적외선 혈행촉진용 의류'라는 일반의료기기 분류를 새로 만들었다. 체열을 바탕으로 원적외선을 방사하는 의류를 '리커버리(회복)'라고 표방해 판매하려면, 후생노동성 산하 규제기관에 신고하는 것이 필수가 된 것이다. 인체 위험이 극히 낮은 등급이지만, 핵심은 '회복'이라는 모호한 감각적 효용에 국가 제도라는 객관적 신뢰의 뒷받침이 생겼다는 데 있다.

이 '제도적 신뢰'를 가장 영리하게 브랜드 자산으로 전환한 곳이 D2C 기업 TENTIAL(텐셜)이다. TENTIAL은 2020년 크라우드펀딩으로 리커버리 웨어 'BAKUNE(바쿠네)'를 선보였고, 2021년 4월 일반의료기기 인증을 취득했으며, 2024년 8월에는 제2종 의료기기 제조판매업 허가까지 받아 직접 제조판매 신고를 수행한다. 저가 경쟁 제품이 쏟아지는 가운데, TENTIAL은 "라이선스 취득은 골(goal)이 아니다"라며 의료기기로서의 관리 체제를 갖췄다는 점을 전면에 내세워 차별화한다. 눈에 보이지 않는 효용을 파는 시장에서 '어떻게 믿게 만들 것인가'라는 신뢰의 디자인이, 그 자체로 강력한 브랜딩 전략이 된 것이다.

카테고리를 짓다 — BAKUNE라는 생태계

TENTIAL이 보여주는 두 번째 디자인은 '카테고리 설계'다. 상하 세트가 약 2만 5천~3만 엔을 넘는 고가의 파자마임에도 BAKUNE는 개인 구매와 선물 수요를 동시에 공략하며 누적 판매 200만 벌을 돌파했고, 이 브랜드를 앞세워 2025년 2월 도쿄증권 그로스 시장에 상장했다.

성장세는 가파르다. 2026년 8월기 통기 예상 매출은 상방 수정을 거쳐 약 330억 엔, 영업이익 약 38억 엔에 이른다. 특히 주목할 것은 72%대에 이르는 높은 매출총이익률로, 이것이 높은 수익성의 토대가 되고 있다. 파자마 한 벌이 아니라 '고품질의 휴식'이라는 무형의 가치를 팔기 때문에 가능한 가격 설계이자 마진 구조다.

TENTIAL은 BAKUNE로 확보한 고객을 이불·침구, 평상복 'MIGARU', 인솔 'INSOLE', 그리고 워크웨어·풋케어 등 주변 카테고리로 확장해 간다. 2026년 8월기 2분기에는 주력인 웨어 외에 침구가 전년 동기의 약 2.3배, 워크웨어가 약 1.8배, 풋케어가 약 2.3배로 늘며 빠르게 성장했다. 하나의 히트 제품을 '컨디셔닝'이라는 상위 개념으로 감싸, 아침에 신는 인솔(깔창)부터 낮에 입는 옷, 밤에 덮는 이불까지 하루 24시간의 회복을 브랜드 생태계로 엮어내는 전략이다. J리그 미래육성 파트너, 사무라이재팬(야구 국가대표) 공식 파트너 취임 등 스포츠 영역의 신뢰 자산도 이 생태계의 확장을 뒷받침한다.

이 시장의 뿌리에는 일본 최초의 리커버리 웨어 전문 브랜드 VENEX(베네크스)가 있다. VENEX의 출발점은 뜻밖에도 간병용 욕창(床ずれ) 해소 제품 개발이었다. '인간이 본래 지닌 자기 회복력을 최대한 발휘시킨다'를 콘셉트로, 백금 등을 나노 수준으로 배합한 독자 소재 'DPV576'을 함유한 PHT(Platinum Harmonized Technology) 섬유를 개발해 2010년 2월 첫 제품을 내놨다.

@ 독자 소재 'DPV576'을 함유한 PHT(Platinum Harmonized Technology) 섬유를 착용 후 수면의 질이 달라짐을 나타내고 있다.

VENEX의 설계 철학에서 특히 눈여겨볼 것은 '조이지 않는다'는 원칙이다. 근육을 압박해 성능을 내는 스포츠 컴프레션 웨어와 정반대로, 몸을 전혀 조이지 않는 '논컴프레션(non-compression)' 디자인을 택했다. 소재가 피부의 감각 센서에 작용해 교감신경을 억제하고 부교감신경을 우위로 이끌어, 근육 이완과 혈관 확장, 수면의 질 향상을 유도한다는 설계다. '더 조여서 성능을 낸다'가 아니라 '완전히 풀어줘서 회복시킨다'는 발상의 전환이며, 착용 후 졸음을 느낄 수 있어 운전이나 위험 작업 시 착용을 삼가라고 안내할 정도다. 회복이라는 목적이 소재·실루엣·착용 상황까지 제품 디자인 전반을 규정하는, 명확한 디자인 언어를 보여준다.

개인에서 조직으로 — '건강 경영'과 격화되는 경쟁

리커버리 웨어와 수면 경제의 다음 무대는 개인을 넘어 조직이다. 야노경제연구소는 시장 확대의 열쇠를 '법인용 서비스'에서 찾는다. 종업원의 수면 개선이 기업의 이익률과 몰입도(engagement) 향상으로 이어진다는 점이 최근 시사되면서, 수면·회복이 '건강 경영(健康経営)'과 생산성 향상의 수단으로 주목받고 있는 것이다. 휴식이 개인의 사적 영역을 넘어 기업이 투자하는 경영 자원이 되는 셈이다.

시장이 커지자 경쟁도 격화됐다. 2024년경 미디어와 SNS를 통해 대중화되고 TENTIAL이 상장하는 사이, 워크맨·이온 같은 대기업이 잇따라 뛰어들며 '가격 파괴'와 '브랜딩'의 이중 전선이 형성됐다. 앞서 언급한 일반의료기기로 신고된 원적외선 혈행촉진용 의류 건수는 2023년 단 4건에서 2026년 4월 185건으로 46배 넘게 늘었다. 다양한 제조사가 진입하고 있다는 방증이다. 저가 공세 속에서 전문 브랜드들이 내세우는 무기가 결국 의료기기로서의 신뢰 관리, 소재 기술의 서사, 그리고 실내복으로도 손색없는 디자인 완성도라는 점은 시사하는 바가 크다. 최근 모델일수록 세련된 라운지웨어로도 통하는 디자인성을 전면에 내세우는 이유다.

왜 지금, '쉼'을 디자인하는가

최근 웰니스 시장에서는 제품의 성능·기능보다 사용자가 무엇을 느끼고 어떻게 머무는가가 경쟁력을 결정한다는 명제가 자리 잡았다. 리커버리 웨어와 수면 경제는 이 명제를 흥미로운 방향으로 확장한다. 이들은 '체험'을 파는 동시에, 그 반대편에 있던 '보이지 않는 회복'을 손에 잡히는 제품으로 만들어냈다.

이 흐름이 던지는 디자인적 함의는 세 가지다. 첫째, 무형의 제품화다. 잠, 피로 회복, 이완처럼 계량하기 어려운 감각을 '입고 덮고 신는' 사물로 번역하는 것 자체가 고도의 디자인 과제이며, 그 성패는 소재·실루엣 같은 물성 설계에 달려 있다. 둘째, 신뢰의 디자인이다. 효용이 눈에 보이지 않을수록 '어떻게 믿게 만드는가'가 핵심이 되고, 일본에서는 일반의료기기 분류라는 제도적 장치가 그 신뢰를 떠받치는 브랜드 자산으로 전환됐다. 셋째는 카테고리의 생태계화다. 하나의 히트 제품을 '컨디셔닝'이라는 상위 개념으로 감싸 하루의 회복 전체를 아우르는 브랜드 세계로 확장하는 방식은, 단품이 아니라 라이프스타일을 파는 웰니스 브랜드의 전형을 보여준다. 눈에 보이지 않는 '쉼'을 어떤 물성과 어떤 신뢰로 손에 잡히게 만들 것인가 — 웰니스에 대한 관심이 높아지는 한국의 웰니스·리테일·제품 디자인 업계에도 같은 물음이 놓여 있다.

관련 사이트 및 참고 자료

TENTIAL(BAKUNE) 공식 온라인스토어: https://tential.jp/
VENEX(베네크스) 공식 사이트: https://venex-j.co.jp/

AI 시대, 핀란드에서 디자이너는 어떻게 변하고 있는가

Mon, 31 Aug 2026 12:08:05 GMT

디자이너는 앞으로 무엇을 하는 사람이 될까? 생성형 인공지능이 이미지와 텍스트를 만들고 아이디어를 제안하는 시대, 이 질문은 더 이상 먼 미래의 이야기가 아니다. AI의 확산이 반드시 디자인 전문성의 소멸을 의미하는 것도 아니다. 오히려 핀란드 디자인 산업에서는 직접 결과물을 만드는 능력뿐 아니라 문제를 정의하고 방향을 설정하며 결과를 판단하는 능력의 중요성이 커질 것이라는 전망이 나오고 있다.

핀란드의 가장 큰 디자인 협회 오르나모Ornamo가 발표한 핀란드 디자인 산업 동향 조사 ‘Design Pulse 2026(Design Pulssi 2026)’는 이러한 변화를 보여준다.

보고서는 노동시장과 기업 활동뿐 아니라 AI와 지속가능성을 주요 주제로 다뤘다. 올해 초 실시된 설문에는 임금근로자 249명, 기업가·프리랜서 102명, 실업자 57명, 디자인 전공 학생 136명 등 총 544명이 참여했다. 응답자의 61%가 헬싱키 수도권에 거주하고 60%가 석사 수준의 학위를 보유하고 있어, 핀란드 전체 디자이너를 대표하는 전수조사라기 보다 현재 디자인 분야 구성원들의 노동환경과 인식을 보여주는 산업 설문으로 이해하는 것이 적절하다.

보고서에서 가장 눈에 띄는 것은 2016년과 2026년의 직업을 비교한 자료다.

2016년과 2026년 핀란드 디자인 분야의 주요 직업 비교. 지난 10년 사이 서비스 디자이너, 디지털 디자이너, 디자인 매니저 등 새로운 역할이 주요 직군으로 등장했다. © Ornamo, Design Pulse 2026

2016년에는 인테리어 건축가(31%), 디자이너(17%), 산업디자이너(11%), 패션디자이너(6%), 아티스트(6%)가 상위권을 차지했다. 10년 뒤에는 인테리어 건축가(24%)에 이어 서비스 디자이너(17%), 디지털 디자이너(11%), 디자인 매니저(9%)가 주요 직업으로 등장했다.

이는 단순한 직업명의 변화가 아니다. 디자이너가 다루는 대상이 제품과 공간에서 서비스와 디지털 경험, 조직과 전략으로 확장되고 있음을 보여 준다. 다시 말해 지난 10년간 핀란드에서는 이미 ‘무엇을 만드는가’뿐 아니라 ‘무엇을 해결하고 어떻게 연결하는가’가 디자인의 중요한 업무가 되어왔다. AI는 바로 이러한 변화가 진행되는 시점에 등장했다.

Design Pulse 2026 응답자의 40%는 AI를 지속적으로 또는 상당히 많이 활용하고 있다고 답했다. 주요 활용 분야는 텍스트 생산, 정보 검색, 브레인스토밍과 콘셉트 개발이다. © Ornamo, Design Pulse 2026

AI 관련 문항에 응답한 538명 가운데 40%는 AI를 지속적으로 또는 상당히 많이 활용하고 있다. 가장 흔한 용도는 텍스트 생산과 가공, 정보 검색, 브레인 스토밍과 콘셉트 개발이었다. 현재는 AI가 완성된 디자인을 대신 만드는 도구 보다는 자료 조사와 분석, 아이디어 개발을 지원하는 도구로 활용되는 경우가 많은 것이다.

응답자의 73%는 AI가 디자이너의 핵심 도구가 될 가능성이 높다고 전망했고, 67%는 AI 활용 능력이 중요한 경쟁우위가 될 것이라고 답했다. 반면 AI에 대한 태도 자체는 긍정 37%, 중립 36%, 부정 28%로 엇갈렸다. 특히 학생과 젊은 응답자에서 부정적인 시각이 상대적으로 두드러졌다.

결국 질문은 AI 활용 여부를 떠나서 “AI를 사용하는 환경에서 디자이너는 무엇을 담당할 것인가”로 이동하고 있다. 보고서는 “디자이너의 역할이 실행(executing)보다 방향 설정(directing)에 가까워질 것”인지도 물었다. 이에 46%가 가능성이 높다고 답했고, 36%는 중립, 18%는 가능성이 낮다고 봤다. 46%라는 수치만으로 이것을 디자인의 확정된 미래라고 단정할 수는 없다. 하지만 지난 10년간 서비스 디자이너와 디자인 매니저처럼 문제 정의와 시스템 설계, 의사결정과 조율을 담당하는 직업이 증가해 온 흐름과 함께 보면 의미가 있다.

AI는 수십 개의 아이디어와 이미지를 빠르게 생성할 수 있다. 하지만 어떤 문제를 해결해야 하는지 정의하고, 누구를 위한 디자인인지 이해하며, 생성된 결과 가운데 무엇이 적절한지 판단하는 것은 여전히 다른 차원의 능력이다. 따라서 AI 시대의 디자인은 ‘실행’에서 ‘방향설정’으로 완전히 이동 한다기보다, 만드는 능력과 함께 판단(judgment), 방향 설정(direction), 해석(interpretation)의 중요성이 커지는 과정이라고 보는 편이 정확하다.

핀란드 디자인 분야에서는 AI가 핵심적인 디자인 도구가 되는 동시에 업무 효율에 대한 압박을 높이고, 디자이너의 역할과 비즈니스 모델에도 변화를 가져올 것으로 전망하고 있다. © Ornamo, Design Pulse 2026

이번 조사에서 가장 많은 응답자가 동의한 AI 관련 전망은 디자이너의 대체가 아니었다. 74%가 AI로 인해 디자인 업무의 효율성 압박이 커질 가능성이 높다고 답했고, 62%는 디자인 산업의 비즈니스와 수익 모델이 변화할 것으로 전망했다. 과거 하루가 걸리던 리서치나 콘셉트 개발을 AI를 통해 몇 시간 만에 처리할 수 있다면 기업과 클라이언트는 더 빠르고 많은 결과물을 기대하게 된다. 결국 AI의 등장은 새로운 프로그램을 익히는 차원을 넘어 디자인의 가치를 무엇으로 평가하고 가격을 매길 것인가 라는 문제로 이어진다.

이러한 변화가 일어나는 가운데 핀란드 디자인 노동시장은 불안정해지고 있다. 자신의 일자리가 안정적이라고 평가한 임금근로자는 2022년 86%에서 2026년 62%로 감소했고, 지난 1년간 직원 감축을 경험한 직장도 34%에 달했다. 학생 가운데 자신의 전공 분야 노동시장이 좋다고 평가한 비율은 7%에 불과했다. 물론 보고서는 이러한 고용 불안을 AI의 결과라고 결론짓지 않는다. 디자인 산업의 경기 민감성과 기업의 수주 감소 등 경제 상황이 함께 작용하고 있기 때문이다. 그러나 AI가 조사와 시각화, 텍스트 생산, 아이디어 개발 등 일부 초급 업무를 담당하기 시작한다면 또 다른 질문이 생긴다. 미래의 숙련된 디자이너는 어디에서 경험을 쌓을 것인가? 판단과 방향 설정의 가치가 높아질수록, 역설적으로 그러한 판단력을 키우기 위한 교육과 초기 실무 경험은 더욱 중요해질 수 있다.

보고서에서 보여주는 핀란드 디자인 산업에는 상반된 모습이 공존한다. 디자인의 영역은 서비스와 디지털, 조직과 전략으로 확장되고 AI라는 새로운 도구가 등장한 반면, 노동시장의 불확실성과 경력 초기 디자이너의 진입 장벽은 커지고 있다.보고서 역시 현재 디자인 산업을 “divided and uncertain”, 즉 양극화되고 불확실한 상황으로 진단한다.

AI뿐 아니라 지속가능성에서도 비슷한 변화가 나타난다. 환경 규제와 데이터를 이해하고 여러 분야의 전문가와 협업해 복잡한 조건 속에서 적절한 결정을 내리는 능력이 중요해지고 있다. 결국 미래의 디자이너에게 요구되는 것은 단순한 조형이나 제작 능력만이 아니라 정보를 해석하고 관계를 연결하며 판단하는 능력일 수 있다.

앞으로 디자인 전문성은 어떤 도구를 사용하느냐보다 어떤 문제를 발견하는가. 무엇을 질문하는가. 생성된 수많은 가능성 가운데 무엇을 선택하는가. 그리고 그 선택이 사람과 사회, 환경에 어떤 영향을 미치는지 판단할 수 있는가에 달려있을 것이다.

참고자료 다운로드:

https://www.ornamo.fi/en/press-release/ai-is-transforming-design-work-while-the-value-of-design-expertise-is-increasing/

태국 방콕의 새로운 랜드마크, '아카라 스카이 하누만(Akara Sky Hanuman)’

Sun, 30 Aug 2026 09:02:50 GMT

태국 방콕 플런칫(Ploenchit) 지역, BTS(방콕 스카이 트레인)플런칫역과 도보로 연결되는 오피스 타워 '원 시티 센터(One City Centre, OCC)' 58~61층에 태국 전통문화와 첨단 미디어아트를 결합한 복합 루프탑 명소 '아카라 스카이 하누만(‘Akara Sky Hanuman)이 새롭게 문을 열었습니다. "태국 전체를 하나의 하늘 아래(All of Thailand under one sky)"라는 슬로건 아래 낮에는 방콕 최고층 전망대로 밤에는 프로젝션 매핑)Projection mapping)과 인터랙티브(Interactive) 설치가 어우러진 몰입형 루프탑 바·레스토랑으로 운영되고 있습니다. 태국 서사시 '라마끼안(Ramakien)'에 등장하는 원숭이 신 하누만(Hanuman)을 공간 전체의 상징적 모티프로 삼아 건축·인테리어·미디어아트·다이닝을 하나의 스토리텔링으로 엮은 것이 차별화된 특징입니다.

원 시티 센터(One City Centre)

아카라 스카이 하누만이 자리한 원 시티 센터는 2023년 완공된 태국 최고층 오피스 타워로 높이 276m, 지상 61층 규모입니다. 설계는 세계적 건축사무소 스키드모어, 오윙스 앤 메릴(SOM, Skidmore, Owings & Merrill)이 맡았고 현지 사무소 탠덤 아키텍츠(Tandem Architects)와 디자인103 인터내셔널(Design 103)이 협업했으며, 조경은 SHMA, 구조는 마인하르트 그룹(Meinhardt Group)이 각각 담당을 했습니다.

이미지 출처 : 아카라 스카이 하누만 공식 홈페이지 https://akaraskyhanuman.com/

건축적으로 가장 인상적인 지점은 파사드입니다. 대각선 방향으로 교차 배치된 알루미늄 핀(fin)이 건물 전체를 감싸며 모서리까지 이어지는데 이는 태국 전통 실크 직조 문양에서 모티프를 가져온 것입니다. 채광을 조절하는 차양 기능과 시각적 정체성을 동시에 확보한 사례라고 할 수 있습니다. 저층부에는 약 4,800㎡ 규모의 테라스 정원, 반사연못, 폭포, 허브가든이 조성되어 도심 속 열섬 효과를 완화하는 오아시스 역할을 하며, 타워는 대지 남측에 배치해 대사관 부지와 맞닿은 사설 공원 조망을 잘 살렸습니다. 건물은 정점부(크라운)에서 두 갈래로 갈라지는 형태를 취하는데 이 갈라진 틈에 트리플 하이트(triple-height) 공간의 루프탑 레스토랑을 배치해 방콕에서 가장 높은 다이닝 스팟 중 하나를 구현했습니다. 아카라 스카이 하누만은 바로 이 크라운부의 58~61층, 즉 오피스 타워의 '정수리'에 해당하는 공간을 차지하고 있습니다.

사진 출처 : 태국 리포터 현장 직접 촬영

공간 구성과 컨셉

전체 공간은 4개 층에 걸쳐 여러 존(zone)으로 나누어 집니다. 61층은 '스카이 옵저베이션 덱'으로 낮에는 짜오프라야강과 올드타운, 룸피니 공원을 조망하는 문화 전망대로, 밤에는 프로젝션 매핑과 라이브 공연이 펼쳐지는 '하누만 스카이 바 & 레스토랑'으로 전환이 됩니다. 같은 층에는 태국 전통 시장의 활기를 재현한 '스카이 나이트 마켓'도 조성되어 있습니다. 59층은 '버추얼 로이끄라통(Virtual Loy Krathong)’과 '하누만 시네마(Hanuman Cinema)’가, 58층은 '시암 소사이어티스', '시암 코스튬', '방콕 리플렉션', '반 하누만', '스카이 타이 키친', '버추얼 스카이 랜턴' 등이 자리합니다. 낮에는 태국 전통 디저트와 애프터눈티, 태국 전통의상 체험을 할 수 있고 밤에는 시그니처 칵테일과 문화 공연을 즐기는 낮/밤 이원적 운영 방식이 전체의 컨셉을 관통하고 있습니다.

이미지 출처 : 아카라 스카이 하누만 공식 홈페이지 https://akaraskyhanuman.com/

사진 출처 : 태국 리포터 현장 직접 촬영

미디어아트 하이라이트

가장 주목할 지점은 미디어아트를 활용해 태국 전통 축제와 신화를 재해석했다는 점입니다. 방콕 리플렉션(Bangkok Reflection)은 반투명 거울로 둘러싸인 2개 층 규모의 관측실로 360도 파노라마 속에 과거·현재·미래가 겹쳐 보이도록 연출을 했습니다. 해가 진 뒤에는 조명이 내장된 헬륨 볼이 방문객의 움직임에 반응하며 공중을 떠다니게 됩니다. 버추얼 스카이 랜턴(Virtual Sky Lantern)은 북부 태국의 이뼁(Yi Peng) 등불 축제를 모티프로 한 설치로 1,800개의 유리 랜턴이 걸린 홀에서 밤이 되면 조명이 20여 가지 색조로 변화합니다. 실제 불이나 연기 없이 인피니티 미러 효과로 랜턴 빛이 하늘로 끝없이 솟아오르는 듯한 착시를 잘 구현했습니다. 버추얼 로이끄라통(Virtual Loy Krathong)은 태국 대표 축제인 로이끄라통을 디지털로 재해석해 방문객이 직접 디지털 끄라통을 만들어 띄우고 소원을 비는 인터랙티브 체험입니다. 하누만 시네마(Hanuman Cinema)은 몰입형 '스카이 돔' 아래에서 태국 4개 지역의 음식을 코스로 즐기며 각 지역의 문화 영상을 감상하는 시네마틱 다이닝 포맷입니다. 하누만 스카이 바는 프로젝션 매핑과 라이브 문화 공연이 결합된 나이트 프로그램으로 하누만 캐릭터를 형상화한 조형물과 연출이 어우러집니다.

이 모든 설치는 전통 신화·축제라는 무형의 문화유산을 디지털 라이트·인터랙티브 기술로 치환해 사진 한 장으로 소비되는 '인스타그래머블' 공간을 넘어 서사와 체험을 함께 설계했다는 점에서 눈여겨볼 만합니다.

사진 출처 : 태국 리포터 현장 직접 촬영

아카라 스카이 하누만은 태국의 신화·전통 문화 콘텐츠를 브랜드 서사의 중심축으로 삼아 공간 전체를 관통시킨 스토리텔링 방식이 가장 큰 특징이라고 할 수 있습니다. 더불어 건축(SOM의 파사드·매스 디자인)과 실내 미디어아트·F&B 기획이 유기적으로 결합된 복합 개발 방식, 낮과 밤의 프로그램을 완전히 다르게 설계해 하나의 공간을 두 개의 목적지로 운영하는 전략 등에서 참고할 지점이 많습니다. 특히 전통 문양(태국 실크)을 건축 파사드의 조형 언어로 치환한 SOM의 접근과 무형문화(축제·설화)를 미디어아트로 번역한 인테리어, 기술팀의 접근이 하나의 프로젝트 안에서 위계 없이 공존한다는 점은 전통문화 자산이 풍부한 한국의 디자이너들에게도 유효한 레퍼런스가 될 것으로 보입니다.

기사 출처 및 참고 사이트

아카라 스카이 하누만 공식 홈페이지 https://akaraskyhanuman.com/

원 시티 센터 공식 홈페이지 https://onecitycentrebangkok.com/

알바르 알토의 건축, UNESCO 세계의 유산이 되다

Sat, 29 Aug 2026 14:01:16 GMT

헬싱키에 있는 알토의 아뜰리에 © Alvar Aalto Foundation

2026년 7월 26일, 부산에서 열린 제48차 UNESCO 세계유산위원회에서 핀란드의 ‘Aalto Works’가 세계유산목록에 등재됐다. 알바르 알토가 디자인 한 파이미오 요양원(Paimio Sanatorium, 1929–33, Paimio), 빌라 마이레아(Villa Mairea, 1938–39, Pori), 세이나요키 시청사(Seinäjoki Civic Centre, 1951–87, Seinäjoki), 핀란디아 홀(Finlandia Hall, 1962/1967–75, Helsinki), 스튜디오 알토(Studio Aalto, 1954–55, 1962–63, Helsinki)등 핀란드 전역에 자리한 13개의 건축물과 건축군으로 이루어진 연속유산이다. 이로써 핀란드는 여덟 번째 UNESCO 세계유산을 갖게 됐으며, 처음으로 자국의 근현대 건축을 대표하는 유산을 세계유산목록에 올렸다.

이번 등재에서 주목할 점은 개별 건축물의 유명세보다, 이들 작품을 통해 알토의 건축이 국제 모더니즘을 핀란드의 자연과 건축 전통, 사회적 요구에 맞게 발전시켜 온 과정을 보여준다는 것이다. UNESCO는 이를 ‘인간 중심적(human-centred)이고, 장소에 반응하며(site-specific), 공감적인(empathetic)’ 접근으로 설명하고 있다.

파이미오 요양원의 병동과 좌측코너 실내 발코니 전경. © Alvar Aalto Foundation

그 특징을 잘 보여주는 초기 건축이 ’파이미오 요양원(Paimio Sanatorium)’이다. 1933년 완공된 결핵 요양원에서 알토는 환자가 공간을 어떻게 경험하는지를 세심하게 고려했다. 병실의 천장색과 자연광, 조명의 위치, 소음을 줄이기 위한 세면대, 가구의 형태까지 오랜 시간 침대에 누워 지내는 환자의 시선과 감각을 설계에 반영했다. 건축뿐 아니라 가구와 조명, 색채까지 하나의 환경으로 다룬 것이다.

세이나요키 시청사 인테리어와 핸들 디자인 © Alvar Aalto Foundation

오늘날의 표현으로 보면 ‘사용자 중심 디자인’과 연결해 볼 수 있는 접근이다. 하지만 효율과 기능, 새로운 기술이 중요하게 다뤄지던 당시의 모더니즘 건축에서 인간의 신체와 감각을 설계의 중요한 조건으로 다뤘다는 점에서 알토의 특징이 드러난다.

흥미롭게도 파이미오 요양원은 이미 2007년 단독으로 UNESCO 세계유산 등재가 추진된 적이 있다. 당시 파이미오의 건축적 중요성은 인정받았지만, ICOMOS는 다른 요양원 건축 및 알토의 전체 작품군과의 보다 심층적인 비교 분석이 필요하다고 평가했다. 이후 핀란드는 신청을 철회했다.

약 20년 뒤 핀란드는 하나의 건축물이 아니라 여러 시대와 유형의 건축을 하나의 연속유산으로 묶는 방식으로 다시 접근했다. 이번 Aalto Works에는 요양원 뿐 아니라 수닐라의 산업·주거지역, 세이나요키 시청사, 대학 캠퍼스, 교회, 문화시설과 개인주택 등이 포함됐다. 건강과 주거, 교육, 행정, 문화 등 서로 다른 영역을 통해 알토 스튜디오의 설계가 어떻게 변화하고 확장 됐는지를 보여 준다.

무라살로 실험주택(Muuratsalo Experimental House) © Alvar Aalto Foundation

무라살로 실험주택의 작업실 © Alvar Aalto Foundation

재료를 다루는 방식에서도 이러한 변화가 나타난다. 알토는 콘크리트와 유리 등 당시의 산업재료를 사용하면서도 나무와 벽돌, 자연광과 주변 풍경을 적극적으로 건축 안에 끌어들였다.

’무라살로 실험주택(Muuratsalo Experimental House)’에서는 서로 다른 종류의 벽돌과 쌓기 방식을 시험했고, ’빌라 마이레아(Villa Mairea)’에서는 목재와 돌을 비롯한 다양한 재료와 유기적인 형태를 통해 실내와 주변 자연의 관계를 탐구했다. 국제적으로 확산되던 모더니즘 디자인을 핀란드의 지역적 조건과 결합해 발전시킨 것이다.

이번 등재에서 또 하나 눈여겨 볼 부분은 알바 알토 한 사람의 이름만을 강조하지 않는다는 점이다. UNESCO의 공식 설명에는 아이노 마르시오-알토(Aino Marsio-Aalto)와 엘리사 알토(Elissa Aalto), 그리고 Aalto Studio와 디자인 파트너들의 협업이 함께 언급된다.

아이노 알토는 알바 알토와 함께 초기 주요 건축 프로젝트에 참여했으며 인테리어와 가구 디자인에서도 중요한 역할을 했다. 1935년에는 알바 알토, 마이레 굴리크센, 닐스구스타프 할과 함께 아르텍Artek 가구회사를 설립해 디자인 디렉터로 활동했다. 엘리사 알토 역시 알토 스튜디오의 후기 프로젝트에 참여했으며, 알바 알토 사후에는 사무소를 이끌며 진행 중이던 여러 프로젝트를 완성했다. 이런 점에서 ‘Aalto Works’라는 이름도 의미가 있다. 한 명의 건축가가 남긴 대표작을 나열하기 보다 여러 사람의 협업과 건축, 인테리어, 가구, 조명, 재료에 대한 실험을 통해 수십 년 동안 발전한 설계 문화를 함께 보여주기 때문이다.

빌라마리아 정원과 수영장 전경. © Alvar Aalto Foundation

알토의 작업에서는 건축과 제품 디자인의 경계도 자연스럽게 이어진다. 건물의 구조와 공간뿐 아니라 그 안에서 사용하는 의자와 조명, 문 손잡이 같은 작은 요소까지 함께 세심하게 고려해서 디자인했다. 1935년 설립된 Artek 역시 가구를 생산하고 판매하는 것을 넘어 현대 건축과 디자인, 예술을 소개하며 새로운 생활문화를 확산시키는 것을 목표로 했다.

Aalto Works의 13개 건축은 1920년대 후반부터 1980년대까지 약 60년에 걸쳐 만들어졌다. 병원과 주택에서 시청, 대학, 교회와 문화시설까지 서로 다른 시대와 용도의 건축을 따라가다 보면 알토 스튜디오의 설계가 어떻게 변화 했는지 뿐 아니라 핀란드의 모더니즘이 일상의 환경 속에서 어떻게 자리 잡아 왔는지도 함께 볼 수 있다.

교회 The Cross of the Planis © Alvar Aalto Foundation

이번 세계유산 등재는 이러한 건축과 디자인의 흐름이 20세기 현대건축의 발전 과정에서 지닌 가치를 국제적으로 인정한 결과이다. 동시에 알바 알토 개인에게 집중되어 온 익숙한 이야기에서 조금 벗어나 아이노와 엘리사 알토, 그리고 스튜디오의 협업까지 함께 살펴볼 계기가 되었다.

참고 자료:

https://www.alvaraalto.fi/wp-content/uploads/2026/04/Aalto-Works.pdf

https://www.alvaraalto.fi/en/alvar-aalto-foundation/alvar-aalto-and-unesco-world-heritage/aalto-works-materials/

태국 방콕의 새로운 랜드마크 '클라우드11(Cloud 11)', 건축·예술·문화가 공존하는 고가 공원의 탄생

Fri, 28 Aug 2026 09:24:34 GMT

태국 방콕 수쿰빗 남부(South Sukhumvit)에 위치한 복합개발 프로젝트 '클라우드11(Cloud 11)'이 도시의 새로운 문화·창의 허브로 주목받고 있습니다. 2026년 7월 중순 정식으로 오픈을 한 이 공간은 노르웨이의 건축·조경 설계사무소 스뇌헤타(Snøhetta)가 설계를 맡고 태국 건축 사무소 A49 Architects, Shma가 협업한 이 프로젝트입니다. 총 연면적 25만㎡ 규모로, 중앙 중정을 생태 인프라이자 문화 공원으로 삼은 것이 가장 큰 특징입니다. 특히 그 안에 조성된 'Cloud 11 Park'는 약 1만 7,000㎡(약 10라이) 규모로 방콕 최대의 실내형 공중정원이자 새로운 도심 허파의 기능을 할 것으로 보입니다.

건축적 접근: 태국 방콕의 층위를 재해석하다

Cloud 11의 건축적 출발점은 태국 방콕이라는 도시 자체의 물리적 조건입니다. 스뇌헤타 사무소는 상가주택이 늘어선 골목길, 도심 위를 가로지르는 고가 스카이트레인(Sky train) 그리고 빠르게 솟아오르는 고층 타워들이라는 방콕 특유의 '층층이 겹쳐진 도시 조직'에서 설계의 실마리를 얻었습니다. 이 층위와 층위 사이의 공간을 조각해내는 방식으로 건축을 구성함으로써 기존 건물과는 구분되는 새로운 '경계 영역(in-between realm)'을 만들어냈다는 점이 흥미롭습니다.

이미지 출처 : https://worldlandscapearchitect.com/cloud-11-a-new-elevated-park-in-bangkok/?v=1fdc0f893412

무엇보다 눈에 띄는 것은 '수평성'에 대한 강조입니다. 방콕 전역에 흔한 수직형 초고층 타워 중심의 개발 방식과 달리 Cloud 11은 낮고 넓게 펼쳐지는 수평적 매싱을 채택해 건축과 도시계획의 경계를 흐리게 됩니다. 타워와 포디움 사이에 배치된 고가 중정은 이 프로젝트의 '사회적·기후적 심장'으로 기능하며, 반복적인 풍환경·일사량 시뮬레이션을 거쳐 방콕의 무더위와 침수 취약성이라는 지역 기후 조건에 맞춰 정교하게 조율했습니다.

그리고 Cloud 11 Park의 설계에서도 이런 세심함이 드러납니다. 정원을 대지 중앙에 배치함으로써 한낮의 짧은 시간대에만 직사광선이 들도록 계획했고, 주변을 둘러싼 건물들이 자연스러운 '셀프 셰이딩(self-shading)' 효과를 내면서 오전과 오후 내내 그늘을 드리웁니다. 여기에 바람이 통하도록 설계된 개구부까지 더해져 별도의 기계 냉방 없이도 쾌적한 기후를 유지하는 것이 특징입니다.

이미지 출처 : https://worldlandscapearchitect.com/cloud-11-a-new-elevated-park-in-bangkok/?v=1fdc0f893412

태국의 예술과 문화: 창작자를 위한 플랫폼

Cloud 11은 단순한 상업·주거 복합시설을 넘어 '혁신, 창의성, 지속가능한 도시 생활을 위한 새로운 플랫폼'을 표방하고 있습니다. 대중교통 접근성이 뛰어난 입지를 바탕으로 크리에이티브 기업, 예술가, 창업가들을 한데 모으고 주민과 방문객에게는 문화 시설·리테일·호텔·녹지 공간에 대한 24시간 접근을 제공하고 있습니다. 크리에이터 빌리지와 첨단 제작 스튜디오, 교육 센터, 마켓홀이 하나의 도시적 프레임워크 안에서 서로 맞물려 있으며 세밀한 동선 네트워크가 이들을 유기적으로 연결해 우연한 만남과 교류를 촉진하도록 설계됐습니다.

문화적 프로그램의 무대가 되는 것은 역시 조경이라고 할 수 있습니다. 축제, 공연, 피크닉이 열리는 유연한 대지인 고가 잔디 광장을 중심으로 곳곳에 조성된 작은 '포켓 파크(Pocket Park)'들이 각기 다른 기능을 담당하고 있습니다. 스포츠 코트와 놀이터는 젊은 세대를, 치유 정원과 휴식 공간은 노년층을 위한 것이며, 문화 공간은 커뮤니티 행사의 무대가 됩니다. 실제로 Cloud 11 Park는 음악 공연, 페스티벌, 야외 상영회 등 다양한 창의 프로그램을 연중 개최하고 있으며, 이는 Cloud 11 내부 입주자뿐 아니라 인근 지역 주민과 일반 시민 모두에게 열려 있습니다.

사진 출처 : 태국 리포터 본인 현장 직접 촬영

또한 부지의 역사성을 존중하는 접근도 눈여겨볼 대목이라고 할 수 있습니다. 과거 과수원, 갈대밭, 논이었던 이 땅의 서사를 현대적인 고가 공원으로 재해석함으로써 개발이 지역의 집단 기억과 단절되지 않도록 했습니다. 기존에 자라던 성목(成木)들을 보존해 '살아있는 랜드마크'로 삼은 것 역시 같은 맥락으로 생태적 가치와 문화적 유산을 동시에 잇는 장치라 할 수 있습니다.

4. 태국 방콕의 도시 문제에 대한 응답

이번 프로젝트는 방콕이 처한 구조적 도시 문제에 대한 응답이라는 점에서도 의미가 큽니다. 방콕은 폭염 심화, 대기오염, 반복되는 침수는 물론, 1인당 공공 녹지 면적이 7㎡에 못 미쳐 지역 평균(39㎡)에 한참 못 미치는 아시아 최저 수준의 도시로 꼽히고 있습니다. Cloud 11은 이러한 문제에 대응하기 위해 태국 정부의 '그린 방콕 2030(Green Bangkok 2030)', '엔터 방콕 2050(Enter Bangkok 2050)' 이니셔티브 및 유엔기후변화협약·파리협정상의 국가적 약속과 궤를 같이하는 지속가능한 조경 기반 접근을 채택했습니다.

구체적으로는 녹색 지붕, 그늘진 파사드, 자연 환기를 통해 에너지 수요를 줄이고, 투수성 포장·빗물정원·우수정원·자갈 여과 플랜터 등으로 방콕의 집중호우 시 우수를 관리하고자 합니다. 제재목과 재활용 플라스틱으로 만든 사회적 가구, 현지 식생을 활용한 식재 팔레트 역시 저탄소·지역순환형 설계 철학을 뒷받침합니다. 다층적으로 식재된 녹지는 대기를 정화하고 도심 열섬 현상을 완화하는 '도시의 허파' 역할을 하며, 전략적으로 배치된 토양·식재 패치는 생태적 징검다리로서 도시 생물다양성 증진에도 기여합니다.

접근성 측면에서도 어린이와 고령자, 장애인 등 모든 세대와 계층을 아우르기 위해 유니버설 경사로, 야외 리프트, 그늘진 보행로, 그리고 골목·광장부터 에스컬레이터·거리에 이르는 세밀한 동선 체계를 갖췄습니다.

Cloud 11 Park는 프로젝트 전체 중 가장 먼저 개방 된 구역으로 연중 다채로운 창의 프로그램이 함께 운영이 되고 있습니다. 그 이후 나머지 구역들이 순차적으로 완전 개방되면서 24시간 도시적 삶이 펼쳐지는 복합 문화지구로서의 면모를 갖추게 되었습니다. 건축, 조경, 예술, 지속가능성이라는 네 가지 축을 하나의 공간 안에 통합한 Cloud 11은 단순한 부동산 개발을 넘어 기후위기 시대 동남아시아 대도시가 취할 수 있는 도시재생 모델의 한 사례로도 주목할 수 있습니다. 방콕이라는 도시의 물리적·역사적 층위를 존중하면서도 새로운 공공성을 실험한다는 점에서, 향후 국내 도시재생·공공공간 디자인 정책에도 시사하는 바가 적지 않을 것으로 보입니다.

기사 출처 및 참고 사이트

https://worldlandscapearchitect.com/cloud-11-a-new-elevated-park-in-bangkok/?v=1fdc0f893412

https://urbancreature.co/cloud-11-park/

이케아, 예술을 일상으로 끌어들이다 - 한정판 컬렉션 ‘콘스룬다(Konstrunda)’ 런칭

Sun, 23 Aug 2026 20:34:02 GMT

이케아가 예술과 대량 생산의 경계를 허무는 새로운 한정판 컬렉션 ‘콘스룬다(Konstrunda)’를 전격 공개했다. 이번 컬렉션은 예술은 무엇을 할 수 있으며 왜 중요한지에 대한 근본적인 질문에서 출발했다.

이케아의 콘스룬다 컬렉션 (출처: IKEA)

‘예술을 집 안으로 들인다’는 컨셉으로 기획된 콘스룬다는 7명의 아티스트 및 디자이너와 함께 완성한 22개의 장식 오브제, 텍스타일, 가구로 구성됐다. 안두 마세보(Andu Masebo), 리사 힐란드(Lisa Hilland), 이고르 홀테르만(Igor Holtermann), 잉그리드 리안더 베르그(Ingrid Leander Berg), 에마누엘레 스타물리(Emanuele Stamuli), 리사 라이저(Lisa Reiser), 그리고 아칸샤 데오(Akanksha Deo)와 함께했다. 이들은 해방감, 행복, 두려움 없는 태도를 키워드 삼아 마치 갤러리에 전시될 것 같은 독창적인 형태의 오브제와 가구들을 만들었다.

이케아의 크리에이티브 리더 카린 구스타프손(Karin Gustavsson)은 이번 프로젝트에 대해 기능적 필요를 해결하는 데 그치지 않고 순수한 예술 표현에 집중했다고 설명했다. 그는 “우리는 매우 드문 규모로 아트 오브제를 사람들의 집에 들여놓을 수 있다”며, “수집용 디자인(collective design)의 진입 장벽을 낮춰 누구나 자신이 사랑하고 영감을 주는 물건을 소유할 수 있도록 하는 것이 목표”라고 강조했다.

안두 마세보의 작품 (출처: IKEA)

이번 컬렉션은 작가 개개인의 독특한 철학이 고스란히 묻어난다. 최근에 많은 주목을 받고 있는 런던 출신 디자이너 안두 마세보는 튜블러 스틸 사이드 테이블과 원목 스툴, 거울처럼 반짝이는 스테인리스 스틸 도넛 접시 등을 선보였다. 그는 자신의 오브제가 완성된 완제품에 머무는 것이 아니라, 사용자가 배치를 어떻게 하는지에 따라 창의성을 발휘하도록 도움을 줄 수 있기를 기대한다.

아칸샤 데오의 작품 (출처: IKEA)

이케아 소속 디자이너 아칸샤 데오는 현대인의 고독을 위로하는 친근한 형태의 오브제들을 제안했다. 인도 전통 목공예와 직물 문화에서 영감을 받은 그녀의 작품 중 '더 커스디언(The Custodian)'은 마치 공간을 지켜주는 수호자 같은 독특한 토템 형태를 띠며 일상에 따뜻한 유머와 위안을 건넨다.

잉그리드 리안더와 이고르 홀테르만 듀오의 작품 (출처: IKEA)

이 외에도 리사 라이저는 젤리 사탕을 연상시키는 입으로 분 유리의 꽃병을, 잉그리드 리안더와 이고르 홀테르만 듀오는 스톡홀름의 거리 풍경에서 착안한 대담한 패턴의 쿠션과 러그를 선보였다. 대부분의 제품이 약 30만 원 대를 넘지 않는 합리적인 가격대로 책정되어 미술관에 갇혀 있던 예술을 일상의 영역으로 가져오고 있으며, 이케아만의 대량 생산 기술을 통해 순수 예술을 누구나 즐길 수 있도록 만들고 있다.

참고링크

https://www.ikea.com/gb/en/new/the-art-of-making-art-affordable-pube7e11ee4/

https://www.wallpaper.com/design-interiors/interior-design/interior-accessories/ikea-konstrunda-collection

https://www.elledecor.com/design-decorate/a73477124/ikea-launches-limited-edition-art-collection-konstrunda/

촉각을 디자인하는 시대, 회의실까지 들어온 피젯 디자인

Sat, 15 Aug 2026 11:37:26 GMT

생각은 손끝에서 시작된다

회의 중 무의식적으로 볼펜을 돌리거나 메모지에 낙서를 하고, 손에 쥔 물건을 만지작거려 본 경험은 누구나 한 번쯤 있을 것이다. 과거에는 이러한 행동을 집중하지 못하는 습관 정도로 여겼지만, 최근에는 손의 움직임과 촉각이 사고 과정에 어떤 영향을 미치는지에 대한 관심이 커지고 있다. 실제로 촉각 자극과 인지 활동의 관계를 다룬 연구가 이어지면서, 손을 움직이는 행위 자체를 창의적인 사고 과정의 일부로 바라보려는 시도도 늘어나고 있다. 이러한 변화는 일상 속 소비 트렌드에서도 쉽게 확인할 수 있다. 한국 뿐만 아니라 일본에서도 최근 키보드 스위치를 반복해서 누르는 감각을 즐기는 키링, 말랑한 촉감을 반복해서 만지는 피젯 토이(Fidget Toy), 슬라임과 촉감 굿즈 등 손끝의 감각을 자극하는 제품들이 꾸준한 인기를 얻고 있다. 겉으로 보기에는 단순한 장난감이나 액세서리처럼 보이지만, 공통적으로 '만지는 행위 자체를 즐기는 경험'을 제공한다는 특징이 있다.

이 같은 흐름의 배경에는 디지털 환경의 변화도 자리하고 있다. 우리는 하루 대부분의 시간을 스마트폰과 컴퓨터 화면을 바라보며 보낸다. 시각과 청각을 통해 끊임없이 정보를 받아들이지만, 손끝으로 무언가를 만지고 형태를 바꾸며 느끼는 경험은 점차 줄어들고 있다. 아이러니하게도 디지털 기술이 발전할수록 사람들은 오히려 실제로 만질 수 있는 물성(Materiality)과 촉각에서 새로운 즐거움과 안정감을 찾기 시작했다. 최근 촉감을 강조한 제품들이 다양한 분야에서 등장하는 이유도 이러한 시대적 변화와 무관하지 않다. 이러한 흐름 속에서 일본 디자인 기업 코넬(Konel)이 선보인 'IDEA SAND NEL'은 촉각을 일상적인 소비재가 아닌 회의와 브레인스토밍을 위한 도구로 확장한 프로젝트다. 회의 중 손으로 자유롭게 주무르고, 쥐고, 부수고, 다시 형태를 만들 수 있는 샌드 소재를 활용해 '손을 움직이며 생각하는 과정' 자체를 디자인했다. 제품을 만드는 것이 아니라 사고의 환경을 설계한 것이다.

소재가 아닌 '용도'를 디자인하다

IDEA SAND NEL은 촉각 자극과 인지 활동의 관계를 다룬 기존 연구에서 영감을 받아 기획됐다. 다만 브랜드는 특정 효과를 단정적으로 주장하지 않는다. 이 제품이 창의성을 향상시킨다고 입증된 것은 아니며, 촉각을 사고 과정에 도입했을 때 회의와 대화가 어떻게 달라질 수 있는지를 탐색하기 위한 도구라고 설명한다. 제품은 결과물을 만드는 점토나 장난감이 아니다. 회의나 브레인스토밍을 하는 동안 손을 자연스럽게 움직일 수 있도록 설계된 촉각 도구다. 사용된 샌드 소재는 손으로 쥐면 뭉쳐지고 힘을 빼면 다시 흩어지는 독특한 물성을 지녔다. 정해진 형태를 만들거나 완성해야 할 결과도 없다. 이야기를 들으며 주무르고, 아이디어를 고민하며 쥐고, 생각이 막히면 형태를 무너뜨리는 등 사용 방식에는 정답이 없다. 중요한 것은 무엇을 만드는지가 아니라, 생각하는 동안 손이 자연스럽게 움직일 수 있는 환경을 만드는 것이다.

흥미로운 점은 새로운 소재를 개발한 프로젝트가 아니라는 점이다. 사용된 샌드는 이미 존재하던 소재지만, 코넬은 이를 '회의 중 손을 움직이며 생각한다'는 새로운 맥락으로 재해석했다. 즉, 소재 자체를 바꾼 것이 아니라 사용 목적과 활용 방식을 새롭게 디자인한 것이다. 이는 최근 디자인 분야에서 중요하게 다뤄지는 서비스 디자인의 관점과도 맞닿아 있다. 새로운 기술이나 소재를 발명하기보다 기존 자원에 새로운 사용 시나리오를 부여함으로써 이전에는 없던 가치를 만들어낸 사례라는 점에서 의미가 있다.

이번 프로젝트에서 주목할 점은 소재 자체가 아니다. '생각하는 방식'을 다시 디자인했다는 데 있다. 우리는 사고를 머리로 하는 활동이라고 여겨왔지만, IDEA SAND NEL은 손의 움직임과 촉각 역시 사고 과정의 일부가 될 수 있다는 가능성을 제안한다. 중요한 것은 결과물을 만드는 일이 아니라, 생각하는 동안 손이 자연스럽게 움직일 수 있는 환경을 만드는 것이다. 이러한 관점은 최근 일본의 소비 트렌드와도 맞닿아 있다. 촉감을 중심으로 한 제품들이 잇따라 등장하는 것도 같은 맥락이다. 디지털 환경이 일상이 될수록 사람들은 화면에서는 얻을 수 없는 물성과 촉각에 다시 관심을 기울이기 시작했다.

IDEA SAND NEL은 이러한 흐름을 회의와 브레인스토밍이라는 업무 환경으로 확장했다. 새로운 소재를 개발한 것이 아니라, 기존 소재에 새로운 역할을 부여했다는 점도 흥미롭다. 결국 이 프로젝트가 제안하는 것은 새로운 회의 도구가 아니라, 생각하는 환경을 바라보는 새로운 시각이다. 촉각이라는 익숙한 감각을 통해 사고와 대화의 방식을 다시 바라보게 한다는 점에서, 앞으로의 디자인이 주목해야 할 가능성을 보여준다.

공간과 미각의 실험, 스웨덴 귀리 우유 브랜드 오틀리가 뉴욕에서 재정의한 음료 문화

Wed, 12 Aug 2026 21:51:42 GMT

애프터테이스트 (Aftertaste) 행사 (출처: Oatly)

스웨덴의 귀리 우유 브랜드 오틀리(Oatly)가 뉴욕에서 ‘애프터테이스트(Aftertaste)’라는 행사를 진행했다. 이는 단순히 오틀리의 제품을 홍보하는 행사가 아니라, 음료 업계가 향후 나아갈 방향에 대해 이야기하는 색다른 이벤트였다. 커피, F&B, 미디어 등 각 분야를 이끄는 300여 명의 크리에이터와 리더들이 한자리에 모여 오늘날 음료가 기능적 소비를 넘어 한 사람의 취향과 정체성으로 진화하고 있음을 증명했다.

애프터테이스트 (Aftertaste) 행사 (출처: Oatly)

행사장은 오틀리의 최신 전략 가이드인 ‘Look Book Vol. 3’에서 영감을 받은 몰입형 공간으로 디자인되었다. 온통 초록빛으로 채워진 ‘말차 파크(Matcha Park)’에는 실제 오틀리 말차 오트밀크가 흘러나오는 분수와 공원 벤치가 설치되어 방문객들이 색다른 경험을 할 수 있도록 만들었고, 거리의 가판대를 재해석한 ‘오트 프로파간다 뉴스탠드’는 흑백과 핑크 톤의 비주얼 속에서 콜드브루와 아이스 차이 라떼를 선보였다. 또한 전 세계 유명 카페의 독창적 굿즈를 모아놓은 ‘콘트라반드 코너’에서는 방문객들이 토큰을 사용해 물품을 교환하는 경험을 즐길 수 있었다. 전 세계 바리스타들의 목소리가 담긴 음성 메모가 흘러나오는 전화기 설치물 역시 공간을 더욱 더 특별하게 만들었다.

애프터테이스트 (Aftertaste) 행사 (출처: Oatly)

또한 오틀리는 ‘오트오마트(Oat-o-mat)’를 통해 ‘에브리띵 베이글’이나 에스프레소 마티니 스타일의 젤오트(Jell-Oat) 같은 파격적인 음료를 제공했다. 낮 시간 동안 이어진 패널 토크에서는 ‘모든 곳이 카페가 되는 시대’와 ‘젠지가 음료 문화를 바꾸는 방식’ 등 다른 강연들에서는 다루지 않는 색다른 주제들을 다뤘다.

애프터테이스트 (Aftertaste) 행사 (출처: Oatly)

초대장부터 핀, 스티커, 메뉴 디자인, 자판기 굿즈, 그리고 직원들의 유니폼에 이르기까지 철저하게 브랜딩 된 이 행사는 월스트리트저널을 비롯한 주요 언론의 22건에 달하는 보도를 이끌어내며 오틀리를 단순한 식품 브랜드가 아닌 글로벌 문화 트렌드의 선구자로 각인시켰다.

참고링크

https://www.killingsdesign.com/work/oatly-aftertaste

https://www.highsnobiety.com/p/we-stand-corrected-coffee-dates-are-underrated-oatly/

https://www.oatly.com/en-gb/things-we-do/initiatives/aftertaste

토지 Laboratory - 일본의 전통 입욕 문화를 '퍼스널화'하다

Wed, 12 Aug 2026 06:10:45 GMT

일본에서는 예로부터 온천에 머물며 몸과 마음을 회복하는 '토지(湯治)' 문화가 이어져 왔다. 단순히 피로를 푸는 것을 넘어 일정 기간 온천지에 머물며 몸의 균형을 되찾고 마음을 돌보는 생활 방식으로, 오랫동안 일본인의 삶 속에 자리 잡아온 치유 문화다. 하지만 현대에 들어 바쁜 도시 생활이 일상화되면서 이러한 전통은 점차 일상에서 멀어졌고, 온천 역시 여행이나 휴식의 특별한 경험으로 인식되는 경우가 많아졌다. 최근 일본에서는 전통문화를 현대적인 라이프스타일에 맞게 재해석하려는 시도가 다양한 분야에서 이어지고 있다. 도쿄 시부야구에 문을 연 '토지 Laboratory(湯治 Laboratory)' 역시 이러한 흐름을 보여주는 사례다. 이곳은 1962년 창업 이후 60여 년 동안 온천 입욕제를 연구해온 '영비너스약품공업(ヤングビーナス薬品工業)'이 선보인 첫 직영 매장으로, 단순히 입욕제를 판매하는 공간이 아니다. 개인의 취향과 컨디션에 맞는 입욕 경험을 제안하는 퍼스널 웰니스 플랫폼을 지향하며, 오랜 입욕 문화를 오늘날의 소비 방식과 서비스 경험으로 새롭게 풀어냈다. 공간 디자인은 MHAA건축설계사무소, 브랜드 로고는 EDING:POST가 맡았다. 브랜드가 추구하는 '몸과 마음을 돌보는 시간'이라는 철학을 공간과 시각 언어 전반에 담아내며, 전통적인 입욕 문화를 현대적인 리테일 경험으로 재해석한다.

'오늘의 목욕'을 디자인하다

가장 큰 특징은 입욕제를 하나의 완성된 제품으로 판매하지 않는다는 점이다. 고객은 자신의 취향은 물론 그날의 몸 상태와 기분에 맞춰 입욕제를 직접 조합하며, 자신에게 가장 잘 맞는 목욕 시간을 완성해 간다. 브랜드는 이를 단순한 제품 구매가 아닌 '오늘의 나에게 가장 잘 맞는 목욕을 설계하는 과정'으로 정의한다.

새롭게 선보인 입욕제 'YUYAKU'는 여러 제품 중 하나를 선택하는 방식이 아니라, 물의 성질과 향, 색을 자유롭게 조합하는 시스템으로 구성됐다. 먼저 피부를 부드럽게 감싸는 염화물계, 목욕 후 산뜻한 느낌을 주는 황산염계, 매끄러운 촉감이 특징인 탄산수소염계 등 원하는 온천수 타입을 선택한 뒤, 물의 투명도와 점성까지 세밀하게 조절한다. 여기에 10여 가지 이상의 향과 색을 더하면 조합은 100가지 이상으로 확장된다. 같은 사람이라도 계절이나 컨디션, 기분에 따라 필요한 목욕은 달라질 수 있다는 점에 착안해, 매일 다른 목욕을 선택하는 과정 자체를 하나의 서비스로 설계한 것이다.

이러한 철학은 매장 공간에서도 이어진다. 토지 Laboratory에서는 입욕제를 눈으로만 고르는 것이 아니라 몸으로 직접 체험하며 선택한다. 패키지나 제품 설명만으로 판단하는 일반적인 리테일과 달리, 매장에는 손을 물에 담가 촉감과 향을 확인할 수 있는 '테유(手湯)' 공간이 마련돼 있다. 고객은 자신이 조합한 입욕제를 실제 물에 풀어본 뒤 물의 질감과 향을 직접 확인하고 최종 선택을 할 수 있다. 또한 온천 소믈리에가 고객의 취향과 컨디션을 상담하고 적합한 조합을 추천하는 프로그램도 운영한다. 단순히 제품을 판매하는 데 그치지 않고 현재의 몸 상태를 함께 살펴보며 그날 가장 적합한 입욕 방식을 제안하는 것이 이 공간의 핵심이다. 즉, 토지 Laboratory는 상품을 진열하는 매장이 아니라 상담과 체험, 개인 맞춤 서비스를 하나로 연결한 리테일 공간을 구현하며, 입욕제를 고르는 순간부터 사용하는 과정까지 모두 하나의 서비스로 디자인했다.

브랜드는 '목욕'이라는 일상의 행위를 계절과 감각을 즐기는 하나의 라이프스타일로 확장하기 위해 다양한 콘텐츠를 공간 안에 함께 담아냈다. 매장에서는 계절탕에 사용하는 제철 식물과 과일도 판매한다. 겨울철 유자를 띄워 즐기는 유자탕처럼 일본에는 계절의 식물과 과실을 목욕에 활용하며 계절의 변화를 느끼는 문화가 오래전부터 이어져 왔다. 토지 Laboratory는 이러한 전통을 현대적인 방식으로 재해석해, 제철 식재료를 욕조에 띄워 향을 즐기거나 식탁에서 맛보는 등 계절을 즐기는 새로운 방식을 제안한다. 이와 함께 향과 색을 직접 조합해 자신만의 입욕 아이템을 만드는 워크숍을 운영하고, 매장에서만 만날 수 있는 오리지널 테누구이(일본식 수건)와 일러스트레이터 구로다 기요시(黒田潔)의 굿즈도 선보인다. 단순히 제품을 판매하는 것이 아니라 향을 고르고 만들고 사용하는 전 과정을 하나의 즐거움으로 설계해 목욕이라는 행위를 보다 풍부한 문화적 경험으로 확장한 것이 특징이다.

최근 웰니스 시장에서는 제품의 성능이나 기능보다 사용자가 무엇을 느끼고 어떻게 머무는가가 브랜드 경쟁력을 결정하는 중요한 요소로 떠오르고 있다.

토지 Laboratory 역시 입욕제와 계절 식재료, 워크숍, 굿즈를 하나의 브랜드로 유기적으로 연결하며, 목욕을 단순한 위생 행위가 아닌 감각과 계절, 문화를 함께 즐기는 시간으로 제안한다. 이곳에서 소비자가 구매하는 것은 제품 한 가지가 아니다. 자신의 몸 상태와 감정, 그리고 그날의 기분에 맞춰 완성하는 하나의 입욕 방식이다. 제품을 사용하는 순간이 아니라, 선택하고 체험하며 자신에게 맞는 방식을 찾아가는 전 과정을 브랜드의 핵심 가치로 삼은 것이다. 전통적인 '토지(湯治)' 문화를 현대적인 서비스 디자인으로 재해석한 이번 프로젝트는, 일본 웰니스 산업이 제품을 판매하는 것에서 라이프스타일을 제안하는 방향으로 변화하고 있음을 보여준다.

이번 프로젝트에서 주목할 점은 입욕제를 개인 맞춤형으로 만들었다는 사실 자체가 아니다. '목욕'이라는 일상의 행위를 하나의 디자인 경험으로 재구성했다는 데 더 큰 의미가 있다. 기존 웰니스 브랜드가 제품의 기능과 효능을 중심으로 차별화를 시도했다면, 토지 Laboratory는 상담하고, 체험하고, 조합하는 전 과정을 하나의 서비스로 설계했다. 소비자가 구매하는 것은 입욕제 한 봉지가 아니라 '오늘 나에게 가장 잘 맞는 목욕 경험'인 셈이다.

최근 일본의 리테일 디자인은 물건을 판매하는 공간에서 벗어나 브랜드가 추구하는 가치와 경험을 전달하는 공간으로 변화하고 있다. 토지 Laboratory 역시 이러한 흐름을 보여주는 사례다. 오랜 전통문화인 '토지'를 현대적인 개인 맞춤 서비스와 결합해 새로운 브랜드 경험으로 재해석했다는 점도 눈여겨볼 만하다. 특히 이 프로젝트는 과거의 문화적 자산을 현대적인 서비스와 리테일 디자인으로 연결함으로써, 전통을 단순히 보존의 대상이 아니라 오늘날의 소비자와 지속적으로 관계를 맺는 브랜드 자산으로 확장했다. 이는 오래된 문화를 현재의 라이프스타일 속에서 어떻게 이어갈 것인가에 대한 하나의 디자인적 해법을 제시한다.